[Kunst-News 37], Ausgabe 01, 2026

1

[ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Internationaler Kunstmarkt zeigt sich 2025 stabil 0 Kunst-Welt Kunstmarkt 2025 Der internationale Kunstmarkt zeigt sich 2025 stabil, aber differen- ziert. Laut dem Global Art Market Report 2025 liegt das weltweite Marktvolumen bei rund 67 Mrd. US-Dollar, ein leichter Zuwachs gegenüber 2024. Besonders gut entwickeln sich Galerien mit globalem Netzwerk und starken Künstler:innenportfolios. Mittelgroße und junge Galerien stehen dagegen weiter unter Druck. Steigende Fixkosten, höhere Trans- portpreise und veränderte Samm- lerstrukturen führen zu Marktkon- solidierungen und strategischen Kooperationen. Gleichzeitig entstehen neue Chan- cen durch digitale Vertriebskanäle und den gezielten Aufbau direkter Kundenbeziehungen. Im europäischen Markt bleibt der deutschsprachige Raum stabil. Städte wie Berlin, Zürich und Wien bieten weiterhin verlässliche Rahmenbedingungen und kulturelle Attraktivität. Art Basel Paris 2025 Bild: epm Deutsche Galerien investieren zunehmend in hybride Formate: digitale Viewing Rooms, Online- Editionen und sozialmediale Kom- munikation sind fester Bestandteil des Marketings. Der Fokus liegt auf langfristiger Markenbildung und transparenter Preisgestaltung. (epm) Seite 2 For English Reports See Page 35 – 48 Anzeige

2

2 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Auktionsmarkt hat sich wieder erholt Fortsetzung von Seite 1 Kunst-Welt Auktionshäuser: Konzentration und Digitalisierung Der Auktionsmarkt, der knapp die Hälfte des globalen Handels- volumens ausmacht, hat sich 2025 nach dem Rückgang im Vorjahr wieder erholt. Laut dem UBS/Art Basel Report liegt der Anteil der drei großen Häuser – Christie’s, Sotheby’s und Phillips – weiterhin bei über 70 %. Die Wachstumsdynamik speist sich aus onlinebasierten Bietverfahren und hybriden Auktionsformaten. Rund 30 % aller Transaktionen erfolgen inzwischen digital, so der Hiscox Online Art Trade Report 2025. Besonders junge Sammler:- innen schätzen den niedrigeren Zugangsschwellenwert und die höhere Markttransparenz. Der europäische Markt bleibt konservativer, zeigt aber Anzeichen zunehmender Internationalisierung. In Deutschland und der Schweiz konzentrieren sich Auktionshäuser stärker auf kuratierte Spezialauk- tionen statt auf hohe Eventzahlen. Qualitative Selektion ersetzt die frühere Quantität. Unternehmenssammlungen rücken als Institutionen mit langfristigem Anlagehorizont stärker in den Fokus. Moderate Expansion Ausblick 2026: Bild: epm Contemporary – die Sammler:innen und Galerien aus dem mittel- und osteuropäischen Raum effektiv vernetzen. Der digitale Anteil an Messeaktivitä- ten – von Chat-basierten Beratungs- tools bis zu virtuellen VIP-Previews – bleibt hoch, hat aber seinen pande- miebedingten Spitzenwert hinter sich gelassen. Online-Angebote dienen primär der Vor- und Nachbereitung physischer Kontakte. Käuferstrukturen und Markttrends Das Käuferverhalten verändert sich weiter in Richtung Diversifizierung und Professionalität. Das Durch- schnittsalter neuer Sammler:innen sinkt leicht, während der Anteil weib- licher und asiatischer Käufer:innen wächst. Diese Gruppen legen mehr Wert auf kulturelle Relevanz und Nachhaltigkeit als auf kurzfristige Wertsteigerung. Der Markt für digitale Kunst und NFTs ist 2025 kleiner, aber strukturierter. Digitale Zertifikate und Provenienzlö- sungen etablieren sich als Funktions- elemente des Marktes, nicht mehr als Spekulationsobjekte. Stiftungen und Impressionen von der TEFAF in Maastricht [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026 Kunstmessen: Neuorientierung und Nachhaltigkeit Die großen Kunstmessen haben sich 2025 erfolgreich neu positioniert. Die Art Basel bleibt der globale Re- ferenzpunkt, dicht gefolgt von For- maten wie Frieze, TEFAF und ARCO Madrid. Während der internationale Messekalender wieder voll ausgelas- tet ist, prägen Nachhaltigkeit, Kos- tenbewusstsein und Standortstrate- gien zunehmend die Planung. Viele Veranstalter:innen reagieren auf diese Herausforderungen mit ökologisch und wirtschaftlich effizi- enteren Messeformaten. Kürzere Laufzeiten, geringere Transportvolu- mina und modulare Standkonzepte ersetzen zunehmend aufwendige Logistik. Parallel wächst die Bedeu- tung regionaler Messen – etwa der Art Düsseldorf oder der Vienna Für 2026 erwarten Branchenana- lyst:innen laut UBS/Art Basel Report ein moderates Wachstum von 3 bis 5 %. Der Markt dürfte sich weiter konsolidieren, während die Digitali- sierung des Handels zunimmt und Nachhaltigkeit an Gewicht gewinnt. In Europa bleibt das Umfeld grund- sätzlich stabil. Die deutschsprachi- gen Länder profitieren von einer ho- hen Dichte professioneller Galerien, steuerlicher Verlässlichkeit und einer wachsenden Käuferschicht mit Interesse an mittelpreisiger Gegenwartskunst. Die größte Herausforderung für 2026 bleibt die Balance zwischen wirt- schaftlicher Skalierung und kulturel- lem Anspruch. Die Zukunft des Kunst- markts entscheidet sich weniger an der Zahl spektakulärer Auktionen, sondern an der Fähigkeit von Institu- tionen, Vertrauen, Transparenz und Qualität zu verbinden. (epm)

3

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ MARIANNA SIMNETT – Headless ] 3 Marianna Simnett, Headless #1, 2025, Öl auf Museen Max Ernst Museum Brühl des LVR Die Ausstellung „Headless“ von Mari- anna Simnett zeigt erstmals eine um- fassende Werkübersicht aus sieben Jahren künstlerischer Praxis. Sie ver- eint Medien aus unterschiedlichen Schaffensjahren, darunter Skulptur, Video und KI-Arbeiten, die durch das neue malerische Werk ergänzt und miteinander verbunden werden. In traumartigen Bildwelten, der Erfor- schung des Unbewussten und der Ab- kehr von Rationalität und Logik zeigt sich eine enge Verbindung zum Sur- realismus. Es entsteht ein zugleich verstörender wie verführerischer Kosmos aus zersplitterten Realitäten und unheimlichen Begegnungen. Der Titel der Ausstellung „Headless“ (Kopflos) ist dem ersten Collagero- man von Max Ernst „La femme 100 têtes“ (Die hundertköpfige kopflose Kunstmessen Laufzeit: 17.04. bis 19.04.26, Areal Böhler in Düsseldorf In ihrer achten Ausgabe verzeichnet die Art Düsseldorf mit 119 teilneh- menden Galerien einen weiteren Zuwachs. 32 Galerien sind 2026 erst- mals auf der Art Düsseldorf vertreten, darunter zehn in der insgesamt 65 Galerien umfassenden Main Section. Zu den Erstteilnahmen zählen unter anderem Esther Schipper (Berlin/ Paris), Bärbel Grässlin (Frankfurt) sowie Petrine (Paris/Düsseldorf). Zu den 85 wiederkehrenden Ausstel- lern zählen etablierte Galerien wie carlier | gebauer (Berlin/Madrid), Knust Kunz (München), Gether Con- temporary (Kopenhagen), Soy Capi- tán (Berlin) und Nosbaum Reding (Luxemburg/Brüssel), die ihre Teil- nahme zuletzt pausiert hatten und deren Rückkehr die langfristige Bin- dungskraft der Art Düsseldorf unter- streicht. Die Ausstellerliste umfasst Standorte in 22 Ländern und unterstreicht den festen Platz der Art Düsseldorf im Frau) aus dem Jahr 1929 entlehnt. Eigens für diese Ausstellung hat die britisch-kroatische Künstlerin eine mit „Headless“ betitelte neue Serie von Gemälden geschaffen. Darin ver- knüpft sie die Ideen des Surrealismus mit der Gegenwart; Subversiv ver- dreht sie Max Ernsts Collagen zu ge- waltvollen und sinnlichen Szenerien. Marianna Simnett (*1986, London, UK) ist eine britisch-kroatische multidiszipli- näre Künstlerin, die in Berlin und New York lebt und arbeitet. Ihre immersiven Erzählungen handeln von den sich überschneidenden und manchmal widersprüchlichen Themen Verletzlich- keit, Autonomie, Kontrolle, Schmerz, Metamorphose und Fürsorge. Die Ausstellung ist vom 31.1. bis zum 5.7.26 im Max Ernst Museums Brühl des LVR zu sehen. (MEM) intern. Messegeschehen. 50 Galerien haben ihren Sitz außerhalb Deutsch- lands oder verfügen über internatio- nale Standorte, vor allem in Europa, ergänzt durch ausgewählte Standorte in Nord- und Südamerika. Besonders stark vertreten ist Österreich mit 17 Galerien; zudem steigt die Zahl der Galerien mit italienischem Standort 2026 von sechs im Vor- jahr auf neun. Mit 33 Galerien bleibt das Rheinland ein zentraler Bezugspunkt der Art Düsseldorf: 19 Galerien haben ihren Standort in Düsseldorf, 12 in Köln sowie zwei in Bonn. Zu den ver- tretenen Galerien aus der Region zählen unter anderem die Konrad Fischer Galerie, Ruttkowski;68, Sies+Höke sowie Van Horn. Neben dem Rheinland ist erneut Berlin mit 31 Ausstellern besonders stark vertreten. Damit positioniert sich die Art Düssel- dorf weiterhin als Schnittstelle Art Düsseldorf 2026 setzt ein klares Zeichen für Kontinuität zwischen der stark verankerten rheinischen Sammler- und Instituti- onslandschaft und den programm- atisch starken Galeriestandorten Berlin sowie ausgewählten inter- nationalen Positionen. (afi) Impressionen von der Art Düsseldorf 2025 Bild: Thomas Müller Bild: epm Leinwand, Courtesy the artist und Société, Berlin [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

4

4 Bücher Niki de Saint Phalle in allen Facetten Hatje Cantz Verlag Niki de Saint Phalle - Künstlerin, Rebellin und Visionärin. Bekannt für ihre farbenfrohen „Nanas“, ihre gesell- schaftskritischen Werke und ihre un- konventio- nelle Ar- beitsweise, zählt Niki de Saint Phalle zu den prä- gendsten Künstlerin- nen des 20. Jahr- hunderts. Bild: Hatje Cantz In diesem Band der Hatje Cantz Reihe A-Z entfaltet sich ein faszinie- rendes Mosaik ihres Œuvres. Von „A wie AIDS“ bis „Z wie Züricher En- gel“ führt das Buch durch die vielfälti- gen Facetten von Saint Phalles Leben und Schaffen - spielerisch, überra- schend und inspirierend. Ein einzigar- tiger Zugang zu einer Künstlerin, die ihre Freiheit immer neu definierte. Niki de Saint Phalle: A-Z Autorin: Katharina Sykora Gestaltet von: Torsten Köchlin Künstlerin: Niki de Saint Phalle Deutsch , Jan. 2026, 108 Seiten, 47 Farbfotos, Hardcover ISBN:978-3-7757-5436-1 Reihe: A - Z Reihe (Nr. 6) 18 Euro Anzeige [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Bild: YAYOI KUSAMA, Courtesy of Ota Fine Arts, David Zwirner Yayoi Kusama bei der Arbeit an My Eternal Soul (2009-21), 2017 Yayoi Kusama im Museum Ludwig Ausstellungen Termin: 14.03. - 02.08.26 Im Jahr 2026 widmet das Museum Ludwig in Köln anlässlich seines 50- jährigen Jubiläums der legendären japanischen Künstlerin Yayoi Kusama eine große Ausstellung. Kusama (*1929, Matsumoto) zählt zu den bekanntesten Künstler:innen unserer Zeit. Ihre ikonischen Polka Dots, ihre Kürbisskulpturen und ihre verspiegelten lnfinity Rooms sind zu einer Art Markenzeichen geworden und tauchen millionenfach in den Sozialen Medien auf. Die Ausstellung nimmt die Besucher*innen mit auf eine spannende Reise durch Kusamas gesamtes Schaffen mit über 300 Arbeiten, von der ersten Zeichnung von ca. 1934 bis heute, und durch eine Vielzahl künstlerischer Medien, wie Malerei, Zeichnung, Skulptur, Installation, Mode, Performance und Literatur. Über die gesamte Wechselausstel- lungsfläche des Museum Ludwig hin- aus wird die groß angelegte Ausstel- lung auch weitere Bereiche des Hau- ses wie die Dachterrasse mit Domblick bespielen. Eine neue, eigens für die Ausstellung konzipierte immersive Rauminstallation mit integriertem lnfinity Mirror Room wird den größten Saal des Museums füllen. Darüber hin- aus werden frühe ikonische Arbeiten, wie Kusamas erste, 1963 entstandene Installation Aggregation: One Thousand Boats Show zu sehen sein. Im Zentrum von Kusamas Werk stehen die Natur in ihrem ständigen Wandel, Werden und Vergehen sowie die Unendlichkeit des Universums, in der alles Existierende sich letztlich auflöst. Die Punktemuster (Polka Dots), mit denen die Künstlerin Ge- genstände und Menschen überzieht, sind ebenso Ausdruck dieser Weitsicht wie ihre UnendlichkeitsSpiegelräume. Erlebnisse ihrer Kindheit, darunter Hal- luzinationen, in denen sie den eigenen Körper und die Umgebung von Punk- ten, Blüten und anderen Wiederho- lungsmustern überwuchert wahrnahm, durchziehen Kusamas gesamtes Schaf- fen. Fragilität und Auslöschung sind gleichermaßen Teil dieser Erfahrungen wie die Teilhabe und Verschmelzung mit einem großen Ganzen. Ihre Kunst ist für Kusama Lebensnotwendigkeit, jedes ihrer Werke auch eine Auseinan- dersetzung mit sich selbst. Nach Kindheit und Jugend im ländli- chen, patriarchalisch geprägten Japan der Nachkriegszeit entflieht Kusama der Enge und geht in den 1960er Jah- ren ins New York der Flower Power- Bewegung und des Vietnamkriegs; dort bezieht sie politisch Stellung und macht Schlagzeilen mit provokanten Happenings. 1973 kehrt Kusama nach Japan zurück und verarbeitet ihre existentiellen Ängste in oft schonungs- losen Romanen und Gedichten. (ML) Seite 6 [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

5

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ ] Carl Grossberg Sachlich – magisch – visionär Ausstellungen Von der Heydt-Museum, Termin: 22.03. – 30.08.2026 Die Ausstellung des Von der Heydt- Museums feiert die Wiederent- deck-ung eines der herausragenden Maler der Neuen Sachlichkeit: Carl Gross-berg (1894–1940). Sein umfang-reiches Werk, das in einem Zeitraum von nur knapp 20 Jahren entstanden ist, widmet sich fast ausschließlich den Themen Archi- tektur und In-dustrie. Mit seiner formalen Klarheit und Strenge ist es Ausdruck eines neuen, fotogra- fischen Sehens und spiegelt den technischen Fortschritt im ersten Drittel des 20. Jahr-hunderts. Dabei regen die reduzierten Kom- positionen dazu an, den industr- iellen Fortschritt und seine Wirkungen auf den Menschen kritisch zu hinterfragen. Die Ausstellung, die erste Retro- spektive seit über 30 Jahren, be- trachtet Carl Grossbergs Schaffen umfassend neu und präsentiert Eine Reihe von bisher unbekannten Arbeiten. Dabei zeigt sich, wie aktuell Grossbergs Werke sind, in künstler- ischer wie in gesellschaftlicher Hin- sicht. Insbesondere die vieldeutig lesbaren „Traumbilder“, einzigartig in der Kunst der 1920er und 1930er Jahre, weisen ihn als hoch sensiblen Intellektuellen aus. Grossbergs Kunst beschwört die Magie der Dinge, macht die Komplexität der modernen Welt und ihre inneren Widersprüche sichtbar. Parallelen zu heute ergeben sich aus dem aktuell stattfindenden Strukturwandel mit noch unabseh- baren gesellschaftlichen Folgen, für den überzeugende visuelle Formen gerade ausgehandelt werden. Carl Grossbergs Motivwahl und die Nüchternheit seiner Malerei sind untrennbar verbunden mit der gleich- zeitig entstandenen Fotografie. Und sie haben ihrerseits wegweisende Fotograf:innen nachfolgender Generationen inspiriert. 5 l g n u m m a s t a v i r P 8 2 9 1 M H d V : d l i B , s i n d l i l b t s b e S , g r e b s s o r G l r a C Beispielhaft ausgewählte Positionen von August Sander über Bernd und Hilla Becher bis hin zu Thomas Ruff machen das deutlich. Allerdings treffen Grossbergs Bilder heute auf einen fundamental anderen Umgang mit medialen Bildern, die in schneller Folge erzeugt, unablässig in digitale Netzwerke eingespeist und vielfachen Manipulationen unterworfen werden, bis sie nachgerade zu „Traumbildern“ werden können. (VdHM) „Shifting the Silence. Die Stille verschieben“ Ausstellungen Gegenwartskunst im Lenbachhaus „Shifting the Silence“ ist der Titel des letzten Buches von Etel Adnan, er- schienen 2021. Die deutsche Über- setzung „Die Stille verschieben“ er- schien posthum 2022. Erkennbar am Ende ihres Lebens verfasst, reflektiert Etel Adnan darin melancholisch, po-etisch und sehr persönlich die großen Themen des Lebens. Alltagsbeobachtungen, Gefühle, An- ekdoten oder Erinnerungen definieren in kurzen Prosastücken die Erzählung, die jedoch keiner Linearität folgt. Die intensive Auseinandersetzung mit dem eigenen Tod schafft eine ernste, philosophische Tiefe. Zugleich aber feiert Etel Adnan die Schönheit des Lebens, was als eine politische Gegenwehr gegen gesellschaftliches Verstummen verstanden werden kann. Es ist der Text einer Malerin, deren künstlerische Karriere als Schriftstellerin und Philosophin begann. Ein Raum der Ausstellung ist daher ihren Gemälden gewidmet. Die Ausstellung möchte sich ein zentrales Anliegen von „Shifting the Silence“ zu eigen machen: das Nachdenken über die Schwierigkeit, Werke Bildender Kunst vollständig in Worte zu fassen und erfahrbar zu machen. Eine Versprachlichung – also eine Übersetzung von Kunst- werken und ästhetischen Erfahr- ungen in Worte und in Sprache – stellt in vielerlei Hinsicht eine Her- ausforderung dar. Denn Sprache ist nicht nur ein Mittel zur Verstän- digung, sie ist zugleich begrenzt und manchmal sogar hinderlich, wenn es darum geht, vielschichtige Eindrücke und Wahrnehmung zu vermitteln. Etel Adnan schlägt vor, die Stille zu „verschieben“ – also die Grenzen des Sagbaren zu erweitern und das Poetische der vielen Ausdrucksformen der Künste nicht zu rationalisieren, sondern als Eigenwert anzunehmen. Unteranderem mit Werken von Etel Adnan, Saâdane Afif, Nevin Aladağ, Harold Ancart, Tolia Astakhishvili, Leilah Babirye, Cana Bilir-Meier, Mel Bochner, Thea Djordjadze, Simone Fattal, Amy Feldman, Dan Flavin, Isa Genzken, Adrian Ghenie, Zvi Goldstein, Sheela Gowda, Giorgio Griffa, Philipp Gufler, Samia Halaby, Candida Höfer, Jenny Holzer, KAYA, Alexander Kluge Issy Wood. (LBH) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

6

6 Kunstmessen Rückkehr mit neuer Energie Art Basel Hong Kong 2026 Wenn sich Ende März die internatio- nalen Kunstszene in Hongkong ver- sammelt, kehrt die Art Basel mit ihrer 2026er Ausgabe in neuer Stärke zurück. Mit 240 Galerien aus 41 Ländern zeigt sich die Messe größer und vielseitiger denn je – mehr als die Hälfte der teilnehmenden Häuser stammt aus dem asiatisch-pazifischen Raum. Vom 27. bis 29. März (Preview Days am 25. und 26. März) verwan- delt sich das Hong Kong Convention and Exhibition Centre (HKCEC) erneut in ein pulsierendes Zentrum des globalen Kunstdiskurses. [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Fortsetzung von Seite 4 Kraftvolles Alterswerk Museen Museum Ludwig Yayoi Kusama, lnfinity Mirrored Room-The Hope of the Polka Dots Buried in lnfinity Will Eter- nally Cover the Universe, 2025, Detail, Mixed media, Maße variabel, Sammlung der Künstlerin Bild: © YAYOI KUSAMA, Courtesy of Ota Fine Arts Impressionen von der Art Basel Hong Kong Bild: Art Basel, MCH Die Art Basel Hong Kong – deren Global Lead Partner UBS bleibt – setzt in diesem Jahr noch stärker auf Aus- tausch, Innovation und interdiszipli- näre Kooperation. Programme in ganz Hongkong verbinden internationale Künstlerinnen und Künstler mit einem neugierigen, vielfältigen Publikum und festigen die Rolle der Metropole als Schlüsselknotenpunkt der zeitge- nössischen Kunst. Ein Höhepunkt ist der neugestaltete Sektor Encounters, der großformatigen Skulpturen, In- stallationen und Performances gewid- met ist. Unter der Leitung der renom- mierten Kuratorin Mami Kataoka, gemeinsam mit Isabella Tam, Alia Swastika und Hirokazu Tokuyama, werden hier spektakuläre Arbeiten gezeigt, die Grenzen von Raum und Wahrnehmung ausloten. Ergänzend dazu präsentiert die Künstlerin Christine Sun Kim im Pacific Place eine ortsspezifische digitale Animationsinstallation – unterstützt von Swire Properties, dem offiziellen Partner der Offsite- Encounters. (MCH) In ihrem kraftvollen Alterswerk erschafft sie wiederum lebensvolle und farbenprächtige Bilderzyklen. Ihren roten Faden beschreibt Kusama, wenn sie sagt: „In meinen mehr als siebzig Jahren als Künstlerin habe ich immer Ehrfurcht vor dem Wunder des Lebens gehabt. Mehr als alles andere hat mich dieser starke Sinn für die Lebenskraft im künstleri- schen Ausdruck unterstützt und mir Kraft gegeben, Gefühle von Depres- sion, Hoffnungslosigkeit und Traurig- keit zu überwinden. Ich habe mich von meinem Glauben an diese Kraft leiten lassen.“ Yayoi Kusama wird vom Museum Ludwig in Zusammenarbeit mit der Fondation Beyeler, Riehen/Basel und dem Stedelijk Museum Amsterdam (12.09.26 - 17.01.27) organisiert. In der Kölner Station der Ausstellung werden einige große installative Ar- beiten gezeigt, die nicht Teil der Aus- stellung in Basel sind, wie Kusamas erste, 1963 entstandene Installation Aggregation: One Thousand Boats Show, das Environment /'m Here but Nothing (2000 bis heute), ein in Schwarzlicht getauchter Wohnraum mit zahllosen fluoreszierenden Klebe- punkten und die imposanten bunt bemalten Bronze-Blumen Flowers, die auf der Dachterrasse des Museum Ludwig installiert werden. Die Ausstellung in Köln wird ermög- licht durch das Engagement des Lea- ding Partners des Museum Ludwig, der Peter und lrene Ludwig Stiftung, dem Excellence Partner Mazda, dem Landschaftsverband Rheinland (LVR) und der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig e.V „Au- ßerdem dankt das Museum Ludwig der Japan Foundation, der Sparkasse KölnBonn, dem Superior Partner des Hauses, RIMOWA, seinem Zukunfts- partner, OSMAB und der Stadt Köln für die großzügige Unterstützung #der Ausstellung.“ (ML) Kurator: Stephan Diederich Zur Ausstellung erscheint ein Katalog: Yayoi Kusama, hrsg. von Leontine Co- elewij, Stephan Diederich und Mouna Mekouar, mit Textbeiträgen von Emanu- ele Coccia, Leontine Coelewij, Stephan Diederich, SooJin Lee, Katie Mack, Ste- fano Mancuso, Ralph McCarthy, Mouna Mekouar, Charlotte Sarrazin, Agata Marta Soccini und Helen Westgeest, 20,5 x 26 cm, Broschur mit Schutzum- schlag, 268 Seiten, 280 Abb., Hatje Cantz, ISBN 978-3-906053-86-8, Euro 38,00 (deutsche Museumsausgabe), ISBN 978-3-7757-6032-4, Euro 48,00 (deutsche Verlagsausgabe). [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

7

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [ 7 [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

8

8 Bücher Fait à Paris Die Kunstmöbel des Jean-Pierre Latz [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] 3,6 Mio. Besucher Museen Museen der Stiftung Preußischer Kulturbesitz Mit rund 3,6 Mio. Besuchen 2025 haben die Museen der Stiftung Preu- ßischer Kulturbesitz im vergangenen Jahr ihr Ergebnis halten können. Kulturbesitz und mit 608.000 Besu- chen das besucherstärkste Kunstmu- seum in Berlin und Deutschland, etwa 47.000 Besuche mehr als im Vorjahr. Noch etwas höher war der Zuwachs beim Hamburger Bahnhof – National- galerie der Gegenwart, der 48.900 Besuche zusätzlich verzeichnet und auf rd. 445.000 Gäste kommt. Die gerade zu Ende gegangene Einzelaus- stellung der Künstlerin Klára Hosned- lová erreichte rund 280.000 Gäste und war damit die meist besuchte Ausstellung des Jahres. Das besucherstärkste Haus auf der Museumsinsel, die wie im Vorjahr rd. 1,8 Mio. Besuche zählte, war das Neue Museum mit knapp 520.000 Gästen. Der Auftakt zum fünfjährigen Jubiläum „200 Jahre Museumsinsel“ war ein Renner und bescherte vor allem dem Alten Museum ein Publi- kumsplus von 24%, insgesamt rd. 285.000 Besuche. Die Alte Nationalgalerie steht mit rd. 402.000 Besuchen sehr gut da, was auch am Erfolg von „The Scharf Collection. Goya – Monet – Cézanne – Bonnard – Grosse“ liegt, die seit Ende Oktober zu sehen ist. Die Besuchs- zahlen der Museumsinsel blieben auch deshalb etwa konstant, weil alle Häuser dienstags wieder geöffnet waren und das Museumsinsel-Ticket stark nachgefragt war. Die fast durchgehend mit mehreren Ausstellungen bespielte James-Si- mon-Galerie hatte mit ca. 126.000 Besuchen eine Steigerung von 70% im Vergleich zu 2024 zu verzeichnen. Das Haus fing damit den leichten Rückgang bei „Pergamon. Das Pano- rama“ auf, der durch eine zweimona- tige Schließung bedingt war: zahlrei- che Objekte mussten auf ihren Um- zug in das Pergamonmuseum vorbe- reitet werden, das 2027 große Teile wieder öffnet. Eine leichte Steigerung um vier Prozent verzeichnete auch das Bode-Museum, das im vergange- nen Jahr 190.000 Besuche verzeich- nete, vor allem dank der äußerst er- folgreichen Sonderausstellung „Der Engel der Geschichte. Walter Benja- min, Paul Klee und die Berliner Engel 80 Jahre nach Kriegsende“. (SPK) Bild: Sandstein Kultur GmbH Ein außergewöhnlicher Fund im Inne- ren von prachtvollen Uhren, die heute zum Bestand des Kunstgewerbemu- seums der Staatlichen Kunstsamm- lungen Dresden gehören, öffnete ein spannendes Kapitel der Kunst- und Kulturgeschichte: Mit der handge- schriebenen Signatur und dem Hinweis „Fait à Paris“ hatte sich der Pariser Kunsttischler Jean-Pierre Latz (1690/91–1754) in ihnen verewigt. Die Uhren gehören zu einem umfang- reichen Konvolut französischer Möbel, das die große Faszination des Dresd- ner Hofes für Pariser Handwerkskunst eindrucksvoll belegt. Latz’ virtuose Marketerien und exzellent geformten und gearbeiteten Beschläge verkör- pern das französische Savoir-faire dieser Epoche auf höchstem Niveau. Die Publikation dokumentiert die umfassende wissenschaftliche Er- forschung der bedeutenden Dresdner Latz-Möbelgruppe. (SV) Fait à Paris Die Kunstmöbel des Jean-Pierre Latz am Dresdner Hof Herausgeber:in: Staatliche Kunst- sammlungen Dresden | Christiane Ernek-van der Goes, Clara von Engelhardt, Thomas A. Geisler, Anne Ilaria Weiß Details: 30 × 24 cm, 256 Seiten, 272 meist farbige Abb., Klappenbroschur ISBN: 978-3-95498-915-7 38 Euro Marion Ackermann, Präsidentin der Stiftung Preußischer Kulturbesitz seit 2025 Bild: SPK/Thomas Koehler/photothek.de Trotz des rückläufigen Berlin-Touris- mus und der gegenüber 2024 deut- lich zurückgegangenen Übernach- tungszahlen haben die Häuser auf der Museumsinsel oder dem Kulturforum wieder ein breites Publikum erreicht. Die große Resonanz der SPK-Museen und vor allem auch der Sonderaus- stellungen beim Berliner Publikum lässt sich unter anderem daran able- sen, dass 2025 rund 40.000 Jahres- karten verkauft wurden – 2.000 mehr als im Vorjahr. Am häufigsten wurden die Jahreskarten für den Besuch der Neuen Nationalgalerie genutzt, ge- folgt von der Gemäldegalerie, der Alten Nationalgalerie und dem Hamburger Bahnhof. SPK-Präsidentin Marion Ackermann zeigte sich zufrieden mit der Bilanz: „3,6 Mio. Besuche sind ein großarti- ges Ergebnis. Sonderaus-stellungen hatten hier einen entscheidenden Ef- fekt, trotz der sinkenden Tourismus- zahlen. Darauf setzen wir auch bei der Verwendung der 12 Mio. Euro, die wir seit diesem Jahr zusätzlich von Bund und Ländern bekommen – die Hälfte werden wir in Ausstellungs- projekte stecken, die ein möglichst breites Publikum erreichen.“ Die Präsidentin sprach sich auch für eine Wiedereinführung des kosten- freien Berliner Museumssonntags aus. Damit würde das Berliner Publi- kum und neue Zielgruppen erreicht. Die Neue Nationalgalerie war im vergangenen Jahr das bestbesuchte Haus der Stiftung Preußischer [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

9

9 ] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Lee Ufan erhält den Wolfgang-Hahn-Preis 2026 Leute Museum Ludwig, Preisverleihung am 06.11.26 Der südkoreanische Künstler Lee Ufan (*1936, lebt in Kamakura, Japan) wird mit dem 32. Wolfgang- Hahn Preis der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Lud- wig ausgezeichnet. In seiner Kunst begegnen sich konträre Kräfte wie Leere und Spannung, Stille und Energie. Als Mitbegründer der aus Japan stammenden minimalistisch arbeitenden Mono-ha-Bewegung („Schule der Dinge“), einem Kol- lektiv von Künstler*innen in Tokio zwischen 1968 und 1975, sucht er bis heute nach einer harmonischen Neuordnung der Dinge. Seit den 1970er-Jahren prägt vor allem seine reduzierte Malerei die internationale Kunstszene. Beein- flusst von der, für ihren monochro- men Stil bekannten, koreanischen Dansaekhwa-Bewegung („monochrome Malerei“), arbeitet Lee mit einem breiten Pinsel, mit dem er Punkte, Linien und diffuse Rechtecke auf großformatigen Leinwänden platziert. Diese Elemente erscheinen als isolierte Formzei- chen, rhythmisch strukturierte Muster oder in lockeren, nicht-narrativen Figurationen. Den Malakt betrachtet Lee dabei als „ein reines und absolutes Ereignis“ mit einer un- mittelbaren, vom rationalen Kalkül gelösten Begegnung zwischen Künstler, Material und Bildträger – einer trans- zendenten Erfahrung des Einsseins mit der Welt. Die diesjährige Gastjurorin Mami Kataoka, Direktorin des Mori Art Museums in Tokio, erläutert die Ent- scheidung der Jury: „Lee Ufan hat darüber gesprochen, wie seine Er- fahrungen mit mehreren Ausstellun- gen in Deutschland in den 1970er Jahren seine Arbeit auf die Welt- bühne gebracht haben. Im Laufe seiner sechzigjährigen Karriere hat er sich mit der wesentlichen Bedeutung der Existenz in allen Beziehungen beschäftigt, die über Ost und West hinausgehen – ohne dabei dem westlichen Modernismus zu folgen oder sich in östliche spiritu- elle Traditionen zurückzuziehen. Un- ser heutiges Interesse an Lee Ufans Schaffen, das uns ein Bewusstsein für ganzheitliche Perspektiven ver- mittelt, entspringt möglicherweise unserer Sehnsucht nach zwischenmenschlichen Beziehun- gen, die die Grundlage unserer Menschlichkeit bilden. Lee Ufans Werk wird eine großartige Bereicherung für die Sammlung des Museum Ludwig sein und zu dessen globaler Ausrichtung beitragen.“ „Die Werke von Lee Ufan stehen schon sehr lange auf meiner persönlichen Wunschliste für die Sammlung des Museum Ludwig. Umso mehr freue ich mich, dass Lee Ufan den Preis annimmt“, erläutert Dr. Yilmaz Dziewior die Entscheidung der Jury für Lee als 2026er Preisträger. (ML) Bild: Claire Dorn Courtesy Studio Lee Ufan Anzeige Lee Ufan [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

10

10 Museen Besucherrekord im Museum Wiesbaden Ausschnitt des Gemälde „Ophelia“ von Friedrich Heysers mit Besucherin Bild: Christoph Böckheler, Museum Wiesbaden Ein besonderes Jubiläum, eine Vielfalt an Sonderausstellungen und nicht zu- letzt der Hype um Friedrich Heysers Gemälde „Ophelia“ bewegten Gäste dazu, das Museum Wiesbaden zu be- suchen. Das Museum Wiesbaden zieht Bilanz und feiert das Jahr 2025 als eines seiner stärksten Ausstellungs- jahre seit Beginn der Erfassung der Besuchsstatistik vor rund 25 Jahren. 130.986 Menschen besuchten das Hessische Landesmuseum für Kunst und Natur 2025. Es ist das zweit- stärkste Jahr seit 2000 und im Vergleich zum Vorjahr (107.525) ge- wann das Museum rund 20.000 Gäste. Der Monat April erwies sich als be- suchsstärkster Monat. Eine Förderung des Hessischen Ministeriums für Wis- senschaft und Forschung, Kunst und Kultur ermöglichte ein besonderes Jubiläumsgeschenk. Alle Besucherin- nen und Besucher erhielten im Ge- burtstagsmonat April an den Wochen- enden freien Eintritt. (MW) Anzeige [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Installationsansicht HIER UND JETZT im Museum Ludwig. De/Collecting Memories Museum Ludwig „HIER UND JETZT“ im Museum Ludwig Museen De/Collecting Memories from Turtle Island Mit der umfangreichsten Pop Art Sammlung außerhalb der USA, ist das Museum Ludwig für seinen Bezug zu den Vereinigten Staaten bekannt – einem Land, das 2026 das 250ste Jahr seiner Unabhängigkeit feiert. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen darum zwei zeitgenössische, US-amerikanische Künstlerinnen: Marie Watt und Wendy Red Star. Die fotografischen Selbstinszenier- ungen von Wendy Red Star (geb. 1981) greifen auf humorvollsatirische Weise westliche Vorstellungen von In- digenität auf und laden uns dazu ein, differenzierter hinzuschauen. “Ich ge- höre zur First Nation der Apsáalooke, ich stamme aus einer bestimmten Ge- gend, und meine Kunst ist tief in der Geschichte der Apsáalooke verwurzelt. Aber im Museum fungiert ‚Native Ar- tist‘ nicht mehr als Beschreibung – es wird zur Schublade. […] Die Kategorie ‚Native Artist‘ verändert das Kunst- werk, noch bevor jemand es über- haupt zu Gesicht bekommt. […] Wendy Red Star, The Foe Manuscript (Auszug) Marie Watt wurde 1967 in Seattle ge- boren, ist Mitglied der Seneca Nation und lebt heute in Portland, Oregon. In einigen indigenen Traditionen heißen die Amerikas, oder auch die Welt als Ganzes, Turtle Island. Diese individuellen Schöpfungsgeschichten werden von Generation zu Generation mündlich überliefert. De/Collecting Memories from Turtle Island lädt uns dazu ein, Erinnerungen und gesammelte Bilder, Werke wie mentale Repräsentationen, zu über- denken und zu überschreiben. Ausgangspunkt ist ein 2024 vom Museum Ludwig erworbenes Konvolut kitsch-bunter Fotochrome der Detroit Publishing Company. Viele der um 1900 produzierten Bilder gehen auf frühere Schwarzweißfotografien von William Henry Jackson zurück. Es sind oft die ersten Fotografien aus Gegen- den, die heute weltweit als touristische Attraktionen bekannt sind: der Yellows- tone Nationalpark etwa, oder der Grand Canyon. Die Fotochrome dienten als Wanddekoration oder Postkartenmotive und wurden in einer Auflage von bis zu 7 Mio. Exemplaren pro Jahr verkauft. Sie zeigen moderne Großstädte und weite Landschaften – auffällig men- schenleere Landschaften. (ML) Seite 14 Bild: Historisches Archiv mit Rheinischem Bildarchiv, Karl Krüger [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

11

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [ 11 [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

12

12 Kunst-Welt [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Auf ein Neues! Das Kunstjahr 2025 mochte polarisieren – doch 2026 startet mitreißend. Highlights wie Cézanne in der Fondation Beyeler und Yayoi Kusama im Museum Ludwig laden zum Genuss ein. Unsere Redaktion empfiehlt daher sechs laufende Ausstellungen aus dem Vorjahr, die weiterhin inspirieren. Entdecken Sie unsere Favoriten – viel Freude dabei! AMAZÔNIA – Fotografien von Sebastião Salgado Bild 13: Marauiá-Gebirgszug, Indigenes Schutzgebiet der Yanomami.Gemeinde São Gabriel da Cachoeira Bild: © Sebastião Salgado Noch bis zum 15.03.26 ist im Rauten- strauch-Joest-Museum (RJM) die Aus- stellung AMAZÔNIA – Fotografien von Sebastião Salgado zu sehen. Erstmals in Deutschland zu sehen, zeigt die Schau mehr als 200 großformatige Schwarz-Weiß-Bilder des brasiliani- schen Fotografen, kuratiert von Lélia Wanick Salgado und begleitet von ei- ner immersiven Klangwelt von Jean- Michel Jarre. „Die Ausstellung soll die Besucher:innen nicht nur zum Sehen anregen, sondern sie in das Thema hineinziehen. Bei AMAZÔNIA wünsche ich mir, dass sie das Gefühl haben, mitten im Wald zu stehen“, so Lélia Wanick Salgado. Mit AMAZÔNIA zeigt Köln, wie sich Kunst, Verantwortung und globales Bewusstsein verbinden können. Die Ausstellung führt uns vor Augen, dass kulturelle Institutionen Orte des Dialogs über unsere gemeinsame Zukunft sind. (RJM) Rautenstrauch-Joest-Museum Cäcilienstraße 29-33, 50667 Köln Termin: noch bis zum 15.03.26 Di. - So. 10 - 18 Uhr Do. 10 - 20 Uhr rautenstrauch-joest-museum.de Kunstpalast: Die geheime Macht der Düfte Bild: Melanie Zanin, KUNSTPALAST Die Reise beginnt mit der Jahrtau- sende zurückreichenden spirituellen und heilenden Bedeutung von Düften in religiösen Zeremonien. Sie führt über die opulente Duftkultur der eu- ropäischen Höfe des Barock und den Gestank der Städte im 18. Jahrhun- dert, wo zugleich das legendäre Eau de Cologne entstand. Mit der industriellen Revolution hiel- ten synthetische Duftstoffe Einzug, die nicht nur Parfüms, sondern auch Seifen, Waschmittel und andere All- tagsprodukte prägten. Im 20. Jahr- hundert revolutionierten schließlich Modehäuser wie Chanel mit kühnen Kreationen die Parfümgeschichte. Eine interaktive Duftbar lädt zum Vergleich ikonischer Parfüms von 1889 bis heute ein. (KP) KUNSTPABLAST Ehrenhof 4-5 40479 Düsseldorf Termin: noch bis zum 8.3.2026 Di. - So. 11 - 18 Uhr Do bis 21 Uhr kunstpalast.de Schöne neue Arbeitswelt - Traum und Trauma der Moderne Stadtmuseum Düsseldorf Bild: Stefan Arendt / LVR-Zentrum für Medien und Bildung Die Welt der Arbeit befindet sich im Umbruch: Vertraute Berufsbilder ver- ändern sich in rasantem Tempo, neue Technologien und Künstliche Intelli- genz sorgen für Freiheitsgewinne, schaffen aber auch neue Abhängig- keiten. Unter dem Titel „Schöne neue Arbeitswelt. Traum und Trauma der Moderne“ zeigt das LVR-Landesmu- seum Bonn noch bis zum 12.04.26 den rasanten Wandel der Arbeitswelt vor 100 Jahren aus der Perspektive von Künstlerinnen und Künstlern – von Otto Dix bis Hannah Höch. Überraschende Parallelen zur Gegen- wart werden sichtbar. Seit dem Ende des 19. Jhdt. führten technologische Neuerungen und soziale Umbrüche zu tiefgreifenden Veränderungen der Arbeitswelt. (LVR) LVR-Landesmuseum Bonn Colmantstr. 14 - 16, 53115 Bonn Termin: noch bis zum 12.04.26 Di. - So. 11 bis 18 Uhr Mo. geschlossen landesmuseum-bonn.lvr.de [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

13

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [ Intimität – Geister - Queere Kunst der Dem Übernatürlichen Gegenwart auf der Spur Logan T.Sibrel, DC Nap, 2022, Öl auf Lein- wand, Privatsammlung; Courtesy Galerie Thomas Fuchs, Stuttgart © Logan T. Sibrel Die Stirn an der Schulter des anderen ruhen lassen, sich ohne Worte verste- hen oder noch Jahre später über einen gemeinsamen Witz lachen. Intimität zeigt sich nicht nur in der Zärtlichkeit zwischen Liebenden, sondern auch in freundschaftlichen Beziehungen, in Gesten des Vertrauens und gemein- sam verbrachten Momenten. Sie wird hier nicht allein körperlich verstanden, sondern als soziales Geflecht von per- sönlicher, gesellschaftlicher und politi- scher Dimension. Intimität bedeutet Nähe, Verbundenheit und das Gefühl, gesehen und akzeptiert zu werden. Die Ausstellung präsentiert vielschich- tige Perspektiven auf zwischen- menschliche Beziehungen jenseits he- teronormativer Vorstellungen. Gezeigt werden Werke, die Identität, Zugehö- rigkeit und die eigene Verletzlichkeit thematisieren. Die Kunstschaffenden reflektieren persönliche Erfahrungen und Alltagssituationen, oft mit autobi- ografischem Bezug. Der befreite Blick ins scheinbar Private bricht mit tra- dierten Vorstellungen und macht queere Lebensrealitäten sichtbar. Mit Werken von Dylan Hurwitz, Doron Langberg, Navot Miller, Lukas Moll, Hannah Römer, Tanja Selzer und Logan T. Sibrel. (KMAS) Kunstmuseum der Stadt Albstadt Kirchengraben 11, 72458 Albstadt Termin: bis zum 12. April 2026 Di. – Sa. 14 - 17 Uhr So., Feiertage 11 - 17 Uhr Mo geschlossen kunstmuseumalbstadt.de „Fantasmino“, Tony Oursler, 2017, Acrylic resin on canvas and digital hardware with moving image Bild: Collection of Tony Oursler Geister sind allgegenwärtig. Die visuelle Kultur wimmelt davon, von Hollywood-Blockbustern wie Ghostbusters (1984) bis hin zu IndieFilmen wie All of Us Strangers (2023). Sie spuken auf Bildschir- men, Theaterbühnen und in Büchern: Literatur, Brauchtum und Mythen sind durchdrungen von Geistern, die sich weigern, uns in Ruhe zu lassen. Auch die Kunst haben sie immer schon heimgesucht. Als Wesen des Dazwischen sind Geister Vermittler zwischen den Welten, zwischen oben und unten, Leben und Tod, Schrecken und Humor, Gut und Böse, sichtbar und unsichtbar. Jeder Versuch, sie abzubilden, aufzuzeichnen oder mit ihnen zu kommunizieren, ist daher eine kognitive Herausforderung und ein emotionaler Nervenkitzel. Diesen Herbst und Winter widmet das Kunstmuseum Basel den uner- gründlichen Wesen eine umfang- reiche Sonderausstellung. (KMB) Kunstmuseum Basel | Neubau St. Alban-Graben 16 4010 Basel Termin: noch bis zum 08.03.26 Di., Do. So. 10 - 18 Uhr Mi. 10 – 20 Uhr Mo. geschlossen kunstmuseumbasel.ch 13 Miniaturen der Romantik Friedrich Carl Gröger (1766–1838), Selbstbildnis, um 1800, Aquarell und Gouache auf Elfenbein, 7,1 x 5,3 cm, Hamburger Kunsthalle, © Hamburger Kunsthalle, Bild: Birgitt Schmedding Mit FOR YOUR EYES ONLY. Miniaturen der Romantik widmet sich die Ham- burger Kunsthalle erstmals umfas- send der facettenreichen Kunst der Miniaturmalerei in Hamburg von ihrer Blütezeit um 1800 bis zu den 1840er Jahren, als sie von den frühen Tech- niken der Fotografie abgelöst wurde. Den Ausgangspunkt bilden rund 100 Porträtminiaturen aus dem Bestand der Kunsthalle, die 2023–2024 kon- servatorisch und kunsttechnologisch erschlossen wurden. Erstmalig werden daraus rund 60 Miniaturen, zusammen mit rund 150 Leihgaben aus europäischen Samm- lungen und Privatbesitz, teils ebenso erstmalig, zu sehen sein. Die Kleinst- bildnisse werden durch Gemälde, Zeichnungen, Druckgraphik und Foto- grafie komplettiert. So unter anderem durch ein Selbstbildnis des Malers und Miniaturisten Bernhard Peter von Rausch (1793–1865). Die Fertigung von Miniaturen und ihre besondere Funktion werden dabei ebenso be- leuchtet, wie ihre technischen Verän- derungen. Insgesamt präsentiert die Ausstellung im Harzen-Kabinett über 250 Objekte einer Epoche, die von gesellschaftlichem Wandel, europäi- schem Aus-tausch und technischen Neuerungen geprägt war. (HK) Hamburger Kunsthalle Glockengießerwall 5, 20095 Hamburg Termin: noch bis zum 07.06.26 Di. – So. 10 - 18 Uhr Do. 10 - 21 Uhr Mo. geschlossen hamburger-kunsthalle.de [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

14

14 Fortsetzung von Seite 10 Museen Die Ausstellung setzt da an, wo die Postkarten- motive enden Diese an den Rändern der Kunst entstandenen Fotografien prägen das Bild der USA für viele Menschen bis heute. Installationsansicht HIER UND JETZT im Museum Ludwig. De/Collecting Memories, Museum Ludwig, Köln 2026 Bild: Historisches Archiv mit Rheinischem Bildarchiv, Karl Krüger Die Ausstellung setzt da an, wo die Postkartenmotive enden, bei dem, was sie nicht erzählen. Die vermeint- lich unberührte Natur war Heimat vieler Menschen und Nationen – lange bevor die ersten Europäer:in- nen ankamen, Indigene Menschen unterdrückten und vor 250 Jahren die USA gründeten. Die Bilder der Detroit Publishing Com- pany neu zusammenzubringen mit zwei Positionen zeitgenössischer indi- gener Künstlerinnen ist ein Versuch, den Blick auf die Konstruktion von Narrativen und das, was sie auslas- sen, zu schärfen. Es ist die Einladung, sich einzulassen auf multiple Erinne- rungen und Vorstellungen von Turtle Island. Die Ausstellung ist Anlass, um die eigene Sammlung um Stimmen und Perspektiven der Indigenen Völker Amerikas zu ergänzen. Marie Watt hat für die Ausstellung im Museum Ludwig eine neue raumgrei- fende Arbeit entwickelt. Thirteen Moons besteht aus dreizehn hängen- den Skulpturen, die sich aus Zinn- schellen zusammensetzen. Schellen- wolken schweben zwischen Himmel und Erde. Sie klingen nur durch Berührung mit anderen Schellen oder Dingen. (ML) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Erfolgreicher Jahres- auftakt bei Lempertz in Brüssel Auktionen Die Auktion „Art of Africa, the Pacific and the Americas“ bei Lempertz in Brüssel sorgte am 31.01. für einen gelungenen Jahresauftakt. Die Schät- zungen wurden teils deutlich über- troffen, die Zuschlagsquote war hoch. An important seated royal Hemba Singiti Fi- gure, Panda Luganze, Luika river, Democratic Republic of the Congo, Muvula wood, H.79 cm, Ergebnis: € 90,000 Bild: Lempertz Spitzenlos war eine Singiti, ein be- sonderer Typus von Ahnenfiguren, den das im Gebiet der DR Kongo an- sässige Volk der Hemba besonders ab dem 18. Jhdt. entwickelt hat. Ein besonders ausdrucksstarkes Beispiel dieser Kunst aus der Mitte des 19. Jhdt. strahlt beispielhaft die für diese Werke typische Ruhe aus und ist ei- nes von zahlreichen Objekten aus der bedeutenden Grassi Collection, die an diesem Tag in Brüssel aufge- rufen wurden. Mit dem Ergebnis von 90.000 Euro bestätigte die auf 80.000 Euro taxierte Skulptur die Erwartung als Spitzenlos. Ebenfalls aus der Grassi Collection kam ein lebensgroß in Stein gear- beiteter Kopf. Dieses Artefakt fanden Bauern in Sierra Leone bei der Bear- beitung ihrer Felder vor, nachdem diese Kunst bereits dem kulturellen Gedächtnis der Zeit entfallen war. Stilistisch kann dieser Nomoli-Kopf in das 12. bis 14. Jhdt. datiert werden. Das Auktionsergebnis von 37.000 Euro übertraf die Schätzung von 20.000 Euro deutlich. Besonders begehrt waren auch Werke der in Zentralafrika beheima- teten Luba. Ihre Bildhauerkunst ist besonders hoch angesehen. Entspre- chend stark war das Interesse an den zahlreichen Beispielen, die Lempertz am 31.01. versteigerte, das Angebot an Kunst der Luba wurde nahezu vollständig verkauft. Eine spektakulärere Geschichte bringt dabei ein Kibango mit, ein Stab, der die Macht eines Würdenträgers dar- stellt, ähnlich einem Szepter in euro- päischer Tradition. Die Auktion hielt ein besonderes Beispiel für die Kunst- fertigkeit dieser Kultur bereit, die zwischen dem 17. und dem 19. Jhdt. auf ihrem Höhepunkt war. Besonders weibliche Figuren spielen in ihrer Kunst eine bedeutende Rolle, ganz im Einklang mit der Bedeutung von Frauen in der Gesellschaft der Luba. Das Exemplar, das als Los 39 aufge- rufen wurde, wurde innerhalb der eu- ropäischen Sammlerfamilie vererbt. An important Mahen Yafe head, Sierra Leone, Stone, H. 24 cm, Ergebnis: € 37,000 Bild: Lempertz Zunächst hielten es die Besitzer für eine Art Souvenir von geringem Wert. Die Abteilung für Afrikanische Kunst bei Lempertz in Brüssel erkannte glückli- cherweise noch rechtzeitig, dass es sich um ein bedeutendes Zeugnis der Kunstgeschichte Afrikas handelt. (KHL) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

15

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [ 15 [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

16

16 Museen Brigitte Wagner: „Es zeichnet“ Termin: bis 31.05.26 Brigitte Wagner, Eisleuchten, 2025, Detail, farbige Kreide, Leihgabe der Künstlerin, © Künstlerin, Bild: Frank Luger / Art Photography Aus intuitiv gesetzten Zeichenspu- ren schafft die Künstlerin Brigitte Wagner (*1940) expressive Land- schaften von nahezu archaischer Präsenz. Schroffe Felsen, aufstre- bende Baumstämme und vereiste Flächen formen Kompositionen, die wie aus der Zeit gelöst scheinen. Brigitte Wagner arbeitet mit nuan- cierten Hell-Dunkel-Kontrasten, die sich auf hellem wie auch auf schwarzem Papier entfalten. Gerade die Zeichnungen auf dunklem Grund entwickeln eine besondere Tiefen- wirkung: Licht scheint aus den Strichlagen selbst hervorzugehen und verleiht den Landschaften eine geheimnisvolle Ausstrahlung. In den vergangenen Jahren hat sich Brigitte Wagner (*1940) ganz der Zeichnung zugewandt und die Land- schaft – das zentrale Motiv ihres jahr- zehntelangen Schaffens – in eine ele- mentare Form geführt. Die Kreide setzt sie ohne Vorzeichnung auf das Blatt. Aus dieser ersten Geste entfal- tet sich Strich für Strich das nahezu abstrakte Motiv. Die Landschaft ent- steht im Prozess, wächst organisch, verdichtet sich scheinbar wie von selbst: „Es zeichnet“. Ergänzend zu den jüngsten Arbeiten präsentiert die Ausstellung aus- gewählte Kaltnadelradierungen aus früheren Werkphasen. Die Ausstellung findet zu Ehren des 85. Geburtstags der Künstlerin statt. (KMAS) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Paul Cezanne in der Fondation Beyeler Museen Einzelausstellung, noch bis zum 25.05.26 Zum ersten Mal in ihrer Geschichte widmet die Fondation Beyeler eine Einzelausstellung Paul Cezanne (1839–1906) – einem Pionier der modernen Kunst und zentralen Künstler ihrer Sammlung. Mit rund 80 Werken konzentriert sich die Ausstellung auf die letzte und be- deutendste Phase im Schaffen des französischen Malers und zeigt Cezanne in Hochform: Zu sehen sind geheimnisvolle Porträts, para- diesische Badende, Sehnsuchtsland- schaften aus der Provence und sein Lieblingsberg, die Montagne Sainte- Victoire, die der Künstler in immer neuen Ansichten darstellte. In sei- nem Atelier im Süden Frankreichs brachte Cezanne mit meisterhaftem Gespür Licht, Farbe und Form in ein kraftvolles Spannungsverhältnis. Er gestaltete revolutionäre Bilder, die Generationen von Künstlern und Künstlerinnen bis heute inspirieren. Die Ausstellung macht anschaulich, wie Cezanne die Malerei veränderte und er so, wie Pablo Picasso sagte, zum “Vater von uns allen” wurde. Anhand von 58 Ölgemälden und 21 Aquarellen aus renommierten institu- tionellen und privaten Sammlungen aus der Schweiz, Frankreich, Deutsch- land, England, Spanien, den Nieder- landen, Dänemark und den USA er- möglicht es die Ausstellung den Be- sucherinnen und Besuchern, Cezannes bahnbrechendes Spätwerk zu erleben. Neben ikonischen Werken aus wichti- gen öffentlichen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art und dem Metro- politan Museum of Art, dem Musée d’Orsay, dem Philadelphia Museum of Art, der National Gallery of Art in Wash- ington und der Tate London stammt die Hälfte der ausgestellten Gemälde aus privaten Sammlungen, wovon viele selten öffentlich zu sehen sind. Zu den Höhepunkten der Ausstellung zählt die Zusammenführung von 9 An- sichten der Montagne Sainte-Victoire sowie die gemeinsame Präsentation der beiden seltenen Kartenspieler: zum einen das bekannte Werk aus der Courtauld Gallery in London, zum an- deren die ebenfalls legendären Karten- spieler aus dem Musée d’Orsay. (FB) Paul Cezanne, Pommes et oranges (Äpfel und Orangen), um 1899, Öl auf Leinwand, 74 × 93 cm Bild: © GrandPalaisRMN (musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

17

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Erdmann oder Fakeman? ] 17 Museen Ein Dackelmantel auf dem Prüfstand Ab sofort präsentiert Hessen Kassel Heritage im Hessischen Landesmu- seum Kassel mit der Ausstellung “Erdmann oder Fakeman?” die Rezep- tionsgeschichte eines viel diskutierten und mittlerweile berühmten Dackel- mantels. Selten erreichte eine Neuerwerbung so viel mediale Auf- merksamkeit, wie 2025 der Dackel- mantel von Hessen Kassel Heritage. Ob Hessenschau, Mario Barth oder Dieter Nuhr, alle wollten über den „gefälschten Dackelmantel“, die „Verschwendung von Steuergeldern“ oder einfach auch nur eine „kuriose Hundedecke“ berichten. Was war geschehen? Hessen Kassel Heritage ersteigerte 2020 einen Hundemantel, der Erd- mann, dem Lieblingsdackel Kaiser Wilhelms II. (1859–1941), gehört haben soll. Erdmann starb 1901 in Kassel, woraufhin der Kaiser seinem vierbeinigen Freund sogar einen Gedenkstein im Bergpark setzen ließ, der noch heute zu bewundern ist. Im Mai 2020 wurde der frisch erworbene Mantel anlässlich des ersten „Dackelspaziergangs“ in Schloss Wilhelmshöhe ausgestellt und wurde vielfach bestaunt. Erst vier Jahre später – der Mantel war nun im Stadtmuseum Kassel in einer Sonderausstellung zu sehen – wurde der Vorwurf formuliert, dass der Mantel eine „plumpe Fälschung“ sei. Anzeige Was also tun? Die Diskussion um den Hundeman- tel nimmt Hessen Kassel Heritage zum Anlass, nicht nur das Objekt zu präsentieren, sondern alle ver- fügbaren Informationen zu Ankauf, Provenienz und Materialität des Mantels. Transparent legt die Präsentation die Chronologie der Ereignisse offen. Am Ende sind die Besuchenden gefragt. Stimmen Sie ab: Ist es der kaiserliche Dackelmantel, ein Dackelmantel eines anderen Erdmann oder eine moderne Fälschung? (HKH) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

18

18 Galerien PETER ENGEL - Frühe Bilder Termin: bis zum 26.02.26 Im Mittelpunkt der Einzelausstellung steht das Frühwerk des Frankfurter Künstlers Peter Engel, das gegen- ständliche und abstrakte Malweise verbindet. Peter Engel (1944−2014) studierte von 1964 bis 1967 bei Jo- hannes Schreiter an der Frankfurter Städelschule und war ebendort ab 1974 fast zwanzig Jahre lang Lehrbe- auftragter für Maltechnik. 1980 über- nahm er die künstlerische Leitung der Städelabendschule. Peter Engel, Myself, 1966, Öl auf Leinwand, 122 x 110 cm Der 1944 in Birstein geborene Peter Engel begann nach einer Lehre als Offsetdrucker mit Unterrichtsstunden in Porträt und Aktzeichnen bei dem früheren Beckmann-Schüler Walter Hergenhahn an der Städelabend- schule, die damals noch im Frankfur- ter Westend Räume unterhielt. 1964 nahm Engel sein Studium an der Stä- delschule bei Johannes Schreiter auf. Mit dem 34-jährigen Professor, der im Jahr zuvor an die Hochschule berufen worden war, hatte sich das Kollegium an der Städelschule deutlich verjüngt. Schreiter gewährte Freiheit beim künstlerischen Arbeiten der Studie- renden. Nichtsdestotrotz war die Aka- demie in jener Zeit geprägt von klei- nen Klassen und wenig Weltläufigkeit. Über die internationale Kunstszene in- formierte sich Peter Engel in der Zeit- schrift „Das Kunstwerk“, wie sich En- gels langjähriger Freund, der eben- falls von der Galerie Hanna Bekker vom Rath vertretene Künstler Erich Werner, erinnert. Das intensive Inte- resse, das Engel für die moderne US- amerikanische Kunst empfand, insbe- sondere für Robert Rauschenberg und Claes Oldenburg, spiegelt sich in den von der Galerie gezeigten frühen Werken aus der Zeit um 1965 bis 1967. (GHB) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Bild: POSITIONS Berlin GmbH Eine Welt aus Luft, Liebe & Luftballons Kunstmessen „LUFTBALLONWELTEN“, Europas größte Family-Experience startet in München Nach großem Erfolg in New York, Budapest, Brüssel & Wien, feiert die sensationelle Ausstellung LUFTBAL- LONWELTEN“, aus über 500.000 handgefertigten Luftballons, im Feb- ruar ihre lang ersehnte Deutschland- Premiere in München - mit völlig neuen Motiven, die exklusiv für München gestaltet wurden. Ab dem 14.02.26, pünktlich zum Valentinstag, öffnet die farbenfrohe Erlebniswelt ihre Tore im Pineapple Park, der kreativen Zwischennutzung von Michi Kern in der ehemaligen Paketposthalle an der Arnulfstraße. Auf rund 3.500 m² erwartet die Be- sucher eine gigantische, interaktive Fantasiewelt, erschaffen aus über 500.000 bunten, natürlichen und voll- ständig kompostierbaren Luftballons. Internationale Luftballon-Skulpturen- Künstler aus vier Kontinenten haben unter der Leitung von Art Director Guido Verhoef mit beeindruckender Detailverliebtheit fantastische Erleb- nisräume geschaffen – bis zu acht Meter hoch. Natur, Tiere und weltbe- rühmte Sehenswürdigkeiten aus aller Welt werden dabei auf faszinierende Weise völlig neu interpretiert. Produzent Christoph Rahofer (EMS Entertainment) zeigt sich begeistert: „Es ist eines unserer kreativsten Pro- jekte der letzten Zeit und macht Kindern, Eltern und Großeltern un- fassbar große Freude. Es ist beein- druckend zu sehen, wie viel Liebe die fast 100 internationalen Luftbal- lonkünstler in den Aufbau dieser rie- sigen Luftballonwelten stecken. Für uns ist klar: ein absolutes Muss für Familien in Bayern. Umso mehr freut es uns, die Deutschland-Pre- miere im Pineapple Park zu feiern.“ Die Ausstellung ist als spielerische Weltreise durch fünf Kontinente konzipiert: Ausgestattet mit einem persönlichen Reisepass begeben sich kleine und große Entdecker:in- nen auf eine fantasievolle Expedi- tion voller Staunen, Abenteuer und Überraschungen. An jeder Station kann der Reisepass abgestempelt werden – und am Ende wartet ein besonderes Highlight: In der Work- shop Area dürfen Besucher selbst kreativ werden und unter fachkundi- ger Anleitung in die Welt der Luft- ballonkunst eintauchen. Art Director und international renom- mierter Luftballon-Skulpturen-Desig- ner Guido Verhoef aus den Nieder- landen beschreibt das Erlebnis so: „In unserer ‚Balloon Sculpture Art Experience‘, die zu 95 Prozent aus Luft besteht, wird es möglich, die ganze weite Welt an einem Tag in der eigenen Fantasie zu bereisen.“ (BA) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

19

19 ] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin agiertesten Künstler unserer Zeit. Nun-mehr 40 Jahre Kunstschaffen reichen vom New Yorker Exil in den 80er- Jahren über Skulpturen aus der Zeit seiner Rückkehr nach China, die auf traditionellen Handwerkstechniken beruhen, bis zu den jüngsten, in Europa konzipierten Werken: Mosai- ken aus Spielzeugsteinen, Filme und Installationen für die Menschenrechte. Das vor- liegende Buch ist dabei selbst ein historisches Dokument: Zunächst als die erste aus- führliche Monografie zum [ Bücher Die große Ai-Weiwei-Monografie jetzt aktualisiert und erweitert Taschen Verlag: Ein globaler Künstler und Aktivist Ai Weiwei ist für mehr als seine Kunst berühmt. Seine Aktionen für freie Meinungs- äußerung und gegen autori- täre Willkür wirken weit über die Kunstwelt hinaus. Seine Arbeit ist von sozialem und politischem Engagement ge- prägt: Wenn er 1001 chinesi- sche Bürger aller Klassen und Provinzen zur Documenta 12 bringt, wenn er 100 Mio. handgefertigte Sonnenblu- menkerne aus Porzellan in der Turbinenhalle der Tate Mo- dern ausstreut, wenn er mit ei- nem Fries aus Schulranzen an die Kinder erinnert, die Opfer des Erdbe- bens in Sichuan wurden, oder weltweit Flüchtlingslager für seinen Film Human Flow besucht, um dem individuellen Schicksal im kollektiven Strom näher zu kommen. Wegen seiner unermüdlichen Kritik wurde Ai 2011 von der chinesi- schen Polizei 81 Tage lang festgehalten und sein Pass beschlagnahmt, den er trotz internationaler Proteste erst 2015 zurückbekam. Seit Ai sich wieder außerhalb Chinas bewegen kann, erst nach Berlin, dann nach Portugal, ist er zum wahrhaft glo- balen Künstler geworden, dessen Werk stets von seinem Aktivismus geprägt ist und umgekehrt. Die umfassende Aktualisierung der Ai- Weiwei-Monografie von TASCHEN legt den Fokus auf die jüngste Dekade von Kunst und Aktivismus eines der eng- Künstler konzipiert, als er noch in China festgehalten wurde, ist nun dasselbe Team wieder zusammengekommen, um die Geschichte fortzuschreiben. (TV) Ai Weiwei. Updated Edition Hardcover, 25 x 33.4 cm, 736 S. ISBN 978-3-7544-0427-0 Ausgabe: Mehrsprachig (Deutsch, Englisch, Französisch) 100 Euro Bild: Taschen Verlag [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026 Anzeige

20

20 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Haus der Kunst: Alles ist Programm Ausstellungen Kollaborative Ausstellung von Tomás Saraceno mit Indigenen Gemeinschaften aus Las Salinas Grandes, Argentinien und Ein- zelausstellungen von Steina und Diane Severin Nguyen. Open Haus mit Public Possession Haus der Kunst München, 2023 Bild: Priscilla Grubo Das Haus der Kunst verändert sich rasant. Mit dem Programm 2026 führt das Haus der Kunst seine Transfor- mation hin zu einem offenen, experimentellen Raum fort, der Begegnung, Lernen und langfristiges, gemeinsames Gestalten ermöglicht. Die diesjährigen Ausstellungen ver- tiefen das Engagement für wegweisende Künstler:innen, wie Steina und Diane Severin Nguyen, die mit Technolo- gien und Medien arbeiten. Wasser fließt gleichsam als Thema und Metapher durch das Jahr und verbindet die Projekte, die um Denkmäler, Ökologie, wechselseitige Abhängigkeit sowie unsere Beziehung zu Umwelt, Technologie und verkörperlichter Erfahrung kreisen. So wird Tomás Saracenos Ausstellung das Gebäude in einen Raum für planetarische Resonanz verwandeln und das Publikum dazu einladen, das Haus der Kunst auf eine andere Art zu erleben. Auch in diesem Jahr bleiben Live- und Sound-Projekte das Herzstück des Hauses und verleihen den Spannungen, Sehnsüchten und Rhythmen unserer Zeit eine Stimme. Andrea Lissoni, Künstlerischer Direktor: „Alles ist Pro- gramm – ein lebendiges Netz an Ausstellungen und Be- gegnungen, die sich gegenseitig aktivieren und verstärken und so ein gemeinsames Erlebnis von Kunst, Ökologie und Entdeckungen in einer zusehends vernetzten Welt schaf- fen. Wir freuen uns darauf, Sie auf dieser Reise voller Fantasie, Lernen, Spiel und freudigem Experimentieren willkommen zu heißen.“ (HdK) Eine Feier der Vielfalt und neuer Perspektiven Kunst-Welt Gallery Weekend Berlin 2026 In weniger als drei Monaten ist es wieder so weit: Wenn die Vielzahl bedeutender Ausstellungen die Energie und Einzigartigkeit der Berliner Kunstszene zum Leuchten bringt und die Stadt als Zentrum der Kunstwelt in den Fokus rückt, beginnt das Gallery Weekend Berlin. Von Freitag, dem 1. Mai, bis Sonntag, dem 3. Mai, eröffnen 57 Galerien in der ganzen Stadt zeitgleich ihre Ausstellungen und präsentieren über 80 international renommierte Künstler:innen, spannende Neuentde- ckungen sowie historisch bedeutende Positionen an insgesamt 63 Standorten. 2026 startet mit Perspectives zudem ein neues Format, das künftig jedes Jahr eine wechselnde Auswahl an Ga- lerien einlädt, außergewöhnliche Ausstellungsprojekte und prägnante künstlerische Positionen vorzustellen. Alle teilnehmenden Galerien und Künstler:innen verrät nachfolgend unsere Liste. Zu den etablierten Namen gehören unter anderem Pet- rit Halilaj (ChertLüdde), Daniel Buren (Konrad Fischer Galerie), Tauba Auerbach (Esther Schipper), Thomas Demand (Sprüth Magers), Yuji Agematsu (Galerie Buchholz) sowie Rodney McMillian (Capitain Petzel). Auch jüngere künstlerische Positionen prägen das Pro- gramm, darunter Brook Hsu (Kraupa-Tuskany Zeidler), Wynnie Mynerva (Société), Vivien Zhang (Galerie Max Hetzler), Travis MacDonald (Contemporary Fine Arts) und Brett Charles Seiler (Galerie EIGEN + ART). Die in- terdisziplinär arbeitenden Künstler:innen Stella Zhong (Trautwein Herleth) und Adam Gordon (Galerie Isabella Bortolozzi) stellen erstmals in Deutschland aus. Bei den jüngeren Galerien wird es ebenfalls spannend, gezeigt werden Lukas Quietzsch (Schiefe Zähne), Hanna Stiegeler (Sweetwater), Josefine Reisch und Miriam Umiń (Galerie Noah Klink) sowie Ketuta Alexi-Meskhishvili (Galerie Molitor). Perspectives Der neue Sektor stellt jedes Jahr eine wechselnde Aus- wahl an Galerien vor und eröffnet stets neue Perspekti- ven auf die Vielfalt der Berliner Kunstlandschaft. In der ersten Ausgabe sind James Turrell (max goelitz), Kat- herine Bradford (Haverkampf Leistenschneider), Jiyoon Chung (Anton Janizewski), Shinoh Nam (Mountains), Karl Benjamin und Grey Crawford (Persons Projects), Giorgio Griffa (Walter Storms Galerie) sowie Mark Barker (Shahin Zarinbal) vertreten. (GWB) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

21

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Max Liebermann und der Impressionismus in Deutschland 21 [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026 Estate Siegbert Hahn GbR www.natura-mystica.eu Museen Museum Barberini Max Liebermann war der Wegberei- ter der ersten künstlerischen Avant- garde in Deutschland. Mit seinem frühen und richtungsweisenden Blick nach Frankreich leitete er eine Erneuerung der Malerei ein, die den deutschen Impressionismus nach- haltig prägte. Die Ausstellung Avantgarde. Max Liebermann und der Impressionismus in Deutschland im Museum Barberini zeigt vom 28.02. bis 07.06.26 anhand von über 110 Werken aus mehr als 60 internationalen Sammlungen eindrucksvoll die Entwicklung des Impressionismus in Deutschland in seiner ganzen Bandbreite. Im Zentrum steht Liebermann in seinen Rollen als Künstler, Sammler und Präsident der Berliner Seces- sion, der entscheidende Impulse für die Internationalisierung des deutschen Kunstbetriebs gab. Zugleich macht die Ausstellung sichtbar, wie eine neue Generation von Malerinnen und Malern – inspi- riert von der französischen Moderne – Themen wie pulsierende Stadtan- sichten, Freizeit- und Naturdar- stellungen, Kinderportraits und Theaterszenen künstlerisch weite- entwickelte. (MB) Max Liebermann: Mein Haus in Wannsee, 1926, Privatsammlung Bild: Museum Barberini Anzeige Unikate aus dem Nachlass des Künstlers!

22

22 Galerien Many Shades of Grès. Mode wird Kunst Termin: 15.05. – 11.10.26 l i i , y e s r e J - e g n S , d e k d n e b A s e t r e i s s i l l p s e ß e W i , s è r G e m a d a M 3 7 9 1 h c a n , h c s i m e G - k i t e h t n y S - e s o k s i V / m u e s u m e b r e w e g t s n u K , n i l r e B u z n e e s u M e h c i l t a a t S : d l i B l k n o K n a h p e t S Aufsehenerregende Mode von einer der wichtigsten Wegbereiterinnen der Haute Couture im 20. Jahrhundert so- wie davon inspirierte Outfits nach stu- dentischen Entwürfen – das Kunstge- werbemuseum (KGM) präsentiert erstmals im deutschsprachigen Raum das faszinierende Werk der französi- schen Modedesignerin Madame Grè s (1903–1993). Im Mittelpunkt steht die 25 Modelle umfassende Grès-Kol- lektion des KGM und damit eine der größten außerhalb von Paris, wo Grès zeitlebens tätig war. Unter Mitwirkung des Fachbereichs „School of Culture and Design“ der Hochschule für Tech- nik und Wirtschaft Berlin beleuchtet die Ausstellung den Kosmos der außer-gewöhnlichen Couturière aus unterschiedlichen Perspektiven. Ihre Karriere begann Germaine Émilie Krebs in den 1930er-Jahren, als sie – nun als Mademoiselle Alix – zusam- men mit Julie Barton das Modehaus „Alix Barton“ gründete. Aus dieser Zeit stammt eines der bedeu-tendsten Ob- jekte aus dem Besitz des Kunstgewer- bemuseums, eine glitzernde Abend- bluse aus einem Netzgewebe mit fa- cettierten Schmucksteinen. Nach 1937 nannte sie sich Alix Grès, in die Mode- geschichte ging sie schließlich als „Madame Grès“ ein. (SMB) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] CHANEL Commission: Lina Lapelytė. We Make Years Out of Hours Kunstmessen Hamburger Bahnhof, 01.05. bis 10.01.27 Mit ihrer Performance „We Make Years Out of Hours” wandelt Lina Lapelytė die historische Halle des Hamburger Bahnhof für die zweite CHANEL Com- mission in einen Ort des gemeinsamen Handelns und Singens. Lapelytė ist be- kannt für ihre meditativen Werke, die Klang, Rituale und Arbeit mit einander verbinden. „We Make Years Out of Hours” ist ein lebendiges Monument für Zeit, Fürsorge und Koexistenz. Die Ausstellung übertritt Grenzen zwischen Skulptur und Performance, Individuum und Kollektiv. Das partizipative Format betont mit der aktiven Einbeziehung des Publikums das Verständnis des of- fenen Museums als Motto des 30. Jubi- läums des Hamburger Bahnhof. Die Ausstellung eröffnet zum Gallery Weekend Berlin. Lina Lapelytė (geb. 1984, Kaunas, Litauen) ist Künstlerin und Komponis- tin, deren Praxis in der Performance verwurzelt ist. Sie arbeitet zwischen Vilnius und London und entwickelt zu- sammen mit professionellen und nicht-professionellen Performer:innen kollektive Gesangsaktionen, die Systeme des Zum-Schweigen-Brin- gens hinterfragen und zur Verletzlich- keit einladen. Ihre Werke wurden u. a. beim Festival d’Automne/Bourse de Commerce (Paris), BAM, MOCA und auf der Biennale von Venedig gezeigt. Bekannt ist sie vor allem für die Oper Sun & Sea (gemeinsam mit Vaiva Grainytė und Rugilė Barzdžiukaitė), die 2019 den Goldenen Löwen der Biennale di Venezia erhielt. Die Ausstellung ist Teil des Jubiläums- programms 30 Jahre Hamburger Bahnhof. 2026 feiert der Hamburger Bahnhof sein 30-jähriges Bestehen mit einem Programm, das den Bogen von der Geschichte des Ortes bis in die Zukunft spannt: Acht Sonderaus- stellungen, eine neue Sammlungsprä- sentation sowie Performances und Konzerte tragen das Museum weit in den Stadtraum hinaus. Höhepunkt ist das Jubiläumswochenende vom 13.– 15.11., an dem eine internationale Konferenz zur Zukunft zeitgenössi- scher Sammlungsmuseen stattfindet und das Haus für 30 Stunden durch- gehend geöffnet ist. (SMB) Lina Lapelytė, What Happens with a Dead Fish?, 2021, Kunstenfestival des Arts, Brüssel, 2021 © Courtesy die Künstlerin Bild: Bea Borgers [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

23

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ ] Kölner Verein startet internationales Atelierstipendium für Künstler:innen im Exil Leute Artists in Exile In Köln startet das neue Stipendium für in Europa lebende, geflüchtete Künstlerinnen und Künstler Artists in Exile. Seit dem 15.01.26 betreut das neue Kunststipendium alle drei Monate jeweils zwei Stipendiatinnen bzw. Stipendiaten, die die Möglichkeit haben, in einem Atelier im Zentrum von Köln zu arbeiten und ihre Werke dort zu präsentieren. Mit dem Stipen- dium wird den Kunstschaffenden ein Raum für ihre künstlerische Entfal- tung geboten. Das erste Stipendium wird zum 01.03.26 dieses Jahres vergeben. Neben einem Atelierarbeitsplatz mit angeschlossenem Ausstellungsraum von rund 100 Quadratmetern, um- fasst das Stipendium außerdem einen monatlichen Materialzuschuss in Höhe von 1.000 Euro, eine Einzelausstel- lung am Ende des dreimonatigen Aufenthalts sowie eine gemeinsame Abschlussausstellung beider Stipen- diaten. Ergänzt wird das Programm durch begleitende Pressearbeit und Kataloge zur langfristigen Sichtbarkeit der künstlerischen Arbeiten. 23 Kunst-Welt Müll in der Kunst, Geld und Musik- Streaming Der Stiftungsrat der Kulturstiftung der Länder hat auf seiner jüngsten Sitzung rund 500.000 Euro für Ausstellungsförderungen bewilligt. Der Stiftungsrat der Kulturstiftung der Länder hat auf seiner jüngsten Sitzung in Mainz beschlossen, 15 Ausstellungsvorhaben in 11 Ländern mit insgesamt rund 500.000 Euro zu unterstützen. Einen Schwerpunkt bilden globale Perspektiven und kulturelle Verflechtungen – dabei geht es u. a. um Abfallwirtschaft, Finanz- geschichte oder um den Einfluss der europäischen Moderne auf Schwarze Künstlerinnen und Künstler in den USA. Mehrere Ausstellungen verknüp- fen historische, technologische und soziale Aspekte – von der Varus- schlacht über die internationale Gartenschau in der DDR bis zur Geschichte der Tonträger. Vorsitzen- der des Stiftungsrats ist derzeit Alexander Schweitzer, Ministerpräsi- dent des Landes Rheinland-Pfalz. Die Kulturstiftung der Länder fördert kunst- und kulturhistorische Ausstel- lungen, die von öffentlichen Einrich- tungen konzipiert und temporär aus- gerichtet werden. Die Ausstellungen sollen von den eigenen Beständen der jeweiligen Institution ausgehen, regional verankert und zugleich international bedeutsam sein. (KSdL) Anzeige Ausgeschrieben und betreut wird das Stipendium vom Verein Support Artists in Exile e.V. Interessierte können sich laufend bewerben (s.u.). „Kunst braucht Freiheit“, sagt Dr. Ste- phan Zilkens, der mehrere Jahrzehnte lang in der Versicherungsberatung für Kunstgegenstände gearbeitet hat und sich 2025 entschied, das Stipendium ins Leben zu rufen. „Artists in Exile setzt genau hier an und schafft Raum für künstlerische Arbeit über politi- sche und geografische Grenzen hin- weg.“ Bewerben können sich exilierte Künstlerinnen und Künstler mit lau- fender oder abgeschlossener künstle- rischer Ausbildung, die sich in aktuell in Europa aufhalten und in ihren Her- kunftsländern aufgrund politischer Umstände in ihrer Arbeit einge- schränkt wurden. Die Werke, die im Rahmen des Artists in Exile Stipendi- ums entstehen, werden im Laufe der Förderung in der Kölner Galerie Villa Minima mit Ausstellungsflächen für Malerei, Bildhauerei und Fotografie präsentiert. (AiE) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

24

24 Museen SPK kooperiert mit marokkanischer Museums- stiftung Marion Ackermann unterzeichnet in Rabat Memorandum of Understand- ing mit Fondation Nationale des Musées – Zusammenarbeit bei Forschung, Capacity Building Und Ausstellungen geplant Die Stiftung Preußischer Kultur- besitz will künftig enger mit marok- kanischen Museen zusammenar- beiten. Im Rahmen eines Besuches in Rabat unterzeichnete SPK-Präsi- dentin Marion Ackermann heute einen entsprechenden Vertrag zur Kooperation mit der der Fondation Nationale des Musées von Marokko (FNM). Geplant sind gemeinsame Forschungs- und Ausstellungspro- jekte sowie ein Austausch zur kulturellen Bildung. Mehdi Qotbi, der als Präsident der FNM den Vertrag auf marokkanischer Seite unterschrieb, erklärte: „Wir planen in den Bereichen Museen, Kulturerbe und Wissenschaft und Kultur zusammenzuarbeiten. Im Zentrum der gemeinsamen Arbeit sollen Kooperationen zur Forschung zu Sammlungen des materiellen und immateriellen Kulturerbes, Capacity Building und Zusammenarbeit im Bildungsbereich, sowie zukünftige gemeinsame Ausstellungen und Veranstaltungsprojekte stehen.“ SPK-Präsidentin Marion Ackermann sagte: „Es ist beeindruckend zu sehen, was die FNM seit ihrer Grün- dung in 2011 bereits auf die Beine gestellt hat und ich freue mich sehr auf die Zusammenarbeit. Schon bei der gemeinsamen Erarbeitung von Vermittlungsmöglichkeiten für historische Wachswalzenaufnahmen marokkanischer Kriegsgefangener, die sich im Phonogramm-Archiv des Ethnologischen Museums befinden, haben wir viel von den marok- kanischen Partnern gelernt. Für die umfassende Unterstützung dabei danke ich dem Goethe-Institut sehr herzlich. Solche Kooperationen möchte ich in den nächsten Jahren noch weiter ausbauen.“ (SPK) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Ein Meisterwerk Luigi Valadiers kehrt nach Deutschland zurück Kunst-Welt Germanisches Nationalmuseum Nürnberg Pietà von Luigi Valadier, sog. Piusaltar, entstanden in Rom, Werkstatt von Luigi Valadier (1726-1785), vollen-det 1786, 105 cm x 75 cm © Germanisches Nationalmuseum Bild: Georg Janßen Neben seiner kunsthistori- schen Bedeutung ist der Piusaltar vor allem ein ma- terielles Zeugnis der bayeri- schen, deutschen und euro- päischen Kulturgeschichte. Als Geschenk eines Papstes an eine deutsche Adelige steht das Werk für die Ver- bindung von kirchlicher und weltlicher Macht im späten Heiligen Römischen Reich.“ Das über einen Meter hohe Silberrelief zeigt die Be- weinung Christi (Pietà) und diente als Hausaltar. Es ist davon auszugehen, dass Papst Pius VI. Maria Anna dieses außergewöhn- liche diplomatische Ge- schenk anlässlich der Geburt ihres Sohnes Pius August überbringen ließ, dessen Patenschaft er übernommen hatte. Der Piusaltar ist aufgrund der Qualität seiner Ausfüh- rung ein herausragendes Werk der römischen Gold- schmiedekunst des späten 18. Jahrhunderts. Luigi Das Germanische Nationalmuseum in Nürnberg erwirbt ein Andachtsbild, das Papst Pius VI. (1717–1799) im Jahr 1786 der späteren bayerischen Herzogin Maria Anna von Pfalz-Zwei- brücken (1753–1824) schenkte. Das als „Piusaltar“ bezeichnete Silberrelief ist vermutlich das letzte Werk des be- deutenden römischen Goldschmieds Luigi Valadier (1726–1785). Die Kul- turstiftung der Länder fördert den An- kauf mit 700.000 Euro. Dazu Dr. Christine Regus, General- sekretärin der Kulturstiftung der Länder: „Es ist ein großes Glück, dass dieses bisher der Wissenschaft wie der Öffentlichkeit unbekannte Meisterwerk der sakralen Kunst des 18. Jahrhunderts nun endlich ge- zeigt und erforscht werden kann. Valadier war einer der angesehens- ten Vertreter seiner Zunft in Europa. Die von ihm geleitete Familienwerk- statt erhielt Aufträge des Papstes und von hohen Würdenträgern der katholischen Kirche ebenso wie von Königshäusern und Adeligen aus ganz Europa. Das nun erworbene Silberrelief entstand kurz vor dem Tod des Meisters. Valadiers Pietà wurde 2024 durch das Germanische Nationalmuseum aus Privatbesitz er-worben. Das Relief wird vom 3. März bis 3. Mai 2026 in einer Sonderpräsentation, ab 2027 in der Dauerausstellung des Germani- schen Nationalmuseums der Öffent- lichkeit und ab sofort der Forschung zugänglich sein. (KSdL) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

25

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ ] Nationalgalerie. Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert Hamburger Bahnhof, noch bis zum 29.03.26 Museen Der Hamburger Bahnhof präsentiert seine Vision eines zeitgenössischen Sammlungsmuseums noch bis zum 29.03.2026. Die Präsentation besteht aus drei in- einandergreifenden Programmlinien: „Nationalgalerie: Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert“ widmet sich der Kunstszene Berlins von der Maueröffnung bis in die Gegenwart; das „Forum Hamburger Bahnhof“ ist ein eintrittsfreier Begegnungsraum, der die vielseitige Geschichte des Museums erlebbar macht; und die „Unendliche Ausstellung“ stellt ortsgebundene Kunstwerke in und um das Museum in einem neuen 25 Rundgang vor. Für den Hamburger Bahnhof beginnt ein neues Kapitel und die Nationalgalerie der Gegenwart öffnet ihre Türen für die neuen Sammlungspräsen- tationen. Neues Kapitel für den Hamburger Bahnhof beginnt Gleichzeitig wird das neue visuelle Erscheinungsbild und das Architek- turkonzept des Hauses vorgestellt. Sam Bardaouil und Till Fellrath, Direktoren des Hamburger Bahn- hofs: „Mit diesem Neustart unter- streicht der Hamburger Bahnhof seine Rolle als Nationalgalerie für zeitgenössische Kunst und als ge- meinschaftliche Sammlungsinstitu- tion im Zentrum Berlins. Mit unserem Standort direkt an der ehemaligen Berliner Mauer die jahrzehntelang die Stadt in Ost und West teilte, fühlen wir uns dazu verpflichtet, unterschiedliche Stim- men zu einem offenen Dialog zu- sammenbringen. Wir freuen uns ganz besonders der Öffentlichkeit vielfältige Programme anbieten können, die für jeden zugänglich und kostenlos sind.“ Nationalgalerie. Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert Die Stadt Berlin und ihre bewegten Entwicklungen von den Jahren kurz vor der Maueröffnung 1989 bis in die Gegenwart stehen im Zentrum dieser Sammlungspräsentation. Die ausgewählten Werke von 59 Künstler:innen, darunter Gemälde, Arbeiten auf Papier, Skulpturen, Fotografien, Installationen, Sound- und Videoarbeiten, erkunden das vielschichtige Zusammenspiel von gesellschaftspolitischen und wirt- schaftlichen Faktoren in der ehemals geteilten Stadt. Zu den Themen zählen Wiederver- einigung, Geschichtsvergessenheit und architektonische Überformung; Arbeitslosigkeit, Immobilienspeku- lation und Gentrifizierung; Kolonia- lismus, Nationalismus, Migration und Diversifizierung; Widerstand, politische Teilhabe und Vielstim- migkeit. (SMB) Nationalgalerie. Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert: Holly Zausner, Second Breath, 2005, Super 16 mm-Film, digitalisiert, Farbe, Ton, 10:16 Min., 2005 erworben mit Unterstützung des Vereins der Freunde der Nationalgalerie Bild: © Staatliche Museen zu Berlin, Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

26

26 Galerien großARTig – Generationen im Dialog BEGE Galerien Bild: BEGE Galerien Wenn unterschiedliche Generationen aufeinandertreffen, entstehen be- reichernde Begegnungen, neue Blickwinkel und überraschende Verbindungen. Die Ausstellung „großARTig – Generationen im Dialog“ vereint bedeutende Positionen von Rupprecht Geiger, Günther Uecker, Niki de Saint Phalle, Bernar Venet, James Francis Gill und Mel Ramos mit zeitgenössischen Künstler:innen wie Julian Voss-Andreae, Leon Löwentraut, Joséphine Sagna und Sebastian Gumpinger. Erstmals präsentiert die BEGE Galerien Sebastian Gumpinger in Ulm. Seine „Steel Paintings“ verbinden Linie, Licht und Material zu einer eigenständigen zeitgenössischen Bildsprache. Sie erwartet eine sorgfältig kuratierte Auswahl musealer Positionen und neuer künstlerischer Handschriften, die spannende Perspektiven für bestehende und zukünftige Sammlungen eröffnet. Die Galerie freut sich Sie zur Vernissage oder während der Ausstellung in den BEGE Galerien am Saumarkt begrüßen zu dürfen. BEGE Galerien Galerie am Saumarkt Fischergasse 34 89073 Ulm Vernissage am 27.02.26 (Fr.) um 19 – 21 Uhr [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Birgit Naomi Glatzel, Ideal City – Fotografie Galerien Zur Premiere in Ulm ist Sebastian Gumpinger persönlich anwesend. nüüd.berlin gallery Birgit Naomi Glatzel Bild: Birgit Naomi Glatzel In der Ausstellung IDEAL CITY zeigen wir ein Projekt der Berliner Künstlerin Birgit Naomi Glatzel, in dem öffentli- che Räume aus Städten weltweit zu neuen, imaginären Stadträumen ver- bunden werden. Architektur sowie Orte aus den Bereichen Service, Ver- kehr und Freizeit werden aus ihrem ursprünglichen Kontext gelöst und neu kombiniert. Seit 2003 wächst dieses offene Projekt kontinuierlich weiter und lädt Besucher:innen dazu ein, Stadt als wandelbare, offene Idee zu begreifen. Mit Ideal City entwickelt Birgit Naomi Glatzel seit 2003 ein offenes künstle- risches System, das urbane Räume neu zusammensetzt und vertraute Vorstellungen von Stadt, Identität und Zugehörigkeit befragt. In der Ausstellung tritt dieses System als visuelles, klangliches und interaktives Gefüge in Erscheinung – als Stadt im Zustand permanenter Möglichkeit. Ausgangspunkt des Projekts ist ein spielerisches, zugleich tiefgreifendes Prinzip der Neukombination: Inspiriert von Kro-gu-fant, einem Klappbilder- buch der Künstlerin Sara Ball, in dem aus fragmentierten Tierkörpern neue, neue, hybride Wesen entstehen, überträgt Ideal City dieses Ver- fahren auf die Struk- tur von Städten. Statt Körperteilen werden architektonische, so- ziale und funktionale Merkmale urbaner Räume neu zusam- mengesetzt – und da- mit Städte imaginiert, die es so nie gegeben hat, die aber dennoch vertraut wirken. Ideal City arbeitet mit Orten aus Städ- ten weltweit, die drei grundlegenden Kate- gorien zugeordnet sind: Service, Ver- kehr und Freizeit. Diese Kategorien bil- den die strukturelle Basis moderner Urba- nität – unabhängig von Kontinent, politischem System oder kulturellem Hintergrund. Märkte, Einkaufszen- tren, Verkehrsknotenpunkte, Sta- dien, Strände oder Plätze werden aus ihrem geografischen, kulturellen und historischen Kontext gelöst und in ein modulares Bildsystem über- führt. Innerhalb dieses Systems tre- ten sie in neue, ungewohnte Bezie- hungen zueinander und verlieren ihre eindeutige Zuschreibung. Ein Ort ist nicht mehr „Berlin“, „Tel Aviv“ oder „Tbilisi“, sondern Teil eines neuen, hybriden Zusammenhangs. Ein zentraler Bestandteil von Ideal City ist die interaktive Komponente. Über eine Computerschnittstelle oder durch das Austauschen von Bildern an einer Wand sind Besu- cher:innen eingeladen, ihre eigene „Lieblingsstadt“ zu entwerfen, in- dem sie öffentliche Räume nach in- dividuellen Vorlieben kombinieren. Das Brandenburger Tor kann unmit- telbar an den Strand von Tel Aviv grenzen, ein Einkaufszentrum in Tel Aviv neben dem Berliner Olympia- stadion liegen. (nbg) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

27

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [ Impressum / Imprint Anschrift EBERHARD print & medien agentur GmbH Mauritiusstraße 53, 56072 Koblenz / Germany Tel. +49 (0)221 / 430 64 35 Mail: info @ kunst - news . de Handelsregister: HRB Koblenz 67 63 Fax: +49 (0) 221 / 430 64 36 Internet: www.kunst-news.de IHK: Koblenz/Germany Geschäftsführer Reiner Eberhard eberhard @ messekompakt . de Redaktion Thorsten Weber (TW) (V.i.S.d.P.) Erika Marquardt redaktion @ kunst - news . de redaktion @ kunst – news . de R. Eberhard (VL) Rüdiger Thiel eberhard @ kunst – news . de thiel @ kunst – news . de Verkauf Bilder/Logos/Texte Affordable Art Fair; art.fair International GmbH – Art Düsseldorf (afi); Artists in Exile (AiE; Art Photo- graphy, Frank Luger; Auktionshaus Dr. Eder; BALLOON ARTIST – Burg Lockenhaus Museumsbetrieb GmbH (BLHM); BB International Fine Arts GmbH (BBIFA); BEGE Galerien (BG); Berlin Galerie Weekend (GWB) - Esad Duraki, Courtesy ChertLüdde, Berlin and Petrit Halilaj; Bundeskunsthalle – Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH (BKH); Centre Pompidou-Metz (CPM); CHRIS- TIE’S (Chr); Claire Dorn – Studio Lee Ufan; EBERHARD print & medien agentur gmbh (epm) / Reiner Eberhard (RE) / Thorsten Weber (TW); Estate Siegbert Hahn – R. Eberhard & T. Weber GbR; Estate Siegmund Hahn – R. Eberhard & T. Weber GbR; FOLLOW.ART; Fondation Beyeler (FB); Frauenmuseum Hittisau (FMM); Galerie David Zwirner; Galerie Elisabeth & Klaus Thomann, Innsbruch; Galerie Hanna Bekker vom Rath (GHB) – Peter Engel; Galerie Leu (GL); galerie m beck (gmb); Galerie Thomas Fuchs, Stuttgart, Logan T. Sibrel; Germanisches Nationalmuseum Nürnberg – Georg Janßen; Grand Palais RMN – Musée d’Orsay, Hervé Lewandowski; GUGGENHEIM BILBAO (GHB) – Laurence Cuneo; Hamburger Bahnhof – Bea Borgers (SMB); Hamburger Kunsthalle (HK); Haus der Kunst (HdK) – Priscilla Grubo; Hessen Kassel Heritage (HKH); Historisches Archiv mit Rheinischem Bildarchiv, Karl Krüger; in focus Galerie (ifg) – Bernard of Hollywood; Käthe Kollwitz Museum Köln (KKM) – Amrei-Marie, Wikimedia; Königliche Akademie Paris – Philip Montgomery siehe Staatsgalerie Stuttgart; Kulturstiftung der Länder (KSdL); Kunsthalle St. Annen (KHSA); Kunsthaus Lempertz KG (KHL); Kunstmuseum Albstadt (KMAS); Kunstmuseum Basel (KMB); Kunstmuseum Bonn – N. Lackner – Nachlass Wolfgang Hollegha; Kunstmu- seum Thun – THUN PANORAMA (KMT); Kunstmuseum Wolfsburg (KMW); Kunstverein Friedrichshafen (KVFH); LENBACHHAUS (LBH); LVR-Landesmuseum Bonn (LVR) – Stefan Arendt, LVR-Zentrum für Me- dien und Bildung; Max Ernst Museum Brühl des LVR (MEM) – Thomas Müller; MCH Swiss Exhibition (Basel) Ltd. (MCH) – Art Basel, Art Basel Paris, Art Basel Hong Kong; Musée du Louvre (MdL); Museum Barberini Potsdam (MB); Museum Frida Burda – Puls On Gallery (POG); Museum für angewandte Kunst (MAK); Museum im Kulturspeicher (Mik) – Wolfgang Günzel; Museum Ludwig (ML) – Yayooi Kusama, Ota Fine Art David Zwirner; Museum Reinhard Ernst (MRE); Museum Wiesbaden (MW) – Christoph Böck- heler; MVFP Medienverband der freien Presse e. V.; Neue Nationalgalerie – Stiftung Preußischer Kultur- besitz (SMB); nüüd.berlin gallery (nbg) – Birgit Naomi Glatzel; photo basel - Photo Basel AG; PLUS ONE GALLERY (POG); POSITIONS Berlin GmbH; Rautenstrauch-Joest Museum Köln (RJM) – Sebastiao Salgado; Saatchi Art; Sandstein Verlag – Sandstein Kultur GmbH (SV); Serpentine Galleries (SG) – Prudence Cuming; Skulpturenpark Waldfrieden Wuppertal (SPW) – Gunter Lepkowski; Sotheby’s (Sot); Sprengel Museum Hannover – Landeshauptstadt Hannover (SMH); Städtischen Galerien Neunkirchen (SGN) – Atelier Maqsoodi; Staatliche Museen zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz (SMB); Staatsgalerie Stuttgart (SGS) – Graphische Sammlung, Königlische Akademie Paris; Städtischen Galerie Neuenkirchen (SGN); Stiftung Preußischer Kulturbesitz (SPK); Tate Gallery (TG) – Jack Arts; Taschen Verlag (TV); TEFAF Maastricht (TEFAF); The Frick Collection (TFC); the working smarter group GmbH; THK Gallery, Mille KalsmoseTHYSSEN-BORNEMISZA Museo Nacional (TBMN); Von der Heydt Museum (VdHM); Archiv Haftungsausschluss Die EBERHARD print & medien gmbh prüft Werbeanzeigen von Ausstellern bzw. sonstigen Inserenten in diesem ePaper nicht und haftet unter keinerlei rechtlichen, insbesondere nicht unter wettbewerbsrecht- lichen Gesichtspunkten für den Inhalt sämtlicher in diesem ePaper veröffentlichten Werbeanzeigen. Das gleiche gilt für die veröffentlichten redaktionellen Berichte sowie für die redaktionell gestalteten Anzeigen unter dem Namen des jeweiligen Ausstellers (Firmenname/Verfasser wird in den einzelnen Berichten aufgeführt); diese Einträge hat das einzelne Unternehmen / der jeweilige Aussteller (Halle, Stand) ei- genverantwortlich veranlasst. Gemäß Urteil vom 12.5.1998 | Landgericht Hamburg weisen wir darauf hin, dass wir keinerlei Einfluss auf die Gestaltung noch auf die Inhalte der auf unserer Homepage und ePaper gelinkten Seiten haben. Des Weiteren distanzieren wir uns von den Inhalten aller von uns gelinkten Seiten. Ebenso machen uns deren Inhalte nicht zu eigen und lehnen jegliche Verantwortung dafür ab. Disclaimer EBERHARD print & medien agentur gmbh accepts no liability for statements by exhibitors or the content of advertising. EBERHARD print & medien agentur gmbh does not examine the advertisements by ex- hibitors and other advertisers in this epaper and is not liable under any aspect of law - and particularly the law on competition - for the content of any advertisements published and editorial advertisements in this epaper. The same applies to the entries listed under the names of the respective exhibitors (hall, booth); these entries have been actuated by the respective exhibitors on their own authority. Gerichtsstand Koblenz / Germany 27 Museen Peter Hujar - Eyes Open in the Dark Bundeskunsthalle, 27.02. bis 23.08.26 Peter Hujar war Fotograf und zent- rale Figur in der Downtown-Szene des New Yorks der 1970er und frü- hen 1980er Jahre. Als er 1987 an einer AIDS-bedingten Lungen ent- zündung starb, waren jedoch seine Fotografien in der breiteren Kunst- welt weitgehend unbekannt. Sein Hauptinteresse galt der Port- rätfotografie, sei es, dass er seine Freunde und Bewohner Manhattans fotografierte – die er auf der Straße traf, in seinem Apartmentstudio fotografierte und an Veranstaltungs- orten aufsuchte – oder dass er seine Aufmerksamkeit auf Tiere, Architek- tur und Landschaften richtete. Auch er selbst wurde oft Sujet seiner Fotografien. Sein Umfeld hielt er in vielen intimen Aufnahmen fest und so wurde sein Werk zu einem wichtigen Zeitdokument. Die Ausstellung zeigt das spätere Werk und dessen Bandbreite in Hujars Schaffen seit Mitte der 1970er Jahre. Damals stand er mit den Künstlern Paul Thek und dem jüngeren David Wojnarowicz in den 1980er Jahren in enger Verbindung und künstlerischem Austausch, kurz bevor AIDS ihre Gemeinschaft zerstörte. Ein Themenbereich kon- zentriert sich auf das Jahr 1976, in dem Hujar eine Reihe außerge- wöhnlicher Porträts des Tänzers Bruce de Sainte Croix schuf, eine Serie von acht Wasserstudien für eine katholische Kapelle produzierte und nach einer Phase der Depres- sion mit neuer Ausstrahlung in die Straßen- und Architekturfotografie einstieg. Peter Hujar studierte Anfang der 1950er Jahre Fotografie an der School of Industrial Arts in Man- hattan. Obwohl er einige kommerzi- elle Aufträge erhielt, war er von sei- nem Temperament her nicht dafür geeignet, für andere zu arbeiten. Anfang der 1970er Jahre gab er die kommerzielle Fotografie auf und führte ein finanziell prekäres Leben mit gelegentlichen Aus- stellungen. (BKH) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

28

28 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Generation 1700. Zeichnen an der königlichen Akademie in Paris Ausstellungen 17.04. bis 30.08.26 im Graphik-Kabinett Die Ausstellung „Generation 1700“ widmet sich dem Zeichenunterricht an der „Académie royale de peinture et de sculpture“, der Königlichen Akademie in Paris, und verdeutlicht mit größtenteils erstmals gezeigten Werken, wie die bedeutendsten Künstler der französischen Aufklä- rung ihr Studium der Anatomie mit künstlerischem Ausdruck verbinden. Anlässlich des 75. Jubiläums der deutsch-französischen Freundschaft wird der Blick auf eine Epoche tief- greifender gesellschaftlicher Um- brüche gerichtet, in der das Zeich- nen selbst zum Medium aufgeklärter, revolutionärer Freiheit wird. Wie lernt man, den menschlichen Körper zu zeichnen? Diese Frage steht im Mittelpunkt der Ausstellung „Generation 1700“, die sich dem Zeichenunterricht an der „Académie royale de peinture et de sculpture“ widmet, der prestigeträchtigen Kun- stakademie Frankreichs im 18. Jahr- hundert – eine Zeit tiefgreifender ge- sellschaftlicher Umbrüche: Während sich das Bürgertum im Zeichen der Aufklärung vom absolutistischen Hof emanzipiert, wird auch das Zeichnen selbst zum Medium der Befreiung. Junge Künstler bilden den mensch- lichen Körper nicht mehr nur ab, sondern studieren mit rationaler Erkenntnis die Anatomie und be- greifen sie zugleich als Ausdruck individueller Ideen. Anlässlich des 75. Jubiläums der deutsch-französischen Freundschaft, die 2026 gefeiert wird, beleuchtet die Staatsgalerie Stuttgart nun das Zeichnen nach dem lebenden Modell zwischen Disziplin, Wissenschaft und künstlerischer Entfaltung. Im Zentrum der Ausstellung im Gra- phik-Kabinett steht Michel-François Dandré-Bardon (1700–1783), einer der bedeutendsten Künstler der fran- zösischen Aufklärung. Mit Verständ- nis für Anatomie und einem feinen Gespür für Bewegung und Stofflich- keit inszeniert er den menschlichen Körper in dramatisch komponierten Studien: buchstäblich vom Fuß über den Kopf bis zur ganzen Figur. Seine Werke zeigen eindrucksvoll, wie die strengen Prinzipien der Akademie fruchtbaren Boden für künstlerische Experimente bereiten. Die Staatsgalerie besitzt einen der umfangreichsten Grafikbe- stände von Dandré-Bardon in Europa. Ergänzt wird die Präsentation mit Werken von Zeitgenossen wie Carle van Loo, Jean François de Troy, Charles Joseph Natoire und Nicolas Guibal. Anhand von rund 80 Zeichnungen, Druckgrafiken und Gemälden, die größtenteils erstmals gezeigt werden, ermöglicht die Ausstellung „Generation 1700“ einen Blick in den Alltag der Akademie. (SGS) Gefördert von: Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden- Württemberg [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026 Philip Montgomery, The Chatman family, Ferguson, Missouri, November 2014. Bild: © Philip Montgomery Michel-François Dandré-Bardon, Männlicher Akt sich an einem Seil haltend, um 1725 Bild: © Staatsgalerie Stuttgart, Graphische Sammlung

29

[ ] Wolfgang Hollegha. Denk nicht, schau! Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin Museen museum reinhard ernst Das Museum Reinhard Ernst feiert zu holen und ihm den Raum zu geben, die Deutschlandpremiere eines der den sein Werk verdient. In den groß- international bedeutendsten österrei- zügigen, lichtdurchfluteten Räumen chischen Maler nach 1945: Wolfgang des Museums Reinhard Ernst beginnen Hollegha (1929–2023). Bereits Ende seine Bilder zu atmen und entfalten der 1950er-Jahre erlangte Hollegha ihre ganze Strahlkraft und Farbinten- große Anerkennung in New York – im sität. Sie laden dazu ein, tief in die Zentrum jener künstlerischen Avant- souveräne Abstraktion eines Europäi- garde, die die Malerei nachhaltig ver- schen Meisters einzutauchen – eines änderte. Gefördert von dem einfluss- Malers, der das Gegenständliche in reichen US-amerikanischen Kunstkriti- eine vielschichtige Sprache aus Farbe, ker Clement Greenberg, stellte er ge- Form und Empfindung zu überführen meinsam mit den Protagonist:innen wusste“, sagt Dr. Oliver Kornhoff, des Abstrakten Expressionismus Direktor des Museums Reinhard Ernst. aus, darunter Helen Frankenthaler, Morris Louis und Kenneth Noland. Wolfgang Hollegha, ohne Titel (Detail), 2016, Museum Liaunig. Bild: N. Lackner / UMJ © Nachlass Wolfgang Hollegha 29 Museum Ruin und Rausch. Berlin 1910–1930 Neue Nationalgalerie Mit „Ruin und Rausch“ nimmt die Neue Nationalgalerie ausgewählte Werke ihrer herausragenden Sammlung der Klassischen Moderne in den Fokus, die das Berlin der 1910er- und 1920er- Jahre thematisieren. Diese Jahrzehnte – geprägt von Erstem Weltkrieg und Weimarer Republik – oszillierten be- ständig zwischen Gegensätzen: Exzess und Armut, Emanzipation und Extre- mismus gingen in der rasant wachsen- den, kosmopolitischen Metropole Hand in Hand. Mit rund 45 Werken unter- schiedlicher Stilrichtungen macht die Ausstellung die Ambivalenz von Glanz und Elend, Aufstieg und Abgrund im damaligen Berlin erlebbar. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ent- wickelte sich Berlin im Zuge der In- dustrialisierung nicht nur zu einem ökonomischen, sondern vor allem zu einem politischen und kulturellen Zentrum. Mit der Gründung von Groß- Berlin 1920 stieg die Einwohnerzahl sprunghaft auf rund 4 Mio. Menschen, Berlin wurde nach London zur flächen- mäßig zweitgrößten Stadt der Welt. Neben den zahlreichen Neuerungen in den Bereichen Bau und Verkehr vollzogen sich gesellschaftliche Um- wälzungen wie die Demokratisierung oder die Frauenemanzipation. Die Traumata des Ersten Weltkriegs und der erstarkende Nationalsozialismus überschatteten die so genannten „Goldenen Zwanziger“. Die bereits von zeitgenössischen Stimmen als „Babylon“ mystifizierte Metropole befand sich auf vielen Ebenen in Auf- ruhr: Kommerzielle Fülle und Exzess standen in Kontrast zu wachsender Armut und Arbeitslosigkeit. Die Ausstellung im Sammlungsge- schoss der Neuen Nationalgalerie macht in drei Sektionen das von Gegensätzen geprägte Berliner Groß- stadtleben zwischen 1910 und 1930 nachvollziehbar. Nachdem Eingangs die Dynamik der wachsenden Metro- pole mit Blick auf Architektur, Verkehr und das ausschweifende Nachtleben in den Blick genommen werden, widmet sich die zweite Sektion den sozialen Abgründen, die das Leben der Arbei- ter:innenklasse prägten. (SMB) Trotz dieser internationalen Erfolge entschied sich Wolfgang Hollegha bewusst gegen eine Karriere in den Kunstmetropolen. 1962 zog er sich auf einen Bauernhof aus dem 17. Jahrhundert am Rechberg nördlich von Graz zurück. In dieser selbstge- wählten Abgeschiedenheit entwickelte er über mehr als sechs Jahrzehnte ein radikal eigenständiges, oft monumen- tales Œuvre – konzentriert, kompro- misslos und von außergewöhnlicher malerischer Intensität. „Es ist uns eine Herzensaufgabe, diesen bedeutenden Künstler aus der Vergessenheit zurück ins Licht Auf insgesamt 660 m² präsentiert das Museum erstmals in Deutschland 27 großformatige Arbeiten Wolfgang Holleghas aus sechs Jahrzehnten. Die Werkschau umfasst 23 Gemälde auf Leinwand sowie vier Arbeiten auf Papier. Das größte Werk der Ausstellung, Mütze zwei Holzscheite (2002), misst 285 × 600 cm und beeindruckt durch seine rhythmische, tänzerische Geste. Ein besonderer Höhepunkt der Ausstellung ist die Gegenüberstellung von Holleghas Werk mit Arbeiten seiner amerikanischen Zeitgenossen. Die Sammlung Reinhard Ernst vereint ein einzigartiges Who’s who des Abstrakten Expressionismus. (MRE) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

30

30 Kunstmessen 2026 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] 09.04. bis 12.04.2026 IFPDA Fine Art New York 2026 in New York (USA) Bild: [Kunst-News], epm gmbh 17.04. bis 19.04.2026 Art Düsseldorf in Düsseldorf (Deutschland) 17.04. bis 19.04.2026 MiArt 2026 in Mailand (Italien) 23.04. bis 26.04.2026 Art Brüssel 2026 in Brüssel (Belgien) 23.04. bis 26.04.2026 Discovery Art Fair Cologne 2026 in Köln (Deutschland) Im In- und Ausland 26.02. bis 01.03.2026 STAGE Bregenz in Bregenz (Österreich) Impressionen von der VOLTA 2025 in Basel 04.03. bis 08.03.2026 ARCO Madrid 2026 in Madrid (Spanien) 13.03. bis 15.03.2026 Art Fair Tokyo 2026 in Tokio (Japan) 14.03. bis 19.03.2026 TEFAF Maastricht in Maastricht (Niederlande) 19.03. bis 22.03.2026 palm beach MODERN + CONTEMPORARY in West Palm Beach (USA) 20.03. bis 22.03.2026 SPARK Art Fair in Wien (Österreich) 20.03. bis 22.03.2026 C.A.R. – Contemporary in Essen (Deutschland) 25.03. bis 30.03.2026 Salon du Dessin in Paris (Frankreich) 27.03. bis 29.03.2026 Art Basel Hong Kong 2026 in Hongkong (Hongkong) 27.03. bis 29.03.2026 ART ROTTERDAM 2026 in Rotterdam (Niederlande) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

31

[ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] 30.04. bis 03.05.2026 paper positions berlin 2026 in Berlin (Deutschland) 01.05. bis 03.05.2026 Gallery Weekend Berlin 2026 in Berlin (Deutschland) 08.05. bis 10.05.2026 Art International Zürich 2026 in Zürich (Schweiz) 06.05. bis 10.05.2026 Hampstead Affordable Art Fair in Hampstead, London (GB) 14.05. bis 17.05.2026 Photo London 2026 in London (Großbritannien) 14.05. bis 17.05.2026 Independent New York 2026 in New York (USA) 15.06. bis 21.06.2026 photo basel 2026 in Basel (Schweiz) 15.05. bis 19.05.2026 TEFAF New York in New York (USA) 15.06. bis 21.06.2026 Liste Art Fair Basel 2026 in Basel (Schweiz) 18.06. bis 21.06.2026 Art Basel 2026 in Basel (Schweiz) 09.09. bis 13.09.2026 ART WEEK 2026 in Berlin (Deutschland) 10.09.2026 bis 13.09.2026 POSITIONS Berlin Art Fair 2026 in Berlin (Deutschland) 11.09. bis 13.09.2026 Tokyo Gendai 2026 in Tokio (Japan) 31 17.09. bis 20.09.2026 VIENNA CONTEMPORARY in Wien (Österreich) 24.09. bis 27.09.2026 Independent 20th Century 2026 in New York (USA) 24.09. bis 27.09.2026 ci - contemporary istanbul in Istanbul (Türkei) 24.09. bis 27.09.2026 The Armory Show in New York (USA) 02.10. bis 04.10.2026 ART JAKARTA in Jakarta (Indonesien) 15.10. bis 18.10.2026 HIGHLIGHTS in München (Deutschland) 15.10. bis 18.10.2026 HIGHLIGHTS in München (Deutschland) 16.10. bis 18.10.2026 C.A.R. – Contem- porary Art Ruhr in Essen (Deutschland) 21.10. bis 25.10.2026 Paris Internationale in Paris (Frankreich) 22.10. bis 25.10.2026 Drawing Room in Lissabon (Portugal) Alle Angaben ohne Gewähr! Änderungen vorbehalten! Impressionen von der modern Art Fair 2025 in Paris Bild: [Kunst-News], epm gmbh [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

32

[ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] 32 Kunstmessen Im In- und Ausland 05.11. bis 08.11.2026 Affordable Art Fair Hamburg 2026 in Hamburg (Deutschland) 06.11. bis 08.11.2026 ARTe Kunstmesse Dortmund in Dortmund (Deutschland) 12.11. bis 15.11.2026 PARIS PHOTO in Paris (Frankreich) 20.11. bis 22.11.2026 Kunst & Antiquitätenmesse in Klosterneuburg (Österreich) 25.11. bis 29.11.2026 Affordable Art Fair 2026 in Amsterdam (Niederlande) Museum Thomas Bayrle. Stadt, Land, alles im Fluss MiK Thomas Bayrle, Portrait, 2014, Bild: Wolfgang Günzel Das Museum im Kulturspeicher (MiK) Würzburg lädt herzlich zur Eröffnung der Ausstellung „Thomas Bayrle. Stadt, Land, alles im Fluss“ ein. Die Einzelausstellung eines der be- deutendsten deutschen Pop-Art- Künstler wird am Freitag, den 27. Feb. 2026, feierlich eröffnet. Der Einlass ins Museum ist ab 18.30 Uhr möglich; die Reden im Foyer begin- nen um 19 Uhr. Der Eintritt ist frei, eine Anmeldung ist nicht erforder- lich; die Sitzplätze sind jedoch be- grenzt. Zur Begrüßung sprechen Sandra Vor- lová, 2. Bürgermeisterin der Stadt Würzburg, sowie Marcus Andrew Hurttig, Direktor des MiK. Die Rede- beiträge werden in Gebärdensprache übersetzt. Auch der Künstler Thomas Bayrle wird bei der Auftaktveranstal- tung anwesend sein. Im Anschluss an den offiziellen Teil bleibt das Museum bis in die späten Abendstunden geöffnet. Ein Besuch der Ausstellung ist bis mindestens 22 Uhr möglich. Auch Gäste, die nach 19 Uhr oder erst im Laufe des Abends hinzustoßen, sind herzlich willkommen. Neben dem Ausstel- lungsbesuch lädt die Vernissage zur Vernetzung und zum gemeinsamen Austausch ein. Bei Getränken und kleinen Backwaren besteht Gelegenheit zum Gespräch; die Erlöse des Getränkeverkaufs kom- men dem MiK und damit der Muse- umsarbeit zugute. (MiK) Alle Angaben ohne Gewähr! Änderungen vorbehalten! Künstler Thomas Bayrle ist bei der Auftaktveranstaltung anwesend. [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026 Impressionen von der Art Basel 2025 in Basel Bild: [Kunst-News], epm gmbh 22.10. bis 25.10.2026 Art Salon Zürich in Zürich (Schweiz) 22.10. bis 25.10.2026 Moderne Art Fair in Paris (Frankreich) 23.10. bis 25.10.2026 Art Basel Paris in Paris (Franreich) 23.10. bis 25.10.2026 ART MUC 2026 in München (Deutschland) 29.10. bis 01.11.2026 Discovery Art Fair Frankfurt 2026 in Frankfurt (Deutschland) 29.10. bis 01.11.2026 ART TORONTO in Toronto (Kanada) 05.11. bis 08.11.2026 ART COLOGNE in Köln (Deutschland)

33

i - n e L m s u a h h c a b n e L : d 4 2 0 2 . V . e s u a h h c a b n e L n e r e v r e d r ö F f o n o i t i s i u q ] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Über die Welt hinaus. Der Blaue Reiter i e i r e a G e h c s i t d ä t S , V X n o i t i s o p m o K e a t n e m a n r O - c A / s e d f u a k n A , h c i n u M s u a h h c a b n e L / n e h c n ü M u a b t s n u K d n u s u a h h c a b Ausstellungen Lenbachhaus, 10.03.26 bis 05.09.27 Zu Beginn des 20. Jahrhunderts for- mierte sich in München ein Kreis von Künstlerinnen und Künstlern mit einer Vision. Sie hatten das gemeinsame Ziel, die Kunst zu erneuern und die Gesellschaft zu verändern. Besonders wichtig in diesem Unter- fangen waren die beiden Ausstellun- gen der Redaktion Der Blaue Reiter in München 1911–12. Der Titel nahm explizit Bezug auf das Vorhaben des Almanachs: Dieses programmatische Jahrbuch etablierte den Blauen Reiter als Teil eines weltweiten, epochen- und gattungsüberschreitenden Kunst- schaffens. Der Blaue Reiter war je- doch mehr als das: Er basierte auf einem Netzwerk des Austauschs, das kulturelle Unterschiede als kreative Ressource verstand. In einem trans- nationalen Dialog – vom Deutschen Kaiserreich und Frankreich bis ins Russische Reich und in die USA – schufen die Beteiligten neue Bildspra- chen für eine sich wandelnde Welt. Viele von ihnen lebten unkonventio- nelle Lebensentwürfe, stellten Ge- schlechterrollen in Frage und suchten nach neuen Formen der Darstellung jenseits bürgerlicher Normen. Die Ausstellung rückt ihre wegweisen- den Errungenschaften in den Mittel- punkt – von Franz Marcs symbolischer Farbtheorie über Wassily Kandinskys Abstraktionen bis hin zu Alexander Sacharoffs performativen Grenzüber- schreitungen. Besonderes Augenmerk gilt den Künstlerinnen, die – für ihre Zeit ungewöhnlich sichtbar – eine zentrale Rolle in der Bewegung spiel- ten. Neben Gabriele Münters expressi- ver Malerei treten ausdrucksstarke Selbstporträts von Elisabeth Epstein, die dramatischen Gemälde der Kosmo- politin Marianne von Werefkin und Maria Franck-Marcs hintergründige Stillleben und utopische Kinderwelten. Bedeutende Neuzugänge zur Samm- lung des Lenbachhauses wie die groß- formatigen abstrakten Kompositionen von Wilhelm Morgner oder sozialkriti- sche Werke von Emmy Klinker und Albert Bloch sind erstmals zu sehen. Mit über 150 Arbeiten eröffnet die Ausstellung neue Perspektiven auf eine der bedeutendsten Bewegungen der europäischen Avantgarde. (LBH) Die Ausstellung findet im Rahmen der Vorberei- tungen unseres Jubiläums "100 Jahre Lenbach- haus 1929 / 2029" statt. , r e n g r o M m e h l l i B l i W l l 33 Museum URSI FÜRTLER Textil – Abstrakt Museum für angewandte Kunst Plissierte Stoffe, Siebdruck, abs- trakte, geometrische Formen in der Tradition der klassischen Moderne und eine Faszination für japanisches und afrikanisches Kunsthandwerk machen Ursi Fürtlers (*1939) künst- lerisches Schaffen unverwechselbar. Unter dem Titel Textil – Abstrakt widmet das MAK der renommierten, vielfach ausgezeichneten österrei- chischen Textilkünstlerin erstmals eine eigene Ausstellung, die am Tag ihres Geburtstags eröffnet wird. Gezeigt wird ein Querschnitt durch ihr gesamtes Werk, von Textilent- würfen auf Papier aus den 1970er und 1980er Jahren über faltbare Paravents bis hin zu Textilien an der Schnittstelle von skulpturalem Ob- jekt und tragbarem Kleidungsstück. Zu Fürtlers bekanntesten Stücken zählen ab den 1980er Jahren ent- standene, tragbare Textilobjekte aus synthetischen Fasern, Seide und Wolle. Häufig spielen sie an den Bugkanten komplexer Faltenarran- gements mit bedruckten und unbe- druckten Partien. Die Plissees erin- nern an Mariano Fortuny oder Issey Miyake, zugleich offenbart die Ober- flächengestaltung der Textilien – vor allem in Bewegung – ästhetische Effekte, die an das changierende Federkleid von Paradies- oder Hühnervögeln oder an die schuppigen Musterzeichnungen von Reptilien denken lassen. Ihre charakteristischen Muster er- zielt die Künstlerin im Schablonen- siebdruck in der Kombination von drei bis fünf Schablonen, die mit kleinen Punkten, schmaleren und auch breiteren Streifen abstrakte Formen wie Kreise, Recht- und Dreiecke bzw. Zacken generieren. Schlauchartige Objekte lassen sich als Puls- oder Schulterwärmer oder auch als Röcke oder Kleider am Körper tragen, während einige rechteckige oder aus symmetri- schen Flügeln genähte Stücke unterschiedlich verwendbar sind, etwa als Schals oder Gürtel. (MAK) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

34

34 Ausstellungen Louise Stomps: Konturen des Inneren Kollwitz Museum Köln, bis zum 28.06.26 Louise Stomps bei der Arbeit ihrer letzten Skulptur „Der Aussteiger“, Rechtmehring 1987 Bild: Amrei-Marie, (ed.), Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0 Die Bildhauerin Louise Stomps (1900–1988) führte ein kompromiss- los eigenständiges Leben als Künstle- rin. Ihr Werk kreist um existenzielle Erfahrungen wie Liebe, Trauer, Hoff- nung und Verlust. Ausgehend von der klassischen Moderne entwickelte sie eine Formensprache, die sich behut- sam von der Figur löste – der Mensch blieb aber auch in ihren zunehmend abstrakten Arbeiten stets zentraler Bezugspunkt. Mit rund 45 teils großformatigen Skulpturen aus Stein und Holz, 30 Zeichnungen und Druckgrafiken sowie einer eigens für die Ausstellung produ- zierten filmischen Dokumentation lädt das Kollwitz Museum Köln nun dazu ein, Leben und Schaffen der lange Zeit zu Unrecht nur selten ausgestellten Künstlerin neu zu entdecken. (KKM) Anzeige [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Widerstand, Wandel, Zusammenhalt. Ausstellungen Frauen*monat März im Frauenmuseum Der März steht seit über 100 Jahren im Zeichen der Frauenrechte – welt- weit, österreichweit und im Bregen- zerwald. Das Frauenmuseum Hittisau lädt auch 2026 wieder zu einem vielseitigen Programm rund um den Internationalen Frauentag am 8. März und setzt damit ein starkes Zeichen für Gleichstellung, Selbstbestimmung und kulturelle Teilhabe. Die Gleichstellung der Geschlechter steht weltweit unter Druck. In vielen Ländern nehmen antifeministische Tendenzen zu, Rechte werden zurückgenommen, Gewalt gegen Frauen* steigt – auch in Österreich. Der Gender Pay Gap liegt öster- reichweit bei 12,8%, im reichen Vorarlberg sogar bei über 20%. Jede dritte Frau erlebt körperliche oder sexualisierte Gewalt, Care- Arbeit bleibt strukturell unsichtbar. Und doch bewegt sich vieles. Frauen* kämpfen weltweit – in den Parlamenten, in der Kunst, auf der Straße, im Alltag. Wir stehen auf den Schultern von Ries:innen, die sich exponiert haben und nie aufge- hört haben, für Freiheit, Gerechtig- keit und Frieden einzutreten. Auch ihnen ist dieser Frauen*monat gewidmet. Zentraler Ausgangspunkt des Frauen*monats ist die aktuelle Aus- stellung FRIEDEN TUN. Über Gerech- tigkeit, Demokratie und Geschlecht. Sie zeigt eindrucksvoll, dass Frieden nicht die Abwesenheit von Krieg ist – sondern ein aktiver Prozess, der tief mit Geschlechterverhältnissen, sozia- ler Gerechtigkeit und demokratischer Mitgestaltung verwoben ist. Die Ausstellung widmet sich be- wusst dem oft überhörten Beitrag von Frauen* in Friedensprozessen, der Care-Arbeit als friedensstiftender Praxis und kritisiert patriarchale Gewaltstrukturen in Politik, Alltag und Sprache. Gerade in Zeiten zunehmender Polari- sierung, Krisen und Rückschritte bei Gleichstellung und sozialer Gerechtig- keit ist es wichtig, Räume zu schaf- fen, in denen Frauen* zu Wort kom- men, sich vernetzen und gemeinsam Veränderung gestalten können. Unter dem Schwerpunkt FRIEDEN gibt es deshalb im Frauenmuseum Hittsiau den ganzen März über eine abwechs- lungsreiches Programm. (FMH) Bild: Frauenmuseum Hittisau [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

35

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Two Sisters, One Shared Vision for a More Sustainable Art World 35 from the curatorial and research side. With experience across museums, galleries, and artist- led initiatives, her work focuses on the social, physical, and emotional realities of curatorial practice. (FA) Page 36 Image: FOLLOW.ART Advertisement Veronika Gorbačova and Evelīna Gorbačova, Head of Digital Development at FOLLOW.ART Art World FOLLOW.ART In an art ecosystem long shaped by hierarchy, gatekeeping, and inheri- ted power structures, FOLLOW.ART brings a new kind of leadership that is quietly reshaping the art world, rooted in collaboration, research, and lived experience. As part of the core team at FOLLOW.ART, sisters Evelīna Gorbačova and Veronika Gorbačova, are represen- ting a new generation of art-sector decision-makers who are rethinking how artists and curators build visibility, careers, and meaningful professional relationships. Rather than following parallel paths, Evelīna and Veronika operate at two ends of the same system. Evelīna, Head of Digital Develop- ment at FOLLOW.ART, currently based between London and Riga, brings a background in digital humanities, creative technology, and institutional art infrastructures. Her work translates research into practical tools, most notably the Nexus Card, that help artists and curators present themselves profes- sionally without relying on algo- rithms, content pressure, or opaque gatekeepers. For Evelīna, techno- logy is not disruption for disruption’s sake, but a form of care: infra- structure that enables long-term sustainability in creative careers. “We’ve been fortunate to be surrounded by incredible artists and curators, who constantly expand our understanding of the world and of ourselves, who challenge existing norms and keep innovating in any conditions. At the same time, there were not many digital tools suppor- ting the way they actually work. As gatekeeping has shifted from traditional instituti- ons to algorithmic systems, many practitioners have simply been left navigating a diffe- rent kind of opacity. We wanted to cre- ate an infrastruc- ture that conti- nuously supports professional and personal growth through visibility without algorithms, allowing curators and artists to find peers and reach audiences intentio- nally, and creating space for exchange. And today, it has grown into a network of over 1500 members across more than 80 countries!” – Evelīna Gorbačova Veronika, Head of Curatorial Collaboration, currently based between Venice and Tenerife, approaches the same challenges [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

36

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [ From Visibility to Viability: FOLLOW.ART’s Curatorial Ethos 36 Continued from page 35 Art World At FOLLOW.ART, she develops frameworks that support curators’ visibility, growth, and cross-border collaboration,bringing curatorial ethics and accessibility into direct dialogue with digital tools and platforms. “Through our work, we’ve come to understand just how financially fragile and emotionally demanding curatorial work usually is, with blurred boundaries between personal and professional life. It’s a field built on intense immaterial labour, often without any real promise of paid opportunities, and one that frequently leaves curators outside existing digital infrastructures. Yet paradoxically, it remains extremely competitive and difficult to enter. So when you meet a curator, you can be sure they’ve been through a lot. In this environment, moments of genuine peer support and exchange are like rare gems. And I see FOLLOW.ART as a space shaped by care and atten- tiveness, responding to the real, lived needs of both curators and artists.” Veronika What makes their collaboration distinctive is not simply the family bond, but that their shared values were shaped outside traditional art- world hierarchies. Belonging to a younger generation of cultural workers who came of age amid precarity,platformisation, and post- pandemic shifts, they understand first-hand why visibility alone is not enough, and why sustainability, agency, and peer-to-peer support must be designed into the system itself. Together, they embody FOLLOW.ART’s core philosophy: collaboration over competition, care over hierarchy, and authenti- city over algorithms. [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026 Their sibling dynamic mirrors the platform’s wider ambition, which is to bridge silos between techno- logy and curating, strategy and a personable approach, digital efficiency and human connection, offering a compelling case study of how the next generation is actively redesigning the art world from within. (FA) Workshop for Curators and Artists Image: FOLLOW.ART

37

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ A Design for Continuity and Change: The Frick Collection Art World Image: The Frick Collection Principal of Selldorf Architects, along with Barry Bergdoll, Meyer Schapiro Professor of Art History and Archaeology at Columbia University and former Philip Johnson Chief Curator of Architecture and Design at the Museum of Modern Art, and Richard Southwick, FAIA, Partner Emeritus at Beyer Blin- der Belle and executive archi- tect of the renovation. In addition to plans and other drawings of the refurbished buildings, the book includes a photographic essay by acclaimed photographer Hélène Binet. Commented Wardropper and Selldorf, “It is enormously rewarding to be able to step back and see how successfully the renovation adds space and 37 Art World Artists in Exile: Launch of a new art scholarship Artists in Exile e.V. Cologne-based association launches international studio scholarship for artists in exile Cologne 17th Febru- ary 2026 – A new scholarship pro- gramme for refugee artists living in Europe, Artists in Exile, is being launched in Cologne. Since 15 January 2026, the new art scholarship has been supporting two scholarship holders every three months, who have the opportunity to work in a studio in the centre of Cologne and present their works there. The scholarship offers artists a space for their artistic develop- ment. The first scholarship will be awarded on 1 March this year. In addition to a studio workspace with an adjoining exhibition space measuring around 100 square met- res, the scholarship also includes a monthly materials allowance of €1,000, a solo exhibition at the end of the three-month residency, and a joint final exhibition by both scholarship holders. The programme is complemented by accompanying press work and catalogues to ensure the long-term visibility of the artistic works. The scholarship is advertised and admi- nistered by the association Support Artists in Exile e.V. Interested parties can apply on an ongoing basis (see below). ‘Art needs freedom,’ says Dr. Stephan Zilkens, who worked for several decades in insurance con- sulting for works of art and decided to establish the scholarship in 2025. ‘Artists in Exile addresses precisely this issue and creates space for artistic work across political and geographical boundaries.’ Exiled artists who are currently residing in Europe and whose work has been restricted in their countries of origin due to political circumstances, and who are either currently enrolled in or have completed an artistic education, are eligible to apply. (AiE) The Frick Collection announced the release of A Design for Continuity and Change: The Frick Collection, a multifaceted, richly illustrated publi- cation documenting the institution’s 2021–25 renovation and enhance- ment—its first comprehensive upgrade since opening to the public in 1935. The book includes texts on the his- tory and context of this ambitious project, the selection of the award- winning New York–based firms Sell- dorf Architects and Beyer Blinder Belle, the goals of the renovation and how they were met, and the preservation issues and strategies involved. It sheds new light on Sell- dorf’s ingenious, pragmatic soluti- ons, which addressed complex infra- structural and operational challen- ges throughout the Frick’s buildings while remaining acutely sensitive to the unique history and character of the museum and library. A Design for Continuity and Change is authored by Ian Wardropper, the Frick’s Director Emeritus, and Annabelle Selldorf, FAIA, founding makes much-needed upgrades while retaining the intimacy and scale for which the Frick is known and loved. In conceiving the book, we wanted to do more than just provide context for the project with essays, drawings, and photo- graphs. We wanted to add a new dimension. “To complement the documentary elements of the book, Hélène Binet produced a remarkable photogra- phic essay of views taken just before the building opened to the public—that period when the contractors had left the museum and staff were preparing for the opening. It was a moment of liminal space, of suspended anticipation, that will never exist again. Her photographs beautifully capture the essence of the old and new, and the transitions in between, and how they have together created something more than we initially imagined.” (TFC) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

38

38 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] A First Look at TEFAF Maastricht 2026 This year’s theme, Beyond Economic Impact, examines the social, cultural, and health value of the arts and their growing relevance to public policy. About TEFAF TEFAF is a not-for-profit foundation that champions expertise, excellence, and diversity in the global art community. This is evidenced by the exhibitors selected for its two fairs, which occur annually in Maastricht and New York. TEFAF is an expert guide for private and institutional collectors, inspiring art lovers and buyers everywhere. About AXA XL AXA XL Insurance is the P&C (Property & Casualty) and specialty risk division of AXA, known for solving even the most complex risks. AXA XL offers traditional and innovative insurance solutions and services in over 200 countries and territories. As part of its specialty risk offering, AXA XL protects a range of objects, including fine art, antiquities, antiques, jewelry, watches, classic cars, raw and polished gemstones, and bullion, from thousands of years to weeks old. Over the past 50 years and well into the future, AXA XL, a leading global insurer of fine art and specie, has and will continue to redefine how it serves and services its collector, museum, corporate, gallery, conservator, and artist clients across Europe, the UK, the Americas, Asia and the Pacific region, with a sincere con- sideration for the way valuable objects are insured and cultural patrimony is protected. About TEFAF Maastricht TEFAF Maastricht is widely regarded as the world’s premier fair for fine art, antiques, and design, covering 7,000 years of art history, from ancient to contemporary. Featuring over 271 prestigious dealers from some 21 countries, TEFAF Maastricht is a showcase for the finest artworks currently on the market. Alongside the traditional areas of Old Master paintings, antiques, - and classical antiquities that cover approxi- mately half of the fair, visitors can also find modern and contemporary art, photo- graphy, jewelry, 20th-century design, and works on paper. (TEFAF) Art Fairs Date: March 14–19, 2026 The European Fine Art Foundation (TEFAF) today reveals a special preview of 43 works that will appear at TEFAF Maastricht, taking place from March 14–19, 2026, with an invitation only preview on March 12 and 13. This “First Look” highlights the extraordinary appeal of TEFAF Maastricht as a pre- mier destination for private collectors, museum curators, art market professionals, and passionate enthusiasts. As a cornerstone of the global art world, TEFAF Maastricht presents an unrivalled spectrum of quality and expertise across the ine and decorative arts. The fair is a celebration of 7,000 years of art history, set against the historic and picturesque city of Maastricht. This year, it brings together 276 dealers and galleries from 24 countries across five continents, offering an unparalleled experience for collectors and connoisseurs alike. The works included in this First Look have not yet undergone formal vetting at TEFAF New York, this will occur onsite at the fair. The organisation assumes no responsibility for inaccuracies, misrepresentations, or omissions in the information provided about these art objects. TEFAF Maastricht Programming TEFAF Maastricht presents a dynamic, thoughtfully curated programme of talks and events that connects visitors with leading voices from the global art community, fostering dialogue on today’s most compelling topics in art, antiques, and design among Image: The European Fine Art Foundation (TEFAF) specialists, collectors, curators, and cultural leaders. Collector Talks will spotlight the strategic thinking behind institutional collecting, offering insight into how museums and foundations identify, pursue, and secure exceptional works of art. Further discussions will explore cultural stewardship, from caring for collections and shaping exhibitions to engaging audiences and building collections for the public good. TEFAF Meet the Experts offers engaging conversations with leading exhibitors on culturally and histor- ically signiicant pieces. The third TEFAF Summit will take place on March 16, in partnership with the Netherlands Commission for UNESCO. [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

39

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Art Basel Unveils Leading Galleries and First Highlights for its Flagship Show in Basel 39 Art Fairs Public days: June 18 to June 21, 2026 Art Basel is pleased to unveil the 290 participating galleries – in-cluding 21 new joiners – and first highlights of its 2026 flagship show in Basel. This year’s edition wel- comes new gallery representation from Ivory Coast, Lebanon, Saudi Arabia, and Turkey, further broadening the show’s international scope. Bringing together galleries whose programs span historical, modern, postwar, contemporary, and emerging practices, Art Basel in Basel offers a moment-in-time view of the global art world, where different generations, geographies, and artistic languages converge within a single exhibition context. Maike Cruse, Director, Art Basel in Basel, said: ‘For one week, Basel becomes the central meeting point of the art world – where historic depth meets bold new production across the halls and throughout the city. From major new public commissions by Nairy Baghramian and Ibrahim Mahama to Ruba Katrib’s first edition as curator of Unlimited and the expansion of Premiere, this edition reflects both the enduring strength of the field and the exciting directions it is taking next, reinforcing Basel’s role as the global reference point for the art market. I am excited to welcome the global art com- munity back to Basel.’ Across all sectors, the 2026 edition brings art-historical depth into close proximity with recent production and emerging practice, reflecting the show’s singular capacity to present the art world in its full breadth at once. Beyond the exhibition halls, Art Basel’s flagship show will once again unfold across the city, extending into public space and leading cultural institutions, and anchoring a week of exhibitions and events throughout Basel and the wider region. As part of the inaugural class of Art Basel Awards Gold Awardees, Nairy Baghramian and Ibrahim Mahama will unveil two major new public works in Basel this June, marking the first time that commissions stemming from the Awards program will premiere in the city where their recognition first took shape. As the inaugural Gold Awardees in the Established Artist category, both Impressions from Art Basel 2025 artists were invited to conceive ambitious, site-responsive projects for Basel’s public realm. Baghramian’s new work will unfold on the Messeplatz, while Mahama will present a large-scale installation on the Münsterplatz, extending the show’s presence into the historic heart of the city and reinforcing Art Basel’s long-term commitment to supporting artists beyond the exhibition halls as a platform for new formats. Image: epm Parcours Parcours – Art Basel’s sector dedicated to site-specific install- ations, sculptures, performances, and public interventions — will be curated for the third consecutive year by Stefanie Hessler, Director of the Swiss Institute (SI), New York. The 2026 edition will coalesce around the notion of “conviviality” – the joy and challenges of living together – and unfolds across historic sites and public spaces along Clarastrasse, in close pro- ximity to the show, inviting deeper engagement between artworks and the urban environment. (MCH) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

40

40 Galleries Otto Piene: Harnessing Light and Structure Galerie Leu The exhibition brings together three groups of works from different phases in the oeuvre of Otto Piene: early Grid Paintings (Raster Pain-tings) from the late 1950s and 1960s, Fire Paintings from the 1970s, and ceramic works in which the grid reappears as a sculptural structure. The grid stands at the beginning of Otto Piene’s artistic language. In the late 1950s, as a founding member of the ZERO movement, Piene turned to the grid not as a rigid system but as a field of possibility. The early Grid Paintings transform repetition into vibration: light animates structure, and order becomes a carrier of energy. The grid is not merely compositional; it is a matrix through which im- material phenomena - light, move- ment, atmosphere - enter the image. In the works presented in the ex-hibition, this early structural prin- ciple re-emerges in a new material register. The ceramics revisit the logic of the grid, yet they translate it into relief, surface, and physical presence. What was once painted or punctured becomes shaped and fired. The kiln replaces the studio gesture; combustion becomes a collaborator. The grid is no longer only seen - it is touched, shadowed, and materially inscribed. In this transformation, structure acquires density without losing its openness. This return is not nostalgic. Rather, it reveals the continuity of Piene’s thinking: structure as a vessel for energy. The Fire Paintings of the 1970s extend this trajectory. Here, flame leaves its trace directly on the surface, marking the work with smoke and heat. The controlled order of the grid encounters the unpre-dictable movement of fire. Yet even in these works, the principle remains consistent: light and energy are not illustrated but enacted. (GL) Art Fairs Art Basel 2026 Impressions from Art Basel 2025 Galleries The show’s main sector will welcome 232 international galleries showing the depth of their pro-grams, bringing together museum-quality works span-ning historical master-pieces and ambitious new productions. Increasingly conceived as tightly curated presentations, many booths this year unfold under clearly articulated themes - from examin- ations of metamorphosis and material transformation to reflec-tions on memory, abstraction, and spatial perception – offering visitors a series of exhibition-scale experiences that resonate across the halls. Premiere Expanded from 10 to 17 presentations, the Premiere sector underscores Art Basel in Basel’s role as a platform where ambitious recent production is tested, contextualized, and elevated within a broader his-torical and institutional framework. Conceived for works created within the past five years, the sector brings together museumscale installations, sculptural environments, film and sound works, and materially experimental practices, [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Galleries Present Curated Visions and Bold New Works Image: epm with three galleries joining for the first time – Ehrhardt Flórez, Magenta Plains, and Öktem Aykut. Image: epm Feature Feature brings 16 art-historical positions into proximity with the wider program of Art Basel in Basel, allowing historic works and curated presen- tations from across the twentieth century to be encountered as part of the show’s present-tense landscape. Five galleries will join the show for the first time: Galerie Cécile Fakhoury, Galería Guillermo de Osma, Galerie Kaléidoscope, ML Fine Art, and Kotaro Nukaga. Spanning early modernism through the postwar period, the pro- jects demonstrate how foundational practices continue to shape contem- porary artistic thinking, including. Edition Spread across both floors of Hall 2, Editions will feature seven leading galleries in the field of prints and editioned works. They are: Cristea Roberts Gallery, Gemini G.E.L. – returning to the sector after a hiatus – knust kunz gallery editions, Carolina Nitsch, René Schmitt, Susan Sheehan Gallery, and STPI. (MCH)

41

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Ouise Nevelson. Mrs. N’s Palace ] Art for your Office Museums Centre Pompidou-Metz Fifty years after her last exhibition Nevelson transformed twentieth- in France (1974) and thirty years century sculpture into a total after her death, the Centre Pompi- and immersive experience. dou-Metz presents Louise Nevelson. Sometimes linked to Cubism, Mrs. N’s Palace, the first retrospec- Constructivism, or the Dadaist and tive of this magnitude in Europe de- Surrealist practices of collage, her voted to the artist Louise Nevelson work extends far beyond these (Kiev, 1899 – New York, 1988). This affiliations. If Jean Arp referred to exhibition celebrates an artist whose Schwitters as his “imaginary grand- legacy continues to resonate within father,” Nevelson’s own artistic the contemporary art scene as world encompasses a history of the well as the world of fashion. arts where dance and performance Embellish the working hours in your office with original oil paintings directly from the estate of the artist Siegbert Hahn. Your customers will feel comfortable in the stylish ambience and marvel at your taste in art. Leave a good impression! Your professional environment is characterised by professionalism and performance. In your office you embody competence and reliability to- wards your customers. Impress in the working life alongside your professional skills with a styl- ish furnishing of your office space. The best way to decorate a large empty wall is with an impressive oil painting in XL format. Estate Siegbert Hahn GbR www.natura-mystica.eu – central to this exhibition – play a decisive role. This dimension took shape in exhibitions conceived as true “atmospheres” or “environments”, radically expanding the field of sculpture, echoing Allan Kaprow’s theories on happenings and Rosalind Krauss’s notion of the “expanded field”. (CPM) e m a r f t u o h t i w , ) B x H ( 0 0 1 x 0 8 , ) 4 8 9 1 ( “ h t u o m m o s s o b e h T „ l 41 Advertisement [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

42

42 Auctions Radical Genius - Works on Paper Christie‘s PIET MONDRIAN (1872-1944) study for Broadway Boogie Woogie, charcoal and stump on paper, 23.2 x 23.2 cm, 1942, Estimate: 3 000 000-5 000 000 € Image: Christie's The sale of this tightly curated selection of landmark works span- ning the history of drawing will take place in Paris on April 15 at 4:00 p.m., just days after the close of the Salon du dessin and the art fair Drawing Now - events that firmly establish Paris as the epicenter of the global market for works on pa- per. This exceptional sale also fol- lows in the long and rich tradition of drawing auctions held by Christie's in Paris since 2000, which have reg- ularly achieved record prices, most recently for works on paper by Henri de Toulouse-Lautrec and Francesco Primaticcio in Spring 2025. Featuring major works by Paul Cézanne (€3.5–5.5M), Piet Mon- drian (€3–5M), Pablo Picasso (€1.2– 1.8M), Alfred Kubin, Paul Klee, Wil- liam Turner and Alberto Giacometti, as well as John Singer Sargent, Rembrandt and Lorenzo Lippi, the collection highlights central role of drawing for key artists throughout the history of art. The exceptional quality of the works alone justifies Christie's international preview tour. Following its presentation in New York in February, they will be ex- hibited in London and Paris during the Spring Marquee Week 20/21. This auction is unquestionably one of the major highlights of the Chris- tie's Paris 2026 sale week, following the London Marquee Week. (Chr) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] A Celebration of Diversity and New Perspectives Art World Gallery Weekend Berlin 2026 Petrit Halilaj, Charred and Graffitied steel shipping containers housing 'Syrigana' props, Syrigana, 2025 Image: Esad Duraki, Courtesy ChertLüdde, Berlin and Petrit Halilaj In less than three months, the time has come again: We are excited to present the 22nd edition of Gallery Weekend Berlin, celebrating the vivid and eclectic gallery scene of the city. From Friday, May 1, to Sunday, May 3, 57 galleries across Berlin will open their exhibitions simultaneously. In 2026, Perspectives launches as a new format, inviting a rotating selec- tion of galleries each year to present outstanding exhibition projects and distinctive artistic positions. All participating galleries and artists are listed below. A diverse selection of outstanding exhibitions captures the energy and uniqueness of Berlin’s art world, bringing together internationally acclaimed artists, new discoveries, and historically significant work. Among the participating artists are Petrit Halilaj (ChertLüdde), Daniel Bu- ren (Konrad Fischer Galerie), Tauba Auerbach (Esther Schipper,) Thomas Demand (Sprüth Magers), Yuji Age- matsu (Galerie Buchholz), and Rod- ney McMillian (Capitain Petzel). Alongside these established figures, a strong selection of emerging art- ists will be presented, including Brook Hsu (Kraupa-Tuskany Zeid- ler), Wynnie Mynerva (Société), Vivien Zhang (Galerie Max Hetzler), Travis MacDonald (Contemporary Fine Arts), and Brett Charles Seiler (Galerie EIGEN + ART). Interdisci- plinary artists Stella Zhong (Tra- utwein Herleth) and Adam Gordon (Galerie Isabella Bortolozzi) will be exhibiting in Germany for the first time. Younger galleries continue to bring exciting energy to this year’s edi- tion, with exhibitions by Lukas Quietzsch (Schiefe Zähne), Hanna Stiegeler (Sweetwater), Josefine Reisch and Miriam Umiń (Galerie Noah Klink), and Ketuta Alexi- Meskhishvili (Galerie Molitor). The new sector Perspectives pre- sents a curated, rotating selection of galleries each year, offering new perspectives on the diversity of Berlin’s gallery landscape. (GWB) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

43

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Sotheby’s Achieves $7.1 Billion in 2025 Sales Amid Record Global Demand Auctions ] Sotheby's today announced full year 2025 results, reporting consolidated sales of $7.1 billion, an 18% in- crease versus 2024. The company achieved revenue of $1.4 billion, a 21% increase versus 2024. “In the second half of 2025, early market momentum accelerated into broad-based strength across catego- ries and regions. It was a record second half for Sotheby’s, marked by the highest bidder demand we have ever experienced,” said Charles F. Stewart, Chief Executive Officer, Sotheby’s. “Beyond the en- couraging market backdrop, we opened our stunning New York gal- leries at the Breuer, adding to our recent openings in Paris, Hong Kong and Zurich. We also deepened our commitment to the Middle East, in- cluding hosting inaugural auctions in Abu Dhabi and Saudi Arabia, and grew new areas of our business in- cluding Sotheby’s Media. These achievements reflect the extraordi- nary talent and dedication of our global team, whose expertise contin- ues to deliver exceptional results for our clients. Encouragingly, we are seeing signs that these positive trends continue in early 2026.” The company also reported im- proved profitability, with Adjusted EBITDA of $363 million. This reflects a 26% increase over the prior year and marks the company’s second highest Adjusted EBITDA in So- theby’s history. These results reflect a strengthening market environment and the company’s ongoing focus on client experience, audience growth and engagement, and specialist expertise. The company reduced net debt to $818 million, excluding real estate and Sotheby’s Financial Services, down 27% from the prior year. “We enter 2026 in a strong capital position with our lowest debt level in six years and ample liquidity,” said David Kownator, Chief Financial Of- ficer, Sotheby’s. “The $1 billion eq- uity investment we received in 2024 was an affirmation of the strength of our business. Since that time we have made significant progress to further reduce debt and strengthen our balance sheet. In particular, we have amended and extended our existing Revolving Credit Facility and sold our property at 1334 York Avenue, significantly reducing our overall interest expense.” As outlined in the company’s De- cember 2025 release, Sotheby’s generated all time high bidding lev- els throughout the year and saw de- mand from new and younger bid- ders, with 35% of bidders being first-time participants at a Sotheby's auction. The increased momentum during the year drove Sotheby’s best second half in company history for consolidated sales and revenue. The company built an increasingly robust pipeline throughout the year and continuing into 2026, with more high-quality works coming to mar- ket, reinforcing confidence in contin- ued market strength. Sotheby’s sold the most valuable collections of the year in each region, as well as the most valuable fine art collection globally for the sixth time in seven years. Sotheby’s Financial Services deliv- ered a record year, reaching a port- folio balance in excess of $1.8 bil- lion. At the end of 2025, Sotheby’s Financial concluded its highly suc- cessful, five-year partnership with Alexander Klabin and Ancient. Dur- ing this partnership, the company grew its portfolio by more than $1 billion, expanded its product suite to include collectible car loans, pio- neered securitizing art loans and tripled the profitability of the business. (Sot) 43 Museums RIVALING REALITY – 60 Years of Photorealism Museum Frieder Burda We are delighted to share that we participated and made available works to the Museum Frieder Burda for their upcoming show. This exhibition ex- plores the evolution of Photorealism and Hyperrealism through to the pre- sent day bringing together well over 90 carefully selected masterpieces. Alexandra Klimas, 'Rudi the Unseen Bull', Oil on canvas, 130 x 100 cm Image: Plus On Gallery Hyperrealism has become more val- ued in recent decades having evolved from Photorealism into one of the most respected contemporary art movements today. Included in the show are some of Plus One Gallery artists Alexandra Averbach, Pedro Campos, Andres Castellanos, Francois Chartier, Ralph Goings, Ben Johnson, Alexandra Klimas, John Salt and Craig Wylie. (POG) Advertisement www.saatchiart.com [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

44

44 Auctions 4 Masterpieces from the Lewis Collection Sotheby‘s From left to right: Francis Bacon, Self-Portrait, 1972; Lucian Freud, A Young Painter, 1957-58 Image: Sotheby‘s A storied Francis Bacon self-portrait— painted in 1972 in the shadow of de- vastating personal loss - leads an ext- raordinary quartet of paintings from The Lewis Collection, set to headline Sotheby’s Modern & Contemporary sales in London. Two career-defining portraits by Lucian Freud, and Leon Kossoff’s Children’s Swimming Pool - widely considered the artist’s masterpiece - complete the group. Together, these paintings capture the School of London at its height and the zenith of each artist’s career - raw, psychologically charged, and profoundly human. Assembled over decades by Joe Lewis and his daugh- ter Vivienne, among the movement’s greatest champions, each of these museum-quality works holds a central place in the story of postwar painting. These artists’ unflinching focus on the human figure laid the foundations for figurative painting today, influencing a generation of artists worldwide - from Jenny Saville and Tracey Emin, to Cecily Brown and Hurvin Anderson. In 1948, the Museum of Modern Art first introduced Bacon to American audiences, praising the artist’s “savage and obsessive intensity”; and it was a New Yorker—the dealer Wil- liam Acquavella—whom Lucian Freud credited with transforming the trajec- tory of his career. For Kossoff, the exhibition offers New Yorkers the first opportunity to see what is widely considered his finest achievement. The group will return to London for a public exhibition beginning 26 Febru- ary, ahead of its presentation in the Modern & Contemporary Evening Auction on 4 March. (Sot) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Pedagogies of War Museums Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, From 3 March to 21 June 2026 Open World (2025), de Roman Khimei & Yarema Malashchuk. Image: Courtesy of the artists The Museo Nacional Thyssen- Bornemisza and the TBA21 Art Contemporary present Pedagogies of War, the first solo exhibition in Spain by Roman Khimei and Yarema Malashchuk, leading figures of the new generation of Ukrainian visual artists. Curated by Chus Martínez the exhibition features four audiovi- sual installations created since the beginning of Russia's large-scale in- vasion of Ukraine. The pieces ana- lyze how, in a context where war is omnipresent and increasingly mediated by screens, algorithmic systems, and remote technologies, systemic violence infiltrates every- day experience. This violence recon- figures perception, behavior, and collective life, operating even before it can be named or understood. The project is part of the long-term commitment of the museum and the TBA21 Foundation to artists in conflict situations and is supported by Fundación Ecolec. The artists reject the idea of war as a singular historical event and break with the constant visual imagery presented by the media: conflict as spectacle. The exhibition conceives war as a training system that silently shapes bodies, reorganizes attention, and alters the very expe- rience of everyday reality. In the words of Chus Martínez: "The exhibition can be read through the paradox formulated by Bertolt Brecht, who distinguished between Erlebnis - the immediate and im- mersive lived experience - and Erfahrung, the experience that is processed, reflected upon, and transformed into knowledge. For Brecht, art does not directly convey lived experience; it converts it into a form of understanding. What kind of knowledge, then, can art about war produce? One possible answer, explored throughout this exhibition, is that war radically transforms everything, while other aspects remain disturbingly familiar." The artistic practice of Roman Khimei and Yarema Malashchuk unfolds at the intersection of cinema, performance, and social observation. Their methodology goes beyond documentary re- cording, turning to the creation of fictional situations to reflect on how violence itself is staged and internalized in contexts of war. (TBMN) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

45

] 45 Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Frieze Los Angeles 2026 Returns to Santa Monica Airport Art Fairs Santa Monica Airport, Date: February 26th to March 1st, 2026 For its 2026 edition, Art Basel Hong Kong returns with an ex- panded program that brings together new sector developments, fresh perspectives, and citywide collaborations, reinforcing the fair’s role as the leading plat- form for artistic ex- change in Asia and be- yond. The fair will fea- ture 240 galleries from 41 countries and terri- tories, with more than half operating spaces across the Asia Pacific. Art Basel Hong Kong, whose Global Lead Partner is UBS, will take place at the Hong Kong Convention and Exhibition Centre (HKCEC) from March 27–29, 2026, with Preview Days on March 25 and 26, and programs unfolding across multiple sites in the city. Art Basel Hong Kong continues to connect artistic practices from the region with international audiences, strengthening Hong Kong’s position as a vital global art hub. Art Basel Hong Kong will also mark the Asia debut of Zero 10, Art Basel’s global initiative dedicated to art of the digital era, following its debut at Art Basel Miami Beach in De- cember 2025. Zero 10 provides a dedicated platform on the show floor for exhibiting and collect- ing digital practices, extending the brand’s long-standing commitment to artistic innovation. In addition to this, the Kabinett sector will feature 35 focused thematic presentations within galleries’ booths, with an em- phasis on historical and contemporary practices from the Asia Pacific. (MCH) Encounters, the sector dedicated to large-scale sculpture, installation, and performance, will enter a new chapter under the leadership of an international curatorial team headed by Mami Kataoka, alongside Isabella Tam, Alia Swastika, and Hirokazu Tokuyama. Extending beyond the exhibition halls, the sector will also include an offsite Encounters presentation at Pacific Place, where a site- specific digital anima- tion installation by Christine Sun Kim will be presented, supported by Swire Properties, the Official Partner of offsite Encounters. Ayoung Kim, Al-Mather Plot 1991 (still), 2025, 28'30", The Korea Arts Management Service (KAMS) & ArtReview Image: MCH Group, Art Basel Advertisement Oil Paintings from the Artist's Estate! The blossom egg (1988), Format: 80 x 100 (height x width), without frame Estate Siegbert Hahn GbR www.natura-mystica.eu [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

46

46 Galleries David Hockney: A Year in Normandie and Some Other Thoughts about Painting Serpentine Galleries David Hockney, Abstraction Resting on a Red and White Checkered Tablecloth , 2025, A crylic on canvas © David Hockney Image: Prudence Cuming Serpentine is honoured to present an exhibition of new and recent works by David Hockney at Serpentine North from 12 March to 23 August 2026. The exhibition will showcase a series of new paintings for Serpentine alongside the artist’s monumental frieze A Year in Nor- mandie (2020-2021), on view in London for the first time. Admission will be free to the exhibition which marks the artist’s first presentation at Serpentine. The exhibition unveils a new body of work by the celebrated British artist, comprising five still lifes alongside five portraits that depict members of the artist’s close circle, including his family and carers. These paintings are united by their frontal composition and by the recurring motif of a gingham tablecloth that provides the setting for each composition. In these new works Hockney combines abstract and figurative modes of representa- tion. For the artist, all figurative painting is inherently abstract, so long as it exists upon a flat surface. Accompanying the exhibition, Serpentine will present a large-scale printed mural by David Hockney in the garden at Serpentine North. (SG) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Galleries Date: from 18th March - 21st April 2026 TOM BETTS - SHIMMERING LIGHT Tom Betts, 'Resilient Tea' oil on panel, 41 x 51 cm Image: Plus One Gallery In his latest series, Tom Betts revisits the still lifes of his cele- brated Tea and Seamotifs with a new sense of wonder. These hand-painted oils on panel capture the precise shimmering intersections of sunlight and water, submerging porcelain vessels into active and rippling environments. By shifting perspectives to embrace the "splash," Betts introduces a new sense of movement to his me- ticulous work, inviting the viewer to find something extraordinary in the interplay of light and water. In these paintings, the stillness of his traditional subjects meets the kinetic energy of sparkling sun-drenched water. Through subtly shifted perspectives and a mastery of the "shimmer”, Betts uses the vessel and the sea as metaphors for the ephemeral. These paintings document a timely nod to his origins while elevating the dialogue between traditional figuration and the atmospheric qualities of the natural world. Tom Betts, 'Baobab Lights and Cup' oil on panel, 30.5 x 30.5 cm Image: Plus One Gallery His latest solo show at Plus One Gallery, ‘Shimmering Light’, features new paintings from his latest series as well as some paintings from his cups and lights series. (POG) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

47

Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ ] Ruth Asawa: Retrospective Museums Guggenheim Bilbao Museo The Guggenheim Museum Bilbao proudly presents Ruth Asawa: Retro- spective , an ambitious exhibition devoted to an iconic artist, Ruth Aiko Asawa (born Norwalk, California, 1926; died San Francisco, California, 2013) in the year that would have been her 100th birthday. Asawa was one of the most uniquely gifted and productive artists to emerge in the postwar era in the United States. While the appreciation of her work has grown exponentially in the last decade, this international retrospective is the first major museum exhibition to fully consider every aspect of the artist’s exquisite, varied, and groundbreaking practice. of Modern Art; © 2026 Ruth Asawa Lanier, Inc., Image: Laurence Cuneo courtesy David Zwirner Ruth Asawa, Untitled (S.046a-d, Hanging Group of Four, Two- Lobed Forms), 1961, Copper and brass wire, (a): 152.4 × 43.2 × 17.8 cm; (b): 53.3 × 30.5 × 30.5 cm; (c): 81.3 × 33 × 33 cm; (d): 104.1 × 40.6 × 40.6 cm. Collection of Diana Nelson and John Atwater, promised gift to the San Francisco Museum Unfolding across ten sections that span the arc of a six - decade - long career, this ex- hibition traces the full breadth and depth of the innovative practice of Ruth Asawa, who integrated her creative work with all aspects of her life as an artist, educator and arts advocate. This inter- connectedness is illumi- nated in photographs and ephemera presented alongside and in response to the works featured in this exhibition, from the suspended looped -wire sculptures for which she is best known to nature - inspired tied - wire pieces, clay and bronze casts, paper- folds, paintings, dra- wings, sketchbooks, and prints. Challenging distinctions between abstraction and representation, figure and ground, and negativeand positi- vespace, her work in- vites us to contemplate how disparate elements interact in a composition, which in turn engages with its surroundings. Asawa was the fourth of seven children of Japanese immigrant farmers. During World War II, she and her family were forcibly incarcerated by the United States government because of their Japa- nese ancestry. In 1946, after being denied an art tea-ching degree be- cause of anti -Japanese prejudice, she enrolled at the progressive Black Mountain College in North Carolina. In the school’s democratic environment, she forged a creative path grounded in experimentation and an ethos of hard work. (GHB) 47 Art World Louvre Thanks Patrons for Vital Support The Department of Byzantine and Eastern Christian Art, scheduled to open in 2028, will present the public with a new narrative that helps connect the worlds of Islamic art and Roman antiquities. Visitors will be in- vited to admire, better identify and understand masterpieces of Byzan- tine art, from the origins of the Christian image to the early 20th century. Located in the Denon wing, the Byzantine trail will span 2,200 square metres of fully refurbished architectural spaces, also benefiting from upgraded technical installati- ons. It will feature an ambitious ex- hibition design entrusted to WHY- BGC, a French-American consortium led by architect Kulapat Yantrasast. To endow this project with the scope it deserves, the Musée du Louvre has rallied a community of commit- ted patrons. To date, their contribu- tions total 42 million euros. The campaign is ongoing, and other patrons are invited to participate. The Musée du Louvre would like to extend its sincere thanks to all of the patrons who have provided generous support for the project: Mutuelles d'assurances AXA, The CMA CGM Group, The A. G. Leventis Founda- tion, The Giorgi Family Foundation, Château Margaux, Chalhoub Group, Mr. Philippe Jabre, The Rutherfoord Foundation, Mrs. Genie Adrianopou- los, and all of the patrons who wish to remain anonymous. (MdL) Advertisement [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

48

48 # Museums The Gallery of Five Continents Opens its Doors Musée du Louvre Together, the Musée du Louvre and the Musée du quai Branly - Jacques Chirac open the Gallery of Five Conti- nents, a newly remodelled exhibition space in the Louvre dedicated to ex- ploring the confluence of arts and civilisations from around the world. The fruit of a collaboration between two major French institutions, the Gal- lery of Five Continents presents a no- vel dialogue encompassing works from Africa, the Americas, Asia, Europe and Oceania. Twenty-five years after the inauguration of the Pavillon des Sessi- ons (2000–2024) made a statement of cultural equity, the Gallery of Five Continents offers an unbounded ap- proach to the global history of art by showcasing artworks from a variety of continents and time periods. Bringing together 130 major pieces of our global cultural heritage from the collections of the Louvre, the Musée du quai Branly - Jacques Chirac, and other cultural institutions, this new presentation draws connections between artworks, objects, artefacts, artistic forms, and symbols which span geographies and cultures, inter- weaving manifold narratives of art and human creativity. The Gallery also del- ves into the provenance of the objects on display, with a visitor trail dedica- ted to the history of the collections. The clarity of the original design by the architect Jean-Michel Wilmotte enables this new, open and universal interpretation of the pieces. Located in the Denon wing of the Louvre, close to the Porte des Lions, which has also undergone remo- delling, the Gallery of Five Continents marks a new step towards the reali- sation of the space's intended pur- pose, as established in 2000 at the initiative of President Jacques Chirac. The creation of the Pavillon des Sessi- ons allowed art from African, Asian, Oceanic and American civilisations entrance into France's largest cultural institution, definitively integrating masterpieces from non-Western cultures into the overarching nar- rative of art history. (MdL) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Tracey Emin Takes Over London Galleries Tate 12,2 Tracey Emin: A Second Life billboard, Shoreditch February 2026. Image: courtesy Tate and Jack Arts (part of BUILDHOLLYWOOD). For two weeks, Tracey Emin’s iconic neon works are taking over buildings and billboards across London to celebrate the opening of her largest exhibition to date, A Second Life at Tate Modern. This free, pop-up campaign showcases neon texts the artist has been making since the 1990s, bringing her poetic declarati- ons such as I Whisper to My Past do I Have Another Choice and I can Feel You Everywhere to life across the city. Londoners will encounter these poignant messages in Emin’s distinc- tive handwriting in 22 locations across 11 boroughs; from Lambeth and Croydon to Walthamstow and Tower Hamlets, until 9 March. Deeply intertwined with her spiritua- lity and emotional responses, Emin’s neon works with their pulsating energy are both a powerful tool of self-expression and a way to connect with others. Over the past decade, her neon texts have been installed in public spaces internationally, brin- ging strangers together through phrases such as “I promise to love you” in Times Square in 2013 and “I want my time with you”, at London’s St. Pancras station since 2018. This latest project gives Londoners a glimpse into Emin’s raw and intimate approach ahead of her landmark Tate Modern exhibition, opening 27 February. Dotted across the capital, the artist’s first-person expressions give audiences a chance to identify with the artist’s inner world and confront their own. The display has been made possible thanks to a collaboration with crea- tive street advertising agency Jack Arts (part of BUILDHOLLYWOOD). Justine Simons OBE, Deputy Mayor for Culture and the Creative Indust- ries, said: “Tracey Emin is one of the most significant contemporary artists of her generation. Ahead of her much-anticipated new exhibition at Tate Modern it is won- derful that her work will be showca- sed across the capital. By transfor- ming our city into an art gallery, all Londoners will have the chance to see these striking neon works for free, as we build a better London for everyone.” (TG) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

49

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Fabrice Hyber vereint Kunst, Ökologie, Forschung und Humor Museen Kunstmuseum Thun Zum ersten Mal in der Schweiz präsentieren die Kunstmuseen Thun und Thurgau in einer Kooperation das umfangreiche Schaffen des französi- schen Künstlers Fabrice Hyber. Die Ausstellungen und deren Rah- men-programm sind gute Beispiele dafür, wie Kunst und komplexe The- men im wahrsten Sinne des Wortes greifbar gemacht werden können. Eigensinnig, widerspenstig, rätselhaft – Fabrice Hyber würde vermutlich allen diesen Beschreibungen seiner Kunst zustimmen. Mit einem ver- schmitzten Grinsen im Gesicht, denn genau das ist es, was der französi- sche Künstler beabsichtigt: „Fabrice Hyber will uns nicht mit ‘fertiger’ Kunst beeindrucken, die wir nur aus der Ferne bewundern dürfen“, so He- len Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun und Kuratorin der Ausstellung Fabrice Hyber. L’Artiste Agriculteur. Im Gegenteil: „Er lädt uns in seine Ideen-Werkstatt ein“. Der studierte Mathematiker und Physiker, der erst später zu einem der anerkanntesten französischen Künstler:innen wurde, malt Bäume, Wurzeln, Wasserläufe und er zeigt die Natur als etwas nicht Statisches, sondern als ein riesiges, lebendiges Netzwerk. „Hybers Kunst ist wie ein Waldspaziergang mit einem guten Freund, der ständig neue, spannende Entdeckungen am Wegrand macht“, so Hirsch weiter. Die Ausstellung im Kunstmuseum Thun legt den Schwerpunkt auf Fabrice Hyber als Gestalter und Landwirt. Sie thematisiert seine tiefe Verbindung zur Natur, indem sie un- ter anderem auf sein Renaturierungs- projekt La Vallée verweist, wo er seit den 1990er Jahren auf dem Land sei- ner Eltern einen Urwald mit 300 000 Bäumen kultiviert hat. Und es geht um das Säen, Wachsen und die land- wirtschaftliche Identität, die seine Malerei speist. „Seine Kunst ist ein Geschenk an alle, die an eine frucht- bare Verbindung zwischen Menschen und Natur glauben“, sagt Helen Hirsch. Ausserdem zeige sie, dass ein Museum heute ein Labor sein kann, in dem Kunst, Ökologie und Forschung zusammenfliessen. (KMT) Fabrice Hyberalerie des cinq continents, 2025 Bild: Kunstmuseum Thun 49 Museen Erfolgreichste Ausstellung des Sprengel Museum „Niki. Kusama. Murakami. Love You for Infinity“ Mit 220.363 Besucher:innen und einer außergewöhnlich hohen Reso- nanz zählt die Ausstellung „Niki. Kusama. Murakami. Love You for Infinity“ zu den größten Erfolgen in der Geschichte des Sprengel Mu- seum Hannover. Nach „Marc, Macke, Delaunay“ (2009) ist sie die besu- cherstärkste Ausstellung des Hauses und markiert einen Meilenstein für das Museum ebenso wie für die Kul- tur-landschaft der Landeshauptstadt. In einer gemeinsamen Bilanz-Presse- konferenz im Sprengel Museum Hannover zogen heute Belit Onay, Oberbürgermeister der Landeshaupt- stadt Hannover, Aurélie Alemany, Vorstandsvorsitzende der enercity AG, sowie Reinhard Spieler, Direktor des Sprengel Museum Hannover, und sein Stellvertreter und Kurator Stefan Gronert, Bilanz. „Love You for Infinity hat Hannover als Kultur- stadt national und international sichtbar gemacht. Die Ausstellung zeigt, wie stark diese Stadt ist, wenn Kulturinstitutionen, Unternehmen und Politik gemeinsam Verant- wortung übernehmen.“ Oberbürgermeister Belit Onay Die Ausstellung, die erstmals Werke von Niki de Saint Phalle, Yayoi Kusama und Takashi Murakami in einer großen Schau zusammenführte, erzeugte weit über Hannover hinaus Aufmerksamkeit. Rund 30% der Besucher:innen waren erstmals im Sprengel Museum Hannover, zahlrei- che Gäste reisten aus dem gesamten Bundesgebiet und dem Ausland an. Die Besucherbefragung (markt.for- schung.kultur) weist eine Zufrieden- heitsquote von 97% aus. (SMH) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

50

[ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Drei Positionen Galerien Drei Wege zur zeitgenössischen Bildsprache: Jürgen Rinck, Christine Tophoven und Friedhard Meyer Jürgen Rinck, Objekt Fahrzeug, Ottmarsheim Bild: galerie m beck Kräftige Farben und dynamische Kompositionen visualisieren innere Wandlungsprozesse – Malerei wird zum Resonanzraum für Kraft, Wachstum und Lebensbejahung. Mit seiner Technik des „New Pointi- llism“ verfolgt Friedhard Meyer ei- nen konsequent prozessualen An- satz. Tausende von einzeln umran- deten Acrylfarbpunkten verdichten sich in streng rhythmischer Arbeit zu leuchtenden Bildflächen. Der verlangsamte, konzentrierte Ar- beitsprozess macht Zeit selbst zum Bestandteil des Werkes. Meyers Malerei ist von analytischem Den- ken und der Entwicklung eigener Verfahren geprägt, zugleich jedoch offen für Dialog und Wahrnehmung. Seine Bilder verstehen sich als Orte 50 Museen Julian Charrière Midnight Zone Kunstmuseum Wolfsburg Inmitten der pazifischen Tiefsee strahlt gleißendes Licht durch eine rotierende Fresnellinse, gigantische submarine Gletscher türmen sich über den Betrachtenden auf und Taucher:innen schweben scheinbar schwerelos in den mexikanischen Cenoten. Die Ausstellung Midnight Zone des französisch-schweizeri- schen Künstlers Julian Charrière (*1987) präsentiert in der großen Halle des Kunstmuseum Wolfsburg eine faszinierende Auseinanderset- zung mit der geheimnisvollen Welt des Wassers. Die multimedialen Werke von Julian Charrière verbinden Kunst, Umwelt und Wissenschaft. Im Zentrum der Ausstellung steht das bedeutendste Element irdischen Lebens: Wasser. Es ist Grundlage der Biosphäre un- seres Planeten, Lebensraum unzäh- liger Organismen und zugleich hart umkämpfte Ressource. Daher be- leuchtet die Schau neben den sin- nlichen und metaphorischen Ebe- nen, die mit dem Element Wasser einhergehen, auch eine Vielzahl po- litischer Bezüge, wie etwa die welt- weite Wasserverschmutzung und Versauerung der Ozeane, das durch die menschengemachte Klimakata- strophe bedingte Abschmelzen von Gletschern und Polkappen oder die Bedrohung der Meeresgründe durch Tiefseebergbau. Die „Midnight Zone“ – womit in der Wissenschaft der absolut lichtfreie Bereich von Meeren in einer Tiefe zwischen 1.000 m. und 4.000 m. bezeichnet wird – steht im Fokus von Charrières aktuellem Kunst- schaffen. So zeigt das titelgebende Video der Schau Lichtstrahlen, welche von einer sich drehenden Fresnellinse – die ursprünglich für Leuchttürme entwickelt wurde – in die nachtschwarze Tiefe des Pazifischen Ozeans geleitet werden. Anlässlich der Schau ist in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler eine wissenschaftlich fundierte und reich bebilderte Publikation ent- standen. (KMW) Die Ausstellung vereint drei künstleri- sche Positionen, die auf sehr unter- schiedliche Weise Fragen nach Wahr- nehmung, Prozess und innerer Be- wegung stellen. Gemeinsam ist ihnen die intensive Auseinandersetzung mit Zeit – sei es als Reise, als biografi- sche Erfahrung oder als bewusst ver- langsamt gestalteter Arbeitsprozess. Jürgen Rinck, Künstler, Blogger und Radreisender, versteht das Unter- wegssein als künstlerische Me- thode. Mit Smartphone, Notizbuch und GPS sammelt er visuelle Frag- mente von Straßen, Randerschei- nungen und scheinbar Nebensäch- lichem. Aus diesem Material ent- stehen seine seriellen „Appspressi- onismen“ – digitale Bildarbeiten, die Fotografie, Collage und konzep- tuelles Denken verbinden. Rincks Kunst bewegt sich zwischen analo- ger Erfahrung und digitaler Trans- formation und begreift Reise als ästhetische Verdichtung von Raum und Zeit. Christine Tophoven setzt in ihrer Malerei auf emotionale Intensität und expressive Farbigkeit. Als ausgebil- dete Kommunikationsdesignerin ver- bindet sie gestalterische Präzision mit persönlicher Ausdruckskraft. Ihre Werke sind geprägt von Mut, Verletz- lichkeit und der bewussten Entschei- dung für Hoffnung und Bewegung. der Sammlung und Kontemplation in einer beschleunigten Gegenwart. Gemeinsam eröffnen die drei Positio- nen ein Spannungsfeld zwischen Be- wegung und Verlangsamung, digitaler Transformation und analoger Materia- lität, innerer Erfahrung und äußerer Welt. Die Ausstellung lädt dazu ein, Kunst als Prozess zu begreifen – als Reise, als Ausdruck und als Raum bewusster Wahrnehmung. Friedhard Meyer, Golden Palace, New Pointillism, 100 x 140 cm, 2025 Bild: galerie m beck Die Ausstellung „raum.klang.rhyth- mus“ mit Skulpturen von Christian H. Friederichs wird verlängert. Am 26.03.26 findet im Rahmen der Ausstellung ein Liederabend statt, der den künstlerischen Dialog zwischen Skulptur und Musik unmittelbar erleb- bar macht. (gmb) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

51

51 Rebecca Horn, Der Calvarien- die den menschlichen Körper erweitern und die Horn in Perfor- mances präsentierte. Die Thematik von Fragi- lität, Verletzlichkeit und die räumliche Begren- zung menschlicher Exis- tenz ist zum zentralen Gegenstand in Rebecca Horns Werk geworden. Fragen nach physischen und metaphysischen Bedingungen des Menschseins, nach Sehnsucht und Be- gierde übersetzte sie Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ ] Rebecca Horn Emotion in Motion Ausstellungen Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal, 14.03. bis 30.08.26 Mit „Rebecca Horn. Emotion in Mo- tion“ präsentiert der Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal ab 14.03.26 eine umfassende Einzelausstellung der 2024 verstorbenen Künstlerin Rebecca Horn (1944–2024). Die retrospektiv angelegte Schau vereint großformatige Installationen und kinetische Kunstwerke aus vier Jahrzehnten und zeigt in allen Aus- stellungshallen sowie in der Villa Waldfrieden das vielseitige, medien- übergreifende Schaffen einer der bedeutendsten deutschen Künstler- innen des 20. Jahrhunderts. Entstanden ist die Ausstellung in enger Zusammenarbeit mit der von Rebecca Horn 2007 in Bad König gegründeten Moontower Foundation, die seit dem Tod der Künstlerin ihren künstlerischen Nachlass verwaltet und betreut. Ihr Stiftungsziel ist, Künstler:innen zu fördern und das Werk Rebecca Horns lebendig zu halten sowie einer breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Rebecca Horn wurde 1944 in Michelstadt im Odenwald geboren. Die Arbeit an ihren ersten Körperskulptu- ren, die sie während ihres Studiums an der Hochschule für bildende Künste Hamburg in den 1960er-Jahren als Kunststoffabformungen umsetzte, führten auf- grund der im Verarbeitungsprozess entstandenen giftigen Dämpfe zu ei- nem langen Krankenhausaufenthalt der Künstlerin. Aus dieser Erfahrung der Isolation sind Rebecca Horns Kör- perextensionen entstanden: Objekte, in kinetische Objekte, Malerei, Grafik, Dichtung, Film, Performance, in Bühnenbilder oder ortsbezogene Installationen. (SPW) Bild: Gunter Lepkowski. baum, 2010. Anzeige [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

52

52 Museen Zettelkataloge werden zunächst weiter bewahrt Staatsbibliothek Die Staatsbibliothek zu Berlin hatte kürzlich zu einem wissenschaftlichen Fachgespräch „Zettelkataloge. Unan- tastbares Kulturgut, aktiver For- schungsgegenstand oder substituier- bares historisches Arbeitsmittel?“ ein- geladen. Fachlich begleitet sowie mit veranstaltet wurde die Tagung vom Institut für Bibliotheks- und Informa- tionswissenschaft der Humboldt-Uni- versität Berlin und vom Gutenberg- Institut für Weltliteratur und schrift- orientierte Medien der Johannes-Gu- tenberg-Universität Mainz. Das Kolloquium zeigte das wissen- schaftliche Interesse an der grundle- genden Erforschung der Geschichte und Bedeutung von Zettelkatalogen. Schon allein der ontologische Status von Zettelkatalogen wurde bislang nicht abschließend geklärt – also die Einordnung als reine Arbeitsmittel von Bibliotheken, als Archivalien, de- ren dauerhafte Aufbewahrung unter das Archivgesetz fallen würde, oder als museale Objekte. Auch die Hal- tung zu der Frage, ob Microfiche oder Retrodigitalisierung die besten Mittel der Bewahrung des Wissens seien, hat sich im Laufe der Jahre verän- dert, wie die Kolloqiumsbeiträge zeig- ten. Der bisherige Umgang mit Zet- telkatalogen ist dabei weltweit nicht einheitlich. Einige Bibliotheken haben ihre Kataloge nach der Digitalisierung makuliert, viele andere Institutionen legen Wert darauf, sie im Original für zukünftige Forschungsvorhaben zu bewahren. Inhaltliches Forschungsin- teresse zeigte sich gerade im Hinblick auf jene Berliner Zettelkataloge, die in der DDR-Zeit entstanden. Vor diesem Hintergrund möchte die Staatsbibliothek die Möglichkeit zur weiteren wissenschaftlichen Arbeit mit den Zettelkatalogen eröffnen und wird diese zunächst weiterhin bewahren. Marion Ackermann, Präsidentin der SPK, sagt: „Inwieweit sich die Gesell- schaft Archivierungen und Musealisie- rungen leisten kann, ist immer auch ein gesellschaftlicher Aushandlungs- prozess. Ich bin gespannt auf die demnächst zu erwartenden Beiträge und Forschungsfragen.“ (SPK) [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Dimensionen der Freiheit. Ausstellungen Carl-Henning Pedersen und Else Alfelt Mit Dimensionen der Freiheit widmet sich die Kunsthalle St. Annen erstmals umfassend dem Werk von Else Alfelt und Carl-Henning Pedersen, zwei zentralen Positionen der europäischen Nachkriegsmoderne und wichtigen Vertreter:innen der CoBrA-Bewegung. Mehr als 150 Arbeiten aus vier Jahr- zehnten zeichnen die Entwicklung einer Bildsprache nach, die aus Wider- stand, radikaler künstlerischer Selbst- ermächtigung und kollektiver Kreativi- tät hervorging. Die Ausstellung be- schäftigt sich mit den unterschiedli- chen Dimensionen der Freiheit, von der künstlerischen Praxis über das po- litische und gesellschaftliche Engage- ment bis zu spirituellen Neuerungen. Die Begegnung von Else Alfelt und Carl-Henning Pedersen markierte den Beginn einer intensiven künstlerischen wie persönlichen Partnerschaft. Beide wandten sich früh gegen akademische Traditionen und schlossen sich den avantgardistischen Künstler:innen- gruppen Høst und Helhesten an, die während der deutschen Besatzung Dänemarks aktiv Stellung gegen die nationalsozialistische Ideologie be- zogen und sich mit den verfemten Positionen der sogenannten „entarteten Kunst“ solidarisierten. 1948 wurden beide Künstler:innen Teil der internationalen CoBrA-Bewegung, die nach den Traumata des Zweiten Weltkriegs eine Kunst jenseits gesell- schaftlicher und akademischer Zwänge vertrat. Als Gründungsmitglied beein- flusste Pedersen mit seinem gestisch- expressiven, von nordischer Mytholo- gie, Folklore und Kinderzeichnungen geprägten Stil die Bewegung nachhal- tig. Alfelt hingegen blieb ihrer eigenen Bild- und Formensprache treu. Ihre Arbeiten übersetzen Natur, Spirituali- tät und kosmische Vorstellungen in re- duzierte und kristalline Bildräume aus Bergen, Monden und Sonnen, die sich bewusst von der Ästhetik von CoBrA unterschieden. Für die Kunsthalle St. Annen besitzt die Ausstellung eine besondere sammlungshistorische und kulturpolitische Bedeutung. (KHSA) Courtesy of Carl-Henning Pedersen & Else Alfelts Museum Carl-Henning Pedersen und Else Alfelt, 1966, Bild: KUNSTHALLE ST. ANNEN [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

53

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ SPK restituiert eine Statuette an die Erben von Charlotte Prybram-Gladona 53 Museen Die Stiftung Preußischer Kulturbesitz hat die Skulptur eines „Christus an der Säule“ aus der Sammlung des Journalisten und Herausgebers Albin von Prybram-Gladona restituiert. Die Herkunft des Werks war im Rahmen der systematischen Provenienzfor- schung zu den Erwerbungen der Skulpturensammlung im Zeitraum 1933 bis 1945 entdeckt worden. Marion Ackermann, Präsidentin der SPK, erklärt: „Nachdem die Proveni- enz klar war, hat die SPK die Erben von Charlotte Prybram-Gladona kon- taktiert und ich freue mich sehr, dass so wieder ein Werk an seine rechtmä- ßigen Eigentümer übergeben werden kann. Mit der Rückgabe möchten wir versuchen, erlittenes Unrecht ein Stückweit wieder gut zu machen.“ „Als Direktorin ist es mir wichtig, dass wir als öffentliche Sammlung nicht zu Anzeige Profiteuren von Zwangslagen Dritter werden, die auf politische, ethnische oder rassistische Verfolgung zurück- zuführen sind. Daher ist die Rückgabe von verfolgungsbedingt verlorenem Kulturgut für uns eine Selbstverständlichkeit“, ergänzt Antje Scherner, Direktorin Skulptu- rensammlung und Museum für Byzantinische Kunst. (SPK) , ) h t d w x t h g e h ( 0 5 x 0 6 : t a m r o F e m a r f t u o h t i w i Stilvolle Kunstwerke für Ihr Büro Ihr berufliches Umfeld ist von Professionalität und Leistung geprägt. In Ihrem Büro verkörpern Sie Kompetenz und Zuverlässigkeit gegenüber Ihren Kunden. Beeindrucken Sie im Arbeitsleben neben Ihrem fachlichen Können mit einer stilvollen Einrichtung Ihrer Büroräume. Eine große leere Wand schmücken Sie am besten mit einem eindrucksvollen Ölgemälde aus dem Nachlass des Künstlers Siegbert Hahn. , ) 5 9 9 1 ( ” n e n e g r o b r e V m i n e h ü B “ l i Estate Siegbert Hahn GbR www.natura-mystica.eu [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

54

54 Museen Sensations Fondation Beyeler, noch bis zum 26.04.26 Die erste Sammlungspräsentation des Jahres lädt zu einer Entde- ckungsreise mit zahlreichen Höhe- punkten der Sammlung der Fonda- tion Beyeler ein – und zugleich zu einer Reflexion über den Begriff der «Sensation». Ausgangspunkt ist Paul Cezanne, dem die Fondation Beyeler gleichzeitig eine Ausstellung widmet. Cezanne sprach in seinen Briefen immer wieder von den „sen- sations colorantes“ (Farbeindrücke) als einer grundlegenden Vorausset- zung seiner Malerei. Diese verstand er als eine direkte Übertragung der eigenen farbigen Seheindrücke, jener besagter „sensations“, auf die Leinwand. Im Deutschen lässt sich das Wort „Sensation“ unter anderem als Wahrnehmung oder Sinneseindruck wie auch als Empfindung und Gefühl übersetzen. Im Zentrum der Samm- lungspräsentation stehen daher Werke von Künstler:innen, die ihre Sensationen entweder durch eine besondere Wahrnehmungsqualität oder aber durch eine starke emotio- nale Intensität erlebbar machen. Zu sehen sind Werke unter ande- rem von Lucas Arruda, Francis Ba- con, Jean-Michel Basquiat, Louise Bourgeois, Wassily Kandinsky, Ellsworth Kelly, Fernand Léger, Claude Monet, Susan Philipsz, Pablo Picasso, Mark Rothko, Andy Warhol und Issy Wood. (FB) Anzeige [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Bild: Kunstverein Friedrichshafen Lin Olschowka, „Titeln Jailed First 1“ und „Jailed First 2“ Copy of a Wall Lin Olschowka Ausstellungen Kunstverein Friedrichshafen Der Kunstverein Friedrichshafen zeigt bis zum 29.03.26 die Einzelausstel- lung Copy of a Wall der Malerin Lin Olschowka. Die Ausstellung Copy of a Wall wid- met sich dem Moment des Über- gangs. Im Fokus stehen dabei Zu- stände des Dazwischen, in denen Bilder, Bedeutungen und Zuschrei- bungen noch offen sind oder sich ver- schieben. Die Malerin Lin Olschowka beschäftigt sich mit dem Verhältnis von Original und Kopie, mit Wieder- holung als produktiver Strategie so- wie mit der Frage, wann und unter welchen Bedingungen Bilder und Bedeutung entstehen. Im Zentrum der Ausstellung Copy of a Wall stehen zwei nahezu identische Selbstporträts vor den Kreidefelsen auf Rügen mit den Titeln Jailed First 1 und Jailed First 2. Die dargestellte Szene wirkt auf den ersten Blick ruhig und vertraut. Durch die Bildwiederho- lung verschiebt sich diese Wahrneh- mung allerdings: Das Selbstporträt verliert seine Position als singulärer Ausdruck und wird Teil einer seriellen Ordnung. Die Aura des Originals er- scheint als veränderlich und prozess- haft, sie verändert sich im Akt der Reproduktion. Originalität entsteht im Vergleich der Bilder, in ihren minima- len Unterschieden und im Abstand, der sie voneinander trennt und zugleich verbindet. Diese Herangehensweise setzt sich in weiteren Arbeiten fort. In Mäuseloch 1, Mäuseloch 2 und Get-together ver- schiebt Lin Olschowka Maßstäbe und Hierarchien. Zeiten, Stile und Bildtra- ditionen überlagern sich. Sakrale Bild- welten treffen auf popkulturelle Refe- renzen und kunsthistorische Zitate begegnen alltäglichen Motiven. Wahr- nehmung erweist sich als abhängig von Kontext, Maßstab und Blickrich- tung. Auch das Werk S 285/1 greift diese Fragestellungen auf. Die Leinwand übernimmt exakt die Maße eines real existierenden Tisches von Marcel Breuer, im Ausstellungsraum ist zusätzlich der originale Tisch präsent. Er erscheint als Gebrauchs- gegenstand, sodass Bild und Objekt gleichberechtigt nebeneinander stehen und die Grenze zwischen Repräsentation und Realität durch- lässig werden. Die Ausstellung folgt keiner linearen Erzählung. Wiederholung, Verschie- bung, Zitat und Übertragung bilden zentrale Strategien in Lin Olschowkas Praxis. Copy of a Wall versteht sich als offenes Ausstellungsgefüge, in dem Bedeutungen zirkulieren und sich kontinuierlich verändern. (KVFH) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

55

[ 55 ] Kunst-News 37 Siegmund Hahn (1937 - 2009) Das digitale Kunstmagazin „Aus Leidenschaft und Einsicht bin ich Graphiker. Die Technik der klassischen Radierung entspricht meinen Ausdruckswünschen,“ so Hahn. Seit 1974 arbeitete Siegmund Hahn in seiner eigenen Radier-Werkstatt. „Parklandschaft II“ (1981), Motivgröße: 19,4 x7,3 cm, Blattformat 38,3 x 26,5 cm (HxB); Limitiert, 50 Exemplare, nummeriert, signiert, ungerahmt Sonderpreis: 60,- Euro (inkl. MwSt.), zzgl. Versand Radierungen der Künstler Albrecht Dürer und Käthe Kollwitz inspirierten den Künstler. Seine Radierungen befinden sich unter anderem in folgenden Graphischen Sammlungen / Museen: Museum der Bildenden Künste, Leipzig; Gutenberg-Museum, Mainz; Museum Otto Schäfer, Schweinfurt; albrecht-dürer-haus, Nürnberg; Kunsthaus Zürich; Wilhelm-Busch-Museum, Hannover etc. „Alt-Korinthisches Haus“ (1978) Motivgröße: 9 x 6 cm, Blattformat 19,2 x 26 cm (HxB), Limitiert, 50 Exemplare, nummeriert, signiert, ungerahmt Sonderpreis: 40,- Euro (inkl. MwSt.), zzgl. Versand Signierte Radierungen von Siegmund Hahn können Sie direkt beim Verlag zu einem einmaligen Sonderpreis beziehen. Weitere Radierungen finden Sie auf der Homepage. „Ionischer Schornstein“ (1979); Motivgröße: 9 x 6 cm, Blattformat 19,2 x 26 cm (HxB); Limitiert, 50 Exemplare, nummeriert, signiert; ungerahmt Sonderpreis: 40,- Euro (inkl. MwSt.), zzgl. Versand www.hahn-siegmund.de Kontakt: info@natura-mystica.eu [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

56

56 Die Kunstmesse legt einen besonderen Schwerpunkt auf globale Perspektiven in der zeitgenössischen Kunst Kunstmessen ART INTERNATIONAL ZURICH 2026, 08.05. bis 10.05.26, Giessereihalle Puls 5 Zürich Vom 8. bis 10. Mai 2026 findet in der Giessereihalle Puls 5 in Zürich die 28. Ausgabe der Kunstmesse ART INTER- NATIONAL ZURICH statt. Auf dieser Messe wird zeitgenössi- sche Kunst aus aller Welt präsen- tiert. Die renommierte Veranstal- tung bietet eine beeindruckende Auswahl zeitgenössischer Kunst und fördert den inspirierenden Dialog zwischen Künstlern, Galerien und Kunstliebhabern. Diese künstlerische Reise führt die Besucher durch 25 Länder, dar- unter mehrere europäische sowie durch Kanada, die Vereinigten Staaten, Japan, Südkorea, Tai- wan, China, Malaysia, Simbabwe und weitere Regionen, bevor sie in der Schweiz ausklingt. 54 Aussteller:innen präsentieren Ge- mälde, Skulpturen, Fotografien, digitale Kunst und Installationen. Die künstlerischen Positionen sind so vielfältig wie die Her- kunftsländer. Die ART INTERNA- TIONAL ZURICH 2026 verkörpert eine offene, globale Kunstszene und schafft Verbindungen über Kontinente hinweg. Viele Projekte werden sich mit Themen wie kul- tureller Identität, Nachhaltigkeit, urbanem Leben und interkulturellem Dialog auseinandersetzen. Die Messe bietet eine Plattform für Begegnun- gen, neue Perspektiven und kreative Inspiration. Der direkte Dialog zwischen Ausstel- lern und Besuchern schafft eine per- sönliche Atmosphäre und ermöglicht authentische Kunsterlebnisse. Die ART INTERNATIONAL ZURICH leistet somit einen wichtigen Beitrag zur internationalen Vernetzung, zur Kunstförderung und zur Belebung des Schweizer Kunstmarktes. Der Fokus liegt dabei klar auf Vielfalt, Dialog und Zugänglichkeit. Die Kunstmesse ART INTERNATIONAL ZURICH 2026 bringt dieses Jahr künstlerische Positionen aus Afrika, Asien, Europa und den USA zusam- men und führt sie in einen vielschich- tigen Dialog. Galerien und Kunst- schaffende aus Kuala Lumpur, Seoul, Tokio, Taipeh, Kapstadt, Santa Bar- bara, Miami, Budapest, Prag, Berlin und zahlreichen Schweizer Städten treten auf Augenhöhe miteinander Impressionen von der Art International Zürich 2025 Bild: BB International Fine Arts GmbH in Kontakt und schaffen so einen Raum für globale Vernet- zung und kulturellen Austausch. Ein markanter Schwerpunkt liegt auf künstlerischen Perspektiven aus Übersee, insbesondere aus Afrika, Asien und den USA. Die präsentierten Galerien und Kunst- schaffenden zeichnen sich durch vielfältige ästhetische Handschrif- ten und kulturelle Kontexte aus und fördern damit einen trans- kontinentalen Dialog. In einem umfassenden Spektrum zeitge- nössischer Positionen werden Ma- lerei, Skulptur, Fotografie, Instal- lation und Mixed Media präsen- tiert, wodurch die Vielfalt aktuel- ler künstlerischer Ausdrucks- formen widergespiegelt wird. Aus Asien sind vielfältige künstle- rische Handschriften vertreten, die regionale Ästhetiken mit zeit- genössischen Diskursen verbin- den. Die malaysische Gegen- wartskunst beeindruckt durch technische Präzision und gesell- schaftspolitische Reflexion. Positi- onen aus Taiwan, Japan und Korea verknüpfen traditionelle Einflüsse wie die Tuschemalerei, den Minimalismus und philosophi- sche Bildkonzepte mit moderner Mate- rialität und popkulturellen Referenzen. Papiercollagen, pop-surrealistische Kompositionen und konzeptionell fun- dierte Zeichnungen sind Beispiele für eine Kunst, die kulturelles Erbe und Gegenwart integriert. Sie sind ein Ab- bild der Kunstszenen ihrer Regionen, in denen technisches Können, gesell- schaftsrelevante Inhalte und eine eigenständige visuelle Sprache zur Geltung kommen und Einblicke in aktuelle Diskurse bieten. (BBIFA) Seite 58 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

57

[ Kunstadressen Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Kunst & Antiquitäten auktion-eder.de Auktionshäuser Kunstmessen Kunstmessen Messeportal Online-Galerie messekompakt.de Online-Shop (Künstler) Kunst aus dem Nachlass des Künstlers! www.saatchiart.com Estate Siegbert Hahn GbR www.natura-mystica.eu [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026 57 , ) 7 9 9 1 ( “ r e b u ä r n e t ü B „ l ) n e m h a R e n h o ( m c 5 8 x 0 6 : t a m r o F

58

58 [ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] Zeitgenössische Impulse zwischen Tradition und Transformation Fortsetzung von Seite 56 Kunstmessen ART INTERNATIONAL ZURICH 2026 Zeitgenössische afrikanische Positio- nen setzen kraftvolle Akzente, indem sie traditionelle Techniken wie die Shona-Steinskulptur mit ak- tuellen Ausdrucksformen in Malerei, Installation und Mixed Media verbinden. Dabei werden zentrale Themen wie Identität, Migration, Gemeinschaft und postkoloniale Narrative aus feministischer, diasporischer und interkultureller Perspektive neu verhandelt. Diese Arbeiten eröffnen einen differenzier- ten Blick auf gesellschaftliche Trans- formationen, kulturelles Erbe und kulturelle Selbstverständnisse in ei- ner globalisierten Welt. Interkultu- relle Netzwerke stärken gezielt die Sichtbarkeit afrikanischer Künstle- rinnen auf internationaler Ebene. Aus den USA kommen Impulse einer vielfältigen Gegenwartskunst, die zwischen konzeptueller Klarheit, materialbetonter Experimentier- freude und urbaner Energie oszil- liert. Galerien aus Miami und Kali- fornien präsentieren Positionen, die textile Techniken, Modeeinflüsse Bild: BB International Fine Arts GmbH sowie grossformatige, abstrakte Kompositionen integrieren. Dabei werfen sie Fragen zu Konsum, Oberfläche und kultureller Hybridität auf. Diese Beiträge zeichnen sich durch urbane Energie, experimen- telle Materialkombinationen und interdisziplinäre Ansätze aus und spiegeln die Vielfalt einer Kunst- szene wider, die stark von kultur- eller Durchmischung geprägt ist. Gleichzeitig treten europäische Posi- tionen, die sich durch konzeptuelle Klarheit, poetische Landschaftsinter- pretation und introspektive Figura- tion auszeichnen, mit den amerika- nischen Impulsen in Resonanz. Das thematische Spektrum der Kunstmesse reicht von Identität, Migration und Erinnerung über Na- tur- und Landschaftsdarstellungen bis hin zu Fragen der Spiritualität, Urbanität und des gesellschaftlichen Wandels. Die Aussteller beschäfti- gen sich intensiv mit der Beziehung zwischen Mensch und Umwelt. Viele Positionen kombinieren traditionelle Techniken mit modernen Ansätzen und erweitern so die Grenzen klassischer Genres. Es werden globale Fragestellungen wie Resilienz in Krisenzeiten, öko- logische Verantwortung und die Suche nach Zugehörigkeit thema- tisiert. Zahlreiche Kunstschaffende arbeiten medienübergreifend und lassen traditionelle Handwerkstech- niken auf innovative Technologien sowie persönliche Narrative auf kollektive Erfahrungen treffen. Neben figurativen und realistischen Arbeiten finden sich expressive, pop-surrealistische und konzeptio- nelle Werke, die emotionale Tiefe mit formaler Präzision verbinden. Die Beiträge aus Übersee zeichnen sich durch eine tiefgehende Auseinan- dersetzung mit Themen wie gesell- schaftlicher Transformation und kul- tureller Selbstbehauptung aus. Viele Werke entstehen interdisziplinär, in- dem sie verschiedene Kunstformen zu vielschichtigen Bildräumen kombinie- ren, die von transkulturellen Einflüs- sen geprägt sind. (BBIFA) Impressionen von der Art International Zürich 2025 [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026

59

] Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin [ Hollywood 1945-1965 Das goldene Zeitalter Galerien in focus Galerie - B. Arnold in Köln zeigt Bernard of Hollywood konzeptionell verknüpfte Arbei- ten, die die enge Verflechtung von Ikone, Werbung und Pop- kultur sichtbar machen. Bernard of Hollywood arbeitete gezielt mit Licht, Schatten und einer präzisen Komposition, die das zeitgenössische Selbstver- ständnis von Schönheit, Erfolg und Weiblichkeit reflektiert – von der klaren Studioinszenie- rung bis zu intimen Moment- aufnahmen vor der Kamera. Die Ausstellung zeigt Stars jenseits der Leinwand: Ikonische Gesichter jener Jahre, die das öffentliche Bild prägten, wie Marilyn Monroe, Sophia Loren, Jayne Mansfield, Anita Ekberg, Cary Grant, John Wayne, Yul Brynner oder Clark Gable. Bernards Fotografien der Stars, Pin-Ups und Models verweisen auf eine Ästhetik, die Werbung, Mode und Film miteinander verknüpfte. Seine Fotografien Bild: Bernard of Hollywood: Zsa Zsa Gabor, 1959 59 Vorschau Die nächste Ausgabe der [Kunst-News] erscheint am 30. März 2026 In der nächsten Ausgabe blicken wir zurück auf die TEFAF 2026 in Maastricht und schauen auf die Kunstmetropole Paris und ihre anstehenden Ausstellungen. Darüber hinaus schauen wir im Vorfeld der Art Basel 2026 auf die kleinen Kunstmessen, wie z. B. die VOLTA, Liste Art Basel und die photo basel, die im Schatten der Art Basel stattfinden. Siegbert Hahn, „Graue Landschaft“ (1971) Bild: Estate Siegbert Hahn GbR Zu guter Letzt berichten wir über die neue Dauerausstellung „Du bist Teil der Geschichte. Deutschland seit 1945“ im Haus der Geschichte in Bonn. Erscheinungstermine 2026: [K-N 39]: 18.05.2026 [K-N 40]: 03.08.2026 [K-N 41]: 30.09.2026 [K-N 42]: 23.11.2026 Die in focus Galerie – B. Arnold zeigt Fotografien, die das leuchtende Span- nungsfeld zwischen Glamour, Alltags- kultur und dem intensiven Blick hinter die Kulissen des postkriegszeitlichen Hollywood einfängt mit originalen Fotografien von Bernard of Hollywood (Bruno Bernhard), dessen Bildsprache bis heute ikonisch wirkt und der maß- geblich an der Durchdringung der Popkultur mit bildgewaltiger Selbstin- szenierung beteiligt war. Nicht zufällig verhalf seine Arbeit Persönlichkeiten wie Marilyn Monroe zu einem frühen, bahnbrechenden Zugang in eine film- ische wie fotografische Selbstver- marktung – und er trug mit Leitlinien in seinem Lehrbuch maßgeblich zur Entwicklung der Pin-Up-Fotografie bei. Die Ausstellung würdigt diese Doppelrolle: Dokumentation des Stu- dios als Produktionsort und Erzählung von Fantasie, Selbstverständnis und medialer Wirkung. Die Ausstellung präsentiert ausge- wählte Originalabzüge von Bernard of Hollywood, ergänzt durch dienen auch der Dokumentation des goldenen Zeitalters Hollywoods, Fotografie als Medium der Traum- produktion, die zugleich als Be- obachtungsgeschichte fungierte. Bernard of Hollywood ist weltberühmt als einer der stilbildenden Fotografen der Glamourfotografie. Seine Arbeit ist eng mit Marilyn Monroe verbun- den, der er zu einer frühen Film- reputation verhalf, die bis heute zum kollektiven Bildgedächtnis gehört. Gleichzeitig zählt sein Einfluss auf die Glamour- und Pin-Up-Fotografie zu einem bleibenden Erbe der Bildver- mittlung und Ästhetik dieser Epoche, dem goldenen Zeitalter Hollywoods. Die Ausstellung führt durch eine Reise von 1945 bis 1960, von der unmittel- baren Nachkriegszeit über die Höhe der Studioära bis hin zu den begin- nenden gesellschaftlichen Umbrü- chen. Hollywood war eine Kultur- produktion, die das kollektive Bild von Schönheit, Erfolg und Freiheit maßgeblich prägte. (ifg) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01 / 2026

60

[ Kunst-News 37 Das digitale Kunstmagazin ] „Mahbuba Maqsoodi | glaubhaft“ Mahbuba Elham Maqsoodi, Sein, 2023, Mischtechnik- Acryl und Öl auf Leinwand, 150-x-150-cm- 60 Bild: Atelier-Maqsoodi Galerien Städtischen Galerie Neunkirchen Erstmals präsentiert die inter- national renommierte Künstlerin Mahbuba Elham Maqsoodi eine umfassende Auswahl ihrer aus- drucksstarken Werke im Saar- land. Die aus Afghanistan stam- mende und seit 1994 im Exil in München lebende Künstlerin er- langte insbesondere durch ihren monumentalen Fensterzyklus in der Benediktinerabtei St. Mauri- tius in Tholey aus dem Jahr 2021 große Bekanntheit. Die Städti- sche Galerie Neunkirchen zeigt nun einen repräsentativen Aus- schnitt ihres aktuellen Schaffens in Malerei, Zeichnung, Glasmale- rei und Wandinstallationen der letzten Jahre. Im Zentrum ihrer Arbeiten stehen stets der Mensch sowie das Nachdenken über das alle Menschen Verbindende. Die architekturgebundene Kunst, meist mit Glas, ist eines der wichtigen Betätigungsfelder der Künstlerin. Expressiv und TEFAF Maastricht 2026 | Art Basel Hong Kong 2026 Art Düsseldorf 2026 | Discovery Art Fair Cologne 2026 Art Brüssel 2026 | Art International Zürich 2026 dynamisch, häufig in einer wirbelnden Bewegung bannt Mahbuba Maqsoodi ineinander verwobene Farbformen und Figuren auf die Bildfläche. Ihre besondere Wirkkraft entfalten diese Arbeiten im durchscheinen- den Licht der Fenster. Figuren, Gesichter, Körper verdichten sich in der Farbflut, lösen sich wieder in abstrakte Formen auf und finden erneut zusammen. Die Künstlerin zieht die Betrach- tenden in diese Bilddynamik hinein und lädt zugleich zur stillen Kontemplation über grundlegende Fragen des Seins und der Welt ein. Existentielle menschliche Fragestellungen verschmelzen dabei mit religiö- sen Themen, Überlegungen zur Vielfalt im Leben und Reflexionen Anzeige über das aktuelle globale Welt- geschehen. (SGN) [Kunst-News 37] | Ausgabe Nr. 01/2026